2.1湖岸的风景——水平式构图实例
拍摄参数：光圈 F9 快门 1/13秒 ISO 50 焦距16mm 机型 EOS 400D
学习目标
●水平式构图
●拍摄湖边风景
主题构思
水平线会给人宽广、平稳、宁静的意味，大自然中很多景物都具有水平线，例如地平线、海平线等等，所以水平构图在自然风光摄影中经常会用到。在构图时，要注意水平线的位置。通常来说，水平线放置取决于你的拍摄意图。以地平线为例，如果你要强调天空，那么就把地平线放到画面偏下的位置，如果要强调地平线下的景物，例如湖面，则可把地平线放置到画面上方，总之不要把地平线放在画面的中央。
上面这幅照片摄于西藏三大圣湖之一的纳木错，站在湖边的岩石上，清风拂面，湖面荡起阵阵涟漪，偶尔几只海鸟飞过，远远传来的鸣叫反而增添了几分幽静，广阔的湖面虽然美丽却难免单调，所以我把湖边的岩石也纳入了镜头，远近的对比让风景更具立体感。因为拍摄的主体是湖，所以把水平线放到画面上部三分之一左右的位置，留给湖面更多的空间。
拍摄步骤
步骤一选择拍摄位置
拍摄这幅作品时，我位于湖畔不远处的一个小山丘上，在这里可以鸟瞰纳木错大半的湖面风光，是个理想的拍摄位置。
步骤二设置相机拍摄模式
拍摄海岸风景这类辽阔的场景时，如果相机带有风光模式，可以直接使用该模式来拍摄，在这种模式下，近处和远处的景物都会清晰呈现，并且绿色和蓝色更加鲜艳和清晰，天空和大海会显得更迷人。
图2-9-01 设置拍摄模式
步骤三调整镜头焦距
为了表现湖面的广阔，可以使用广角端进行拍摄，转动变焦环调整镜头。
图2-9-02 调整镜头焦距
步骤四取景构图及拍摄
拍摄海面、湖面等具有明显水平特征的风景时，水平线的位置是构图的关键，以这张照片为例，如果你想强调的是湖面上广阔的天空和云彩，那么天空所占的比例就要增加，可以把湖面水平线置于画面底部1/3的位置；而拍摄这张照片时，我强调的是湖岸的乱石和湖本身，所以把湖面水平线置于画面上方约1/3的位置，把更多的空间留给拍摄主体。
图2-9-03 取景构图
拍摄体会
拍摄风景时，万里无云的天空会显得过于单调，最好还是等有云彩的天气拍摄。另外就是由于天空和地面的反差较大，照片中的天空可能会过曝变成白茫茫一片，为了让天空更加蔚蓝通透，可以用偏光镜或者灰度渐变滤镜来压暗天空。
5种构图方法 与其他摄影教材不同，本书中的构图测光将被分成两章进行讲解。在这一章的讲解中，我的主要目的是帮您构建一个初步的认识：比如什么样的构图不太容易被接受；在拍摄的时候怎么简单的操作就可以让曝光比较准确等，当然还有一些经验的数据和大家分享。而在后续的讲解中，我们的主要目的则是教大家如何创意的构图用光，以及如何拍摄出符合自己心境的图片。在讲解构图之前首先要说的是构图其实并无固定模式。在特定条件下，什么样的构图都可能成为经典。我们可以先从基本的，大家都认同的方式着手进行练习与提高。等自己的水平达到一定程度后，再开始无穷尽的创意。 相关阅读：7天摄影入门首先从认识摄影作品开始 器材搭配方案成为专业摄影师必备3支镜头 新手必备基础全攻略帮你仔细研读相机说明书 7天摄影入门拍出好照片的9个基本要素（上） 1、构图的常见问题 主体居中 主体居中是一般初学者常见的拍摄方式。我们看看下面的图：
主体居中 虽然图片拍摄效果不错，但居中的构图使照片显得较为呆板。另外，居中构图容易造成画面比例不协调，如坐图，紫色郁金香作为背景均在画面偏右方，所以当黄色郁金香主体被安排在中间时，整张照片重心右移而显得不平衡。 两分平面 两分平面的主要问题是照片重点不突出。初学者往往不能正确的取舍画面，让本不重要的物体占据了较大的比例。如图： 两分平面
两张范例的地平线均被安排在了正中心，天空的比例与下面景物的比例很相似。以致于让读者分不清画面的重点在哪。 水平偏移 水平线是每张照片的重要视觉信号。风景摄影中，水平线不平的照片会让人感觉不适，仿佛天地就要颠倒。如图： 水平偏移 如果上面两张照片的水平线平整，将是很优秀的作品。所以水平线的问题，需要拍摄者在拍摄时更多的注意。 当然，并不是每一张照片都一定要严格的保证水平线平整。在拍摄人像与小品时，故意将画面水平线改变能使画面更具有活力，富有动感。 画面杂乱
23谈构图对意境的影响 刘钊 【摘要】意境是艺术家情感、理想的主观体现，是在主客观两方面的有机统一，是生活的真实转化为艺术的真实，是艺术家情感与形式美感的有机结合。而构图是画面产生意境的基础, 没有构图的作品谈不上意境，有构图没有意境的作品不能表达主题思想，构图也就没有意义了。 【关键词】构图意境表现 构图一词是英语Composition的意译，是指美术创作时依据题材和主题思想的要求，将所要表现的形象(各部分)加以组织和适当配置，构成一个完整协调的画面。中国画称之为“章法”、“布局”。 一、从形式语言上说，构图与意境的统一，就是构图的形式语言与意境的相合. （一）水平式构图 在心理上给人一种平稳、平静、安宁、单调、遥远、空灵的感觉。如日本画家东山魁夷作品《白夜光》中的几条水平线加强了北欧白夜景色的沉寂、静志、平稳、平静、的感觉，取得了很美的意境。而列维坦的油画《弗拉基米尔路》则略有不同，为了表达出流放路上单调、遥远和压抑的感觉。强调了单一的地平线以及大面积天空对地面的压迫感，取得了凝重、苍茫的艺术效果。 （二）竖形线构图 在心理上给人一种高大、严肃、肃穆、宁静、挺拔、高耸的感觉。