古典主义时期音乐复习题
复习提示：古典主义时期确立了主调音乐形式，出现了三个重要的乐派和音乐家，这是本章的复习重点，同时也不要忽略它与前后章节的联系。例如：主调音乐如何产生，它与巴罗克时期的数字低音有何关系；再如，歌剧在古典主义时期是怎样发展的，与它在巴罗克时期与浪漫主义时期的发展有何不同。读者根据自己复习的习惯，进行提纲挈领的归纳与总结，就能事半功倍地掌握本章的内容了。
一、简述西方音乐古典主义时期的时间划分及文化特质？
1、时间范围界定：（1）时间：将1750—1820年这70年的历史阶段称为西方音乐的古典主义时期。（2）概念的区分：在理解古典音乐的含义上要注意两种概念，一是泛指19世纪之前的传统音乐中为后世公认的优秀典范作品；二是特指1750—1820年古典主义时期曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派的创作成果。在西方音乐史上，古典音乐主要指后者。
2、社会文化特质：强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。它反映了该时期“启蒙运动”和“狂飙突进运动”的思想实质：“自由、平等、博爱”，关注人的本性和情感。
二、简述古典主义时期音乐的整体风格特征？
1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。
2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式。加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。
3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。
4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。
5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。
6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。
7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。
这些变化对欧洲音乐的发展具有深远的影响。
三、简述古典主义时期宗教音乐的发展状况？
宗教音乐发展到18世纪时已经衰败，音乐从教堂、宫廷走向市民阶层，以往的宗教体裁音乐出现在世俗的舞台上。宗教音乐特有的音乐体裁，如弥撒曲、经文歌、清唱剧等与当时歌剧音乐的创作几乎没有多大区别，它越来越深地受到世俗音乐，特别是戏剧音乐的影响，因而只有少数人继承帕勒斯特里那的复调音乐创作传统。在意大利，主要的宗教音乐作曲家实际上也是歌剧作曲家；只有法国的宗教音乐与其他国家不同，一直保持自己的传统。
巴赫去世后，路德教会的音乐迅速衰退，当时的北德作曲家多采用半宗教半世俗的清唱剧形式进行创作。18世纪下半叶最突出的宗教音乐作曲家是埃曼纽尔·巴赫和K. H.劳恩，后者的受难康塔塔《耶稣之死》(Der Ted Jesu，1755)一直到19世纪末仍然十分流行。值得一提的是，18世纪末最著名的宗教音乐作品出自莫扎特和贝多芬之手。
第一节古典主义时期歌剧的发展
四、简述格鲁克和他的歌剧改革？
格鲁克（Christoph Willibald von Gluck，1714-1787），德国作曲家，对意大利正歌剧的成功改革确立了他在音乐史上的重要地位。他的代表作品有：歌剧《阿尔西斯特》（Alceste,1767）、《伊菲姬尼在奥利德》（Iphigénie en Aulide, 1774）、《奥菲欧与优丽狄茜》（Orfeo ed Euridice，1762）等。
18世纪中期，佩格莱西（Giovanni Battista Pergolesi，1710—1736）的作品《女仆做夫人》（La Serva padrona）在巴黎上演，引起了音乐史上著名的“喜歌剧之争”，即意大利音乐与法国