如吴冠中的中国画《玉龙山下丽江城》中的树干形成竖直线有力地表现了松树的高耸和挺拔感觉。造就了此画奇绝明朗的意境。 （三）斜形线构图 在心理上给人一种方向、不稳定、激情、动势等感觉，如梵高的油画《星空》中的线条布满整个夜空，黄色的星星在蓝色的夜空中那么不甘寂寞，隐含梵高对艺术的狂热追求，以及对生活困境的不屈服。而王文彬的油画《夯歌》则利用画面倾斜线的不稳定感来加强打夯的动势，表现了在劳动中人们飞扬饱满的激情。（四）“之”字形，又称“s”形构图 在心理上给人一种曲折、回转、含蓄的视觉美感。如弯曲的河流给人的感觉是富有节奏变化的美，“曲径通幽”能给人一种时隐时现的充满迷幻的遐想。“s”形构图在中国画山水画中大都着意于“起、承、转、合”的形式规律运用，“之”字形的伸展性可以很好地表现画面中由近及远的意境。
大 众 文 艺 47 摘要：中国画构图是通过在画面上恰当地安排物象形态，从而 展现绘画主题，并创造具有形式美感的意境。中国画构图在实践中日 趋完美，更有其自己的特殊规律。了解和把握好中国画构图的内涵，对于中国画创作有着至关重要的作用。 关键词：中国画；构图；虚实相生；开合呼应 Abstract : The composition of Chinese painting is meant to present the theme and create the emotional feeling of formative sense of beauty through arranging proper objects on the picture. The composition of Chinese painting turns to be perfect in practice as time goes by， also has its special regulars. It plays an important role in creating Chinese paintings to know and master the connotation of the composition of Chinese painting. Key words: Chinese painting；composition；emptiness together with occupation；being open echoing to being closed 中国画将构图称为布置和章法，它是构成画面的主要元素，也是画中的骨骼。艺术家就是要在有限的纸素范围内，运用审美的观念安排和处理形象、线条的位置关系，将不同的形象、符号按构图的法则组成完整的艺术空间。艺术家为了更鲜明地表达事物的本质，通过对客观事物的提炼加工并加入自己的文化修养和情绪心态，构图就是这一过程的具体体现。 在中国传统绘画中，为了达到某种艺术效果，画家会选择与自己心性相对应构图方式，因为阅历、气质、修养、环境不同， 所以都有各自表达性灵的构图形式。如朱耷以圆形构图为主，画 面结构严谨、奇险与独特，对抽象结构有敏锐的感受能力，画面萧疏荒凉，而且物象以单个为主，无依无靠，这些形式正是他孤愤、冷寂、悲痛、沉郁的精神气质的表现。潘天寿构图喜作方形结构，每一笔都是匠心经营，充满力量和秩序，他在吸收文人画构图的基础上结合现代社会的发展，建立起自己独特的画面结构，在静态的画面中表现出强烈的生命律动感，表现出沉重、雄阔、质朴的绘画风格。 中国画构图在空间营造方式，画面透视法的处理以及安排与构建画面中都有它的独到之处。 一、中国画构图的重要性 中国画家对构图的研究由来已久，早在东晋时代，顾恺之 就提出了“置陈布势”的构图原理，其后历代画家不断丰富和发展，建立了具有民族特色和完整体系的中国画构图法则。中国构图画有两大特点：一是形式服从于内容的创作原则；二是矛盾统一的辨证规律。从形式上看，是笔墨技法下的构图。画面只有在构图的支撑下才能表达画者的意向和更好的突出主题，可见内容决定形式、形式服从内容，是中国画构图的优良传统。 在构图上，中国画讲究经营，绘画遇到的第一关即是构图。“取得好的题材，还不算大功告成，紧跟着要研究主次如何搭 配得宜，甚至空白处、气势、色彩等细节都要反复推敲，考虑 周全，做到成竹在胸，这种推敲布置的过程即是一种经营。”[1] “经营位置”六法中极为重要。张彦远认为这是“画之总要”，邹一桂也说“以六法言，以经营为第一”谢赫六法之一的“经营位置”，专指画面的布置。它不是立足于某个固定的空间或时间，而是以灵活的方式，打破时空的限制，把处于不同时空中的物象，依照画家的主观感受和艺术创作的法则，重新布置，构造出一种画家心目中的时空境界。所以说，在我国古代对构图就有了很深的理解和重视构图的重要性。 二、中国画构图的特点 1.散点透视 散点透视是我国画家独有的创造，在画幅形式的变化上，西方绘画一般都符合黄金比例，很少有狭长的画幅。而中国画画幅 则不受西方黄金比例的约束，可以是任何形状，根据构图的需要随意安排及经营物象的位置，具有超时空的散点透视在中国传统绘画中得到了充分的运用，如《清明上河图》《韩熙载夜宴图》《万里江山图》等。如此复杂的场景，唯有用长卷的形式才能把握得住，而在这种形式中，空间处理更微妙，画家灵感表现也更自由，焦点透视已经不能完美表现这种形式，散点透视的运用使画家在创作中游刃有余，随意而为。自古至 今，散点透视在中国绘画的表现中得到不断发展，体现出中 国绘画独特的审美心理背景。 2.主次分明，大胆取舍绘画创作要从画面整体构思需要出发，恰到好处地定下各部分形象的宾主位置，才能更好地表现自然美，使主题立意明确， 构图完美。“舍取不由人，舍取可由人，懂得此理，方可染翰挥毫。”[2] 就明确道出了绘画的取舍之法，画家既受真实的自然物象的制约，又有自由创造画面的权利。要做到主次分明，首先要大胆取舍，这样才能突出画面的精彩部分，充分地发挥和表现．而对有碍画面效果的部分，要毫不犹豫地舍去。古谚云：画由心裁。心在取之，心不在则舍之。强调和渲染能够与创作者达成心里共鸣，在观者眼中投射出审美需要的物象就已足够。画家 匠心取舍，观者心领神会。3.穿插错落穿插错落之法在中国画的构图中非常重要，既要在画面中表现出主题姿态。又要错落有致，繁而不乱。古人有无“女”不成 梅之说，一个“女”字就定出了梅花枝干的大的走向。又有“三笔交凤眼”画兰说和“个”“介”字型画竹的穿插之法，其目的是把纷繁错乱的真实自然条理化，以便把画面分割成有一定秩序，有对比和统一又疏密不均的面和线，使画面构图既有一定的规律可循又天趣自然。在一幅作品中，为了让画面灵活，有生命，主 观地将所描写的物象安排得参差错落，齐而不乱，穿插有致，复杂而又有条理，错落而又有秩序，使画面自然灵活，巧妙天成。 4.疏密相间、虚实相生疏密关系是绘画结构的要着，古人很早就提出画面当“疏可走马，密不透风。”画面如果被景物挤满，没有一点空白，就会有一种很压抑的感觉，如果画面上空白留的恰当．能让人体会到画面的延伸，思路也会发生变化。方薰《山静居论画》说：“石翁风雨归舟图，笔法荒率，作迎风堤柳数条，远沙一抹，孤舟蓑笠，宛在中流，或指曰：‘雨在何处？’仆曰‘雨在画处，又在无画处。’风中柳飞，远沙迷茫，孤舟蓑笠等物象已构成雨景的 特色，故不画雨而自有雨意，而在形象之外的空白，则是若隐若现的雨中远景，是无所见的空濛雨意。”空白处常常隐藏着画者 的感情，观众的思绪。空白留取得当，会使画面有生气，空灵俊秀，作品的境界也能得到升华。中国画讲求“虚实相生”。隐藏、松动、含蓄为虚，显露、实在、明确为实。实处是画，虚处也是画。古人追求无画处皆成妙境，要虚中有实，实中有虚，两者相互衬托，相互对比和依存。中国画的以纹代水、以月代夜、以白代云、以势代风、计白当黑等都是“虚”的表现技法。画中常规的虚实关系为厚重者实，色淡者虚；近者实，远者虚；主为实，次为虚；外为实，内 为虚；有笔墨处实，无笔墨处虚。当然，这也不是绝对的定法，要根据画面的需要灵活运用。 5.开合呼应开合呼应是中国画构图的总构成方式，开合呼应贵在得势，势是一幅画的整体趋向和层次变化所形成的视觉感受。中国画的开就是要使画面有有蓄势的感觉，有张力，能将画面的物象展开。“合是合拢，是与开的照应，开则逐物有致，合则通体联络，中有转承曲折的变化。”[3] 是将画面协调统一起来。开要豁达、痛快，合要严实，做到“神合气闭”。要把握好开与合之间的节奏、韵律、幅度、疏密、聚散等变化，增强画面的感染力。呼应，在作品中，表现人、景、物之间相互联系、顾盼传情的呼 应关系，不仅要表现人物、动物的神态及情趣的呼应，也要有景物闻的姿态、韵致、趣味、节奏等关系的呼应，还应有笔、墨、线、色及形式和内容的呼应，从而使画面的人、景、物之间产生互动、交流和传情的效应。 6．诗、书、画、印诗书画印的结合，是中国画构图又一个特点。“中国画艺术是融诗文、书法、篆刻、绘画于一体的综合性艺术。”[4] 对于一幅中国画来说，唯有把诗、书、画、印结合起来，才能表现的完 浅析中国画构图 马天栋 (商丘师范学院美术学院 河南商丘 476000)理论研究?美术
十三种摄影构图技巧 1/13 均衡式构图。给人以满足的感觉，画面结构完美无缺，安排巧妙，对应而平衡。常用于月夜、水面、夜景、新闻等题材。 2/13 对称式构图。具有平衡、稳定、相对的特点。缺点：呆板、缺少变化。常用于表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体。 3/13 变化式构图。景物故意安排在某一角或某一边，能给人以思考和想象，并留下进一步判断的余地。富于韵味和情趣。常用于山水小景、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。
4/13 对角线构图。把主体安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，同时也能使陪体与主体发生直接关系。富于动感，显得活泼，容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果(例如聚光灯照射主体)。 5/13 X形构图。线条、影调按X形布局，透视感强，有利于把人们视线由四周引向中心，或景物具有从中心向四周逐渐放大的特点。常用于建筑、大桥、公路、田野等题材。
6/13 紧凑式构图。将景物主体以特写的形式加以放大，使其以局部布满画面，具有紧凑、细腻、微观等特点。常用于人物肖像、显微摄影，或者表现局部细节。对刻画人物的面部往往能达到传神的境地，令人难忘。 7/13 三角形构图。以三个视觉中心为景物的主要位置，有时是以三点成一面的几何形成安排景物的位置，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角、也可以是斜三角或倒三角。其中斜三角形较为常用，也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡、灵活等特点。
8/13 S型构图。画面上的景物呈S形曲线的构图形式，具有延长、变化的特点，使人看上去有韵律感，产生优美、雅致、协调的感觉。当需要采用曲线形式表现被摄体时，应首先想到使用S形构图。常用于河流、溪水、曲径、小路等。 9/13 九宫格构图。将被摄主体或重要景物放在“九宫格”交叉点的位置上。“井”字的四个交叉点就是主体的最佳位置。一般认为，右上方的交叉点最为理想，其次为右下方的交叉点。但也不是一成不变的。这种构图格式较为符合人们的视觉习惯，使主体自然成为视觉中心，具有突出主体，并使画面趋
常用的7个简单构图法则 构图的方式五花八门，良好的构图会使照片能清楚地表达意境和现场环境氛围。然而构图的好坏其实是很主观的一件事，想学习如何构图，一定要多看、多学其他人的摄影作品，并将之转换成属于自己的构图方式来运用。这可以透过摄影眼的训练，强化你的思考创作；这些学习都会潜移默化成为你的内在影像资料库，以后面对各种摄影题材时，都可以自动融入你的拍摄技巧内。 其实说穿了，观景窗里的画面能让自己觉得很棒，那就是好的构图；若观景窗的画面只让你觉得一般，就可以再试试其他的焦段、角度或位置来拍摄。以下列出几个常用的简易构图方式，帮助读者了解不同的构图法所呈现的影像。 避免将拍摄主题放在中心位置 小孩是这张照片中的主体，构图时我把他放在右边，让观看者在这张照片中心位置旁发现更吸引人的主体，便会透过主体延伸到其他更有趣的画面，也就是背景那一群正在吃草的羊儿，正也可说明这小孩是个牧羊童。
拍摄现场有正在放羊的放羊人、成群的羊群与两只牧羊犬，为了平衡画面，我把人与狗放置在左右两边，羊群放在中间，以凸显照片的叙述力。 在拍摄照片时，尽量不要把被摄主体放置在正中央位置，因为这样的照片看上去会有些僵硬、突兀，缺乏动感。 框架式构图法
这张照片中以正在打扫的僧侣为拍摄主体，刚好成排长方形的窗户除了有框架效果外，还可以将观看者的眼光引导到主体上。 换句话说，就是利用环境里的景物当成前景，框出主题。 利用人物点缀景致
用低角度把沿路的火山碎石与云雾带入，再把远处的登山客用点景方式呈现，增加画面的故事性。 造访纽西兰东加里罗国家公园中时，天气有些诡异，云雾不时飘来，阳光则在云层中忙着找缝隙，就像在玩游戏般和大地互相呼应着。 三分法 顾名思义，就是将画面均分为三等分的构图法，可轻松拍出构图平稳而比例恰当的影像，是简单却非常实用的构图方式。 将画面分割成三个区块后，如右图所示，上方为蓝天白云的天空、中间为高山村落、下方为秋收的田地。
中国画的构图与布局 中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它是以墨为主要的颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为背景的具有中华名族特色的独特画种。它的历史已传承几千年，是中国艺术的神圣代表，它是兼具精神和哲学的内涵与气质。中国画是建立在艺术想象的基础上的艺术创造，极具表现力，以它严整的形式构图，巧妙地布局和美学精神，通过虚实相生，气韵的完美结合，进行意象的创造，意境的升华，从而展现中华民族的精神和底蕴。构图在国画称为布局或章法，它是画面景物位置的配合，也是画中骨格的表现。构图的好与坏，不但影响整幅图的质素，更影响到它的价值和地位。 国画于构图中最大的特点并非西洋画的大小对比，斜线构图等的理论，而是首推它的画面景物视点问题，国画的透视点是无固定的，画面中可以有多层次的表现，视力不逮之处也可将它呈现于画面之上，从而做出天外有天，山外有山的画面。除此之外，还有大小对比，斜线构图，甚至是虚实的搭配，宾主之分，前后远近的描绘，皆遵从美学原理与法则，这些都是国画构图优越的表现。你必须在画面所用的物品之间建立某种联系，这种和联系可能成为画面的主题——具有田园生活的特征。 作者在作画的时候总要表达自己现在的心情和当时的那种激动，在一触即发的时刻捕捉到事物的特点，对它有了某种理解和某种感情，要用具体的形象将它表现出来，即将事物在头脑中进行反复的思考，将其吸收并融化，在头脑中进行多次的修改成熟后，再安排画面如何的组成，如何的定位。 中国画的布局即我们通常所说的“构图”，古人谓之为“章法”。东晋大画家顾恺之称为“置陈布势”；南齐美术理论家谢赫在著名的“六法”中曰“经营位置”；唐代张彦远则将“六法”中的“经营位置”称为“画之总要”。这表明布局对中国画创作典型化过程的重要性，它无疑是中国画艺术表现技巧最基本的方面，每位有成就的中国画家在创作作品中进行布局时都是“惨淡经营”。中国画较之西洋绘画艺术在布局上有其特殊性。中国画布局具有主观性和灵活性。中国画与西洋画是二种迥然不同的艺术形式，一般说来中国画讲求以线造型，西洋画讲求明暗造型；中国画写意，西洋画写真；西洋画讲求焦点透视，而中国画讲求散点透视（或移动透视）。这些方面决定了中国画布局形式比西洋画更富有主观、随意和灵活性。现代中国山水画大师张大千先生的《长江万里图》一纸长卷将浩浩万里长江尽收眼底；五代画家顾闳中的《韩熙载夜宴图》则突破时空限制，将不同时间的各个情节巧妙安排在同一画幅空间，把繁杂的“夜宴”理出一条清晰的线索。上叙二幅作品都是以移动透视的形式表现的。 当我们在画画的时候，在画面上如何的将要画的布置陈设的合理和妥当，应该和一杆老秤一样，要求作画的时候在变化中求平衡，在平衡中求变化，这就要求在墨色的色的深浅，物体的大小和距离的远近上求得平衡的变化，在变化的同时又显得那么的协调，但是在一幅画中不能出现平行或者是对称的，那样的话就会显得那么的僵硬和死板。清代，恽寿平提出了“疏密论”：文徵仲述古云，看吴
常见构图形式形状 对于设计来讲，纠正视差的活动在不断进行着，中文字体的宋体和英文字体的罗马字，不约而同的采取了横细竖粗的方式，这并非巧合。这道横线在人类心灵上刻下的印记是那么的明 显和具有影响力：它能给你带来平静、舒适和安祥的感觉。 对于风景来讲，低地平线多半是为了表现天空；而对于其他方面，低地平线是为了突出前景或中景中某个高大的对象。 光是一条直线，显然是很无趣的，若是在线上有些点缀，产生节奏或呼应，便显得生动多了。上图是Visa卡的广告，取了美国西部的一个景来说明在荒野之地亦可应用方便。 天空占了很大篇幅，云彩也有厚度，但是这些在构图上都不是主导的，所有的力量都被地平线所吸引着：天空≈空 横陈的云朵，有韵律感的树丛，令人惬意的田园交响。
好像是toyota的广告，车类的广告以风光衬托比较常见，目的是把人和自然的接触联系起 来。看起来悠闲自得，宛如棋盘上一步大飞。 微倾的地平线能带来动感，这在现代感的构图中被广泛应用，让简单的横线添加了不是那么 强烈的纵深感，对于表现情节有益。画面上3个女人由孤岛奔向救生的直升机。 这个你绝想不到是windowsXP的广告画面，将视平线抬高给你看看干裂的土地，多么沧桑，多么XP（经验）啊。远处那道亮白线虽然很细小，但仍旧很能吸引你的视线：那是XP的工作台向你奔来，如飞车一般。 由于使用了广角镜头的关系，你可以看到地面有弧度：这种手法是在暗示你生存在球上，也用来表现宽广的地域。
这张也是来自一个车的广告，不过不是轿车，是皮卡——在这种时候，你需要它。 接近1/2的地平线是较常见的位置，给人更多的真实感和亲切感，只是注意要将上下二部分元素调整一下，不要如镜像般完全一致才可获生动。 子曰：“仁者乐山，智者乐水”，中国传统审美很早就说明了这个问题。在长期的审美积淀后 把这二种不同的自然形态对应起来：文天祥正气歌：“天地有正气杂然赋流形下则为河岳上则为日星” 若是从形态意义上来讲，山型，在孙子兵法中有：“不动如山”，并且在后期的“十二纹章”（见注一）中，也将山型作为“稳重”的象征。 学设计艺术，却是基于西方理念，故归纳到几何形态，曰：▲构图。其实天下大同，理意相通。 好吧好吧，换个西化的脑袋来一起看看下面的几幅图：
中国画意境 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体
正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之
构图基本知识
【4-1】构图基本概念 构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。一副优秀的摄影作品，人们往往以“独具匠心”来评价其的构图精湛。可见，摄影艺术离不开构图，学习如何构图，也是学习摄影艺术的重要一环。 摄影构图就是在摄影创作过程中，如何在取景器里这个有限的平面空间里，合理地安排所看到的画面上各个元素的位置，从而达到最佳的艺术效果同时表现出摄影者的创作意图的过程。这个过程，和传统绘画中的“章法”“布局”是一样的，是一种艺术技巧和表现手段。
*上图二张是澳门拍的照片,我用各种颜色的框框表示其它可能的构图, 样的构图要在几秒钟决定,所以摄影是很考验人瞬间对美感的判断,这不外乎透过不断的练习,可以取得进步!!!! 如何培养美好构图的基础，除了不断的练习之外，看画展可以学习构图，浏览专业的摄影网站可以学习构图，看电视、看电影也可以学习构图，许多精致的影集影像构图技巧相当超水准，值得参考，譬如张艺谋或者是冯小刚的电影，请的都是大师级的美术指导，看电影学习摄影构图，真是一举数得！ 我说一下我对好的摄影作品的认知标准 1.影像品质--曝光、对焦、光圈、快门、ISO、曝光补偿是否合理..... 2.构图严谨--大多数的照片，构图都太松散，减法做的不好，良好的构图不会使主体比例、容积、重量显得太大或太小，并注意整体元素间的压迫张力和呼吸空间感...... 3.合理采光--摄影是用光线绘画，不同的采光表现不同情境，创造不同的画面效果..... 4.主题明确--主体，虚实的表现，要有让人兴奋的视觉焦点..... 5.好的照片有故事--好的照片能引人共鸣，有故事，耐看.....
第23卷第4期2012年8 月 JINGDEZHEN'S CERAMICS ·19· 青 花瓷是景德镇特有的陶瓷艺术品种。虽然着色单一，但它较五彩瓷器更显清丽、娟秀，因而广为众人所爱，素有 “永不凋谢的青花”之称。青花瓷以其胎、釉精细，青花艳丽，造型多样，纹饰优美而负盛名。青花使用分水技法描画所形成的深浅、浓淡、层次、变化的多样性，更使青花装饰具有较强的装饰效果和艺术感染力。 单色绘画的青花瓷，是用毛笔把图像直接描绘在瓷器上，烧成后在洁白光润的瓷面上，透出青色国画般的艺术形象，而且青白相映，幽靓苍翠，十分富有艺术魅力。青花瓷的“料分五色”，即头浓、二浓、正浓、正淡、影淡，不仅能定形质、分明暗，还能代替色彩。其深浅变化不仅可以表现物象的固有色彩感觉，还可以表现物象的阴阳明暗、凹凸远近和质量的轻重。由于青花色料表现力极强，可粗可细，其笔势、构图、气韵、神采等颇似国画。 同国画表现一样，青花装饰可以勾勒，可以点染，可以工笔，可以写意，还可以兼工带写。从简单的图案装饰到纷繁的景物描绘，花卉、缠枝、折枝、龙纹、云纹、山水、人物、寓言故事、神话传说等无所不能表现。尤其在表现花鸟时，由于对自然背景和环境的刻画多有诗意的注入，使得作品在揭示大自然美丽的同时，其形象变得鲜活律动、疏放空灵，其审美趣味有着“以气韵求其画”的诗一般意境表现。其装饰美不仅体现在青花的发色上，而且还表现在其青白关系的和谐处理上，表现在构图与意境的完美应用中。 意境与构图是相辅相成的。追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分，也是陶瓷美术创作的重要特征之—。意境就是景与情的结合，写景就是写情。意境的产生，有赖于思想感情，而思想感情的产生，又与对客观事物认识的深度有关。古人云：“观山则情满于山，观海则意溢于海”。艺术意境的创造是客观表现主观情思的象征，只有大自然里变化万千的气象，才能引起画家胸中丰富的灵感。 如《峥嵘岁月》青花瓷板，构图简洁，立意新颖。两株呈V 字形的硕大古树，树虬筋纹，粗犷得势，肌理质感挺劲有力，寓意着厚重的历史感和沧桑感。右侧树上部生发出的一丛枝桠和穿行于其间的小鸟，又象征蓬勃鲜活的生命，延生出主题的内涵。技法上，结合文人画的意境，吸取陶瓷艺术简练、雄浑的优良传统，不仅保留了传统青花的勾线、分水技法，而且吸收了国画勾、点、皴、擦法，用枯涩的“焦墨法”表现瘦骨树枝老干。更巧妙的是将简单的笔划，安排在空白的位置上衬托出画面的整体氛围，以虚映实，借隐托显，形成凝炼的构图、生动的形象、流畅的线条。真的是惟其空，才显境界开阔；惟其简，才得象外之趣。此外，在处理青白关系上充分借鉴了中国水墨画处理色彩构成上的经验，非常注重留白，既表现青花装饰的实处美，又显现青花装饰的空白美，以虚当实，形成白多于青的空灵格局。概括而洗练，使画面中形象的典型性、视觉的完整性、间架结构的灵动性、布白的含蓄性、静止与动态的相互呼应等等，都在创作者 青花瓷画的构图与意境美 曹永俊 吴祝敏 的苦心经营下，做到了形式高度统一，布局生动完美，画面意趣盎然，格调高雅脱俗，从而达到悠远无尽、抒情空灵的境界，具有良好的装饰效果。 青花瓷画的构图要求与意境营造，是青花从传统的变革向现代形态转化的必然。具有叙事性特征的作品，其构图主要围绕“情节”来展示；而以诗意为特征的作品构图，则主要体现为追求形式美感给人带来的“意境”的表达。 如三尺六青花瓷板《秋韵》，笔者在传承前人制瓷精华的基础上，把国画艺术和青花陶瓷装饰完美结合，以小写意为主导，注重主观感受，以阴柔的形态为外部意象，从神韵的构造中力求平稳、和谐、宁静、秀雅地去表现物象秀逸、潇洒的姿态。画面布局新颖，构图疏朗，层次分明，用笔简炼，形神兼备，意境独特。 空白的瓷面上，删繁就简，以少胜多。五个大小不一成熟的南瓜垂吊在依然蓬勃向上的藤茎上，一只小鸟展开双翅，充满灵性地飞将过去。融自然美与形式美于一体，既重视了画面上黑的部分，又重视了画面上空白部分。创造了一种秀雅、俊朗、高远、深邃的艺术情境，具有高雅灵秀的笔墨技巧和艺术审美意趣。 创作精美的青花瓷画，不仅要经过长期的艺术实践和对自然的精心观察，而且还要深入理解国画以及现代艺术的新思潮和表现技法。表现技法当然不仅仅在于形式，更在于其立意的实质内容。只有构思立意新、构图布局新、构成形式新，不落俗套、独具新意的作品才能得到欣赏者的赞赏，才能促使青花彩绘艺术产生新的飞跃。 如三尺六工笔青花《秋荷》瓷板，充分运用了中国画“色破墨，墨破色”互相渗化的手法，布局新颖，构图疏灵；造型生动，色调和谐，达到了水墨画的生动效果。 在设计上，《秋荷》巧妙组合，清新明快，富于装饰性。满塘的荷叶似一张张撑开的伞叶轻浮于水面，数朵荷花，数个莲蓬，紧紧依偎着碧绿滚圆的荷叶。一只翠鸟，伫立在已成熟的莲蓬茎上，似在欣赏荷塘的美丽，又似在等待爱侣的回归，造型准确，动感强烈。翠鸟、荷叶、荷花、莲蓬、水草等物象的高低、大小、疏密、主次、穿插变化有序。翠鸟活泼生动，荷叶、荷花、莲蓬俯仰、向背、聚散，各尽其致。画面有藏有露、有动有静、虚实相间，节奏鲜明。整体布局主次分明、疏密得体、轻重适宜、层次井然。各种物象的外形动态结构，不是刻板地再现，而是借助翠鸟、荷花的自然美，有夸张、有变形、有剪裁、有概括地进行描写。尤其是对翠鸟的描绘传神达意，格调清新高雅，造型动感强烈，充满鲜活的生命之气。 技法上，用不同浓淡的料水分色，在纹样的勾勒线内，从笔锋牵引料水在坯上运作，利用料水积层的厚薄，在荷叶最浓最深处收笔，分出各种深浅不同的色阶层次，形成自然的由浅到深的渐变效果。虽只有一色，却呈现出明、暗、浓、淡多种深浅不同的色阶色泽变化，使单一的色料产生出不一样的变化，达到浓淡 收稿日期：2012-04-28
ＡＲＴ ＰＡＮＯＲＡＭＡ２０１０?０９艺术理论 ０７０ 构图是中国画的首要因素，而中国画构 图具有一定的法理性范式要求。这种要求就 是我们通常所说的构图法则。 中国画构图讲求留白、虚实、浓淡、开 合等变化。中国画构图是基于阴阳论来把握 构图各要素之间的相生相克、相辅相成的运 动规律。而阴阳变化的过程是发于对立、归 于统一的过程，因而在中国画构图的一黑一 白、一虚一实、一浓一淡等诸关系中，一方 都是另一方的反向作用力。正是正中有反， 反中有正，正反相激而“道动”，显示着无穷 的生发力。而天地、开合、欹正、虚实、浓 淡、黑白、动静等都是中国画的构图法则。 老子曰：“人法地，地法天，天法道，道 法自然。”天与地相对，天地间的任何物象均 生发于道。因此在中国画构图中，自然也讲 究“天地”。中国画构图中的“天地”是浑然 一体的，通常以整张宣纸为背景作为“天”、 “地”。如八大山人的《双雀图》，图中只绘有 两只小雀鸟，左上角为题诗，其余部分为偌 大的天地，更衬出小雀的生命力，更显自然 的力量，同时具有道的隐喻。 中国画构图也充分体现了开合的意识。 开，是展开；合，不是简单的结束、关闭，是 与开相呼应、相协调。《易经?系辞》言：“一 阖一辟谓之变，往来不穷谓之道。”中国画构 图中的开合意识很强烈，任何物象都可以用 来开或合；题字、印章也可参与开合的变化， 反映了中国人传统的宇宙观。 欹正变化就是处理稳定和不稳定之间的关 系，中国画的构图也讲欹正变化。在中国画的 一些画作中，我们总能看到枯树的左斜右欹， 鸟正面而头侧，题字的崎岖变化等，都是欹正 变化原理的体现，具有正中有欹、欹而仍正的 特点。这表明中国画的构图在取物象之美时， 讲求正中求不正、不正中求正，所谓“正而不 正，不正而正”。这也是中国画的特征之一。 中国画构图中的虚实不仅表现在物象本 身上，在各物象之间也存在着虚实变化，且 不因景物的简略而使人一览无余。中国画构 图中的“虚”并非空无，“实”则是相对于虚 而产生，表现出一种深邃的意境，使人遐想 无余，所谓“虚实相生，无画处皆成妙境”。 可见，中国画构图中的虚实是“道之象”的 体现，具有精神性的道的变化，即为“体道”。 浓淡是中国画家在驾驭墨色作千变万化 时获得的快感。中国画中的浓淡变化通常会 产生一种雾里看花的朦胧之美，以淡墨的物 象衬出实体的主体地位，而淡墨的物象亦不 因墨淡而无足轻重，中国画的浓淡变化就体 现在这相互间的对比中。而在中国画构图中 没有绝对的浓，也没有绝对的淡，浓淡因对 比而存在，浓淡变化达到了极致，就体现出 了韵味，在这浓淡相对比而又统一的变化 中，体现了阴阳变化。 “留白”是中国画所特有的，“白”是与 黑相对比而产生的。黑与白组合，成为中国 画构图的重要法则之一——黑白。中国画的 “留白”会使画面更剔透玲珑、生机盎然，体 现一种意境。中国画构图中的白不是“没 有”，相反是情思观念可以任意驰骋的地方， 所以白可以是一切。由此可见，“白”是中国 画构图中不可缺少的、寄托画家情感的、萌 生妙境的地方。而且中国画的黑白也不是单 纯的因为中国画以墨为主色调，画在白纸 上，就有了黑与白的对比，还与中国传统的 哲学观念有关。在中国古老的八卦图中，就 是用黑白两色表示阴阳，表示事物的正反两 方面。引用到中国画中，就是黑为阳，白为 阴，黑白变化也是阴阳变化，黑白转换正是 阴阳转换，所以黑白可以表现大千世界。这 就是中国人的哲学观，是道之变化，所谓“一 阴一阳谓之道”，“阴阳接而变化起”。 世间万事万物无不在动与静中变化、发 展。中国画的构图也体现着动与静的关系。 中国画构图中的动静是相对的，同时也是统 一的，体现了老子的“由静生动，由动归静” 的观点。中国画构图中的“动”是体现和加 强“静”界的手段，所以动是生命的一种律 动；“静”也不是死寂，是一种精神升华的境 界。因而动必须致力在有助于精神升华的 情、趣、意的表现上，静则是动的归宿，动 静的变化正是道的变化。 穿插在中国画构图中是表现在物象所产 生的“势”中，或者是物象之间的穿插变化。 如八大山人的《双雀图》是通过一高一低两 只鸟的相对，一高一低两块石头的趋势完成 了画面的穿插变化。中国画构图中的穿插变 化体现了你中有我、我中有你的穿插关系， 也体现了中国画的“破”。而破就是打破单一 的局面，就是穿与插。中国画的构图也是在 穿插中求破，破中求和。 中国画构图中的呼应，就是使构图的各 个部分必须形成一个整体，贯通一气。中国 画构图中的呼应不是单方面的，是构图中各 块面、各段落间的相互关照，体现的是你呼 我应，我呼你应，呼了还需应，应了又得呼 的变化。如任伯年的《紫藤小鸟图》中，紫 藤一枝下俯，一枝反向向上，再回身呼应，形 成了一种欲擒故纵式的呼应变化。 中国画构图最终是要达到均衡的状态， 也只有均衡了，一幅画才显得更稳定、更完 整、更和谐。像八大山人《杂画图册》中的 一幅作品就显示了力的均衡。在这幅作品 中，下垂的花头和停立在尖石上的小鸟，以 及右边的叶形成的三角之势，为此画构图的 基本框架。而由于右边的叶太靠下，与上伸 的鸟嘴的势相冲突，于是作者在叶与花之间 嵌入了题款。若没有题款，鸟将受到花和叶 的双向拉动，画面就显得松散。正是浓墨的 题款，紧密了花与叶的联系，使势向上运动， 经花尖回到翠鸟，使得鸟、题款、花组成了 更为坚实有力的三角结构，这就使得画面更 平衡，更稳定。可见，中国画构图中的平衡 是“杠杆式”的，是中国老秤式的构图，是 用“无形的秤砣”来平衡画面，这与西方绘 画左右相称的“天秤式”的构图截然不同。 可见，中国画的构图法则体现了“道”的 变化，具有强烈的精神性。然而，中国画构图 法则除了上述法则之外，还有取舍、宾主、分 疆、起伏、聚散、疏密、繁略等。这些也都反 映了中国古老的宇宙观，反映了中国传统的 哲学思想，主张阴阳变化、相生相克、相辅相 成，由主观意识出发，随意生发，同时不乏纯 理性的体现。这就是中国画的构图法则。 郭颖渤海大学艺术学院美术系２００８级研究生 浅谈中国画的构图法则 文／郭颖 O n th e C o m p o s it io n a l R u l e s in C h in e s e P a i n ti n g s
构图是形式因素的综合运用，阑此，它也是形式美体现的焦点。形式美是指从构成美的内容的物质材料的运用，从自然对象、社会事物，从人的观赏习惯中总结、推演出来的形式法则。它是客观存在，不可不子分析，同时，它也是不断变化、发展的，又不可过于墨守成规。 形式差的规律是客观世界的现实存在与人的美感满足相统一的结果。艺术形象的塑造、视觉因素的组合，越是与人对周围环境视觉习惯概念、经验感受相一致，越是符合人的审美意识，越能激起人们的直觉审美认同，就越能产生审美快感。征长期的实践当中，人们大体上总结出了以下达些规律：对称、干衡、黄金分割、对比、多样统一、变化和谐及节奏等。 一、对称 关于对称，《现代汉语词典》中解释得很明白，是“指图形或物体对某个点、直线或平面而言，在大小、形状和排列k具有一一对应关系“。。也就是说一个点的两，或一条线的两边，有大小、形状和排列上完全一样的东西。 在现实生活当中，对称的事物很多，如人体。其他动物的身体结构往往也是对称的。自然界中植物的枝、叶等也是对称的。人往往又将自身对称外化，所以，对称在人化自然中最为明显，如人们居住的房屋、宫殿、寺庙，人们发明的汽车、飞机、轮船等多是对称体。 对称从形式上看，大致有几种：一是左右对称(如图1—2—1)，即被拍摄事物是左右对称体．事物的中轴线与画面的中轴线相重合，轴线左右两边完全对等，二是两侧对称(如图l—2—2)，即以画面的小轴线
为基准，轴线两边的事物外部形状完全一样，左右对称，三是宽泛的对称(如图1—2—3)，即以画面的中轴线为基准，轴线两边的事物外部形状不完全一样．左右两边的事物不是完全对等的，而是具有某种相似性．或者在内容和形式k具有明确的相对性，我们仍然可以将其看成较宽松的对称，四是上厂对称(如图1—2—4)，以画面的横向中轴线为基准，或者以画面的中轴线为基准，回面上下部分完全对等，五是辐射对称(如图l一2—5)，即以一点为午心，对应点可以在任何角度上构成对称关系。 对称结构的特点是整齐一律、均匀划一排列相等。因此可以使观看者身体两部分的神经作用处于平衡状态，满足眼运动及注意活动．对平衡的需要。对称可以产生一种极为稳定、牢固的心理反应。 构成、平稳、安宁、和谐、庄重感 对称也有不足之处。绝对的对等往往对人视觉刺激不强烈，往往会产生呆板、单调、缺少变化之感。对称在古代建筑、雕刻及绘画中应用最广、最普遍．在近代只在少数建筑和装饰艺术中才采用，而在其他造型艺术中，打破对称几乎成为一种倾向。 二、均衡 & 均衡是由对称变形演变过来的。对称的同形、同质、同量、同价可以造成绝对均衡感，但均伤感并非全然由对称分布产生。对称是一种物理性的等量排列，均衡则是一种心理性的体验。在摄影构图当中，均衡
构图决定一切——实景构图分析 一幅优秀的摄影作品总离不开与之完美结合的构图，尤其对于风光摄影，形式上的美感与意境的营造更多时候需要合适的构图来彰显。构图对于摄影作品的重要性也由此可见一斑。另外还有一个值得注意的关键点，即产生优秀摄影作品的前提是构图要与照片内容结合得恰到好处。其实构图本身并没有好与不好，只有合适与否。当构图与主体对象和所要表达的主题相匹配，那无疑会达到锦上添花的效果。 日出日落
经验之谈 春、秋两季较为适合拍摄日出，日出的时间相比夏季较晚，并且云层较多，可增加画面的效果。如果条件允许的话，野外是拍摄日出的最佳地点。为了突出日出或日落时分云层的色彩，应针对最亮的天空进行测光，以获取曝光参数。 但有时拍摄日出、日落并不一定要有太阳，利用顺光和侧光拍摄其他场景也能拍出好的照片。如果拍摄时能将景色、天空云彩和太阳结合起来传递感受，达到“天人合一”的效果也很好。 颜色的实质是人的视觉对光线的反应，物体的颜色会因投射光线的颜色改变而改变。例如日出和日落时的光线照射在物体上就会产生不同的暖调，当这些不同的暖调和不同的场景、主体结合时，就能传递不一样的感受。因此学会运用日出、日落时特别的影调来体现主体，来表现你独特的感受和心情，不失为拍好照片的办法之一，值得好好掌握。 地平线是风光照片里的常客。低位的地平线有助于突出天空，造成一种空间感而高位的地平线则可以把重点转移到画面的底部，此时的画面显得更为紧
凑。在画面空间布局中，天地留多留少主要由当时的景象和个人主观的心理需要来决定。 1．关注重点：太阳、云层色彩、观景人物、山形树木、建筑物、怪石、河流、水面景物等 2．常用相机、镜头及附件：单反相机、16~35mm；10~20mm；70~200mm；100~400mm镜头、渐变灰镜、三脚架、快门线 3．技术要领：对高光局部或点测光、逆光少做负补偿、顺光或侧光可在-1挡范围内补偿、长焦可对拍摄主体对焦、广焦选用小光圈可所太阳呈星状、长焦选用较大光圈、启用反光板预升 实战解析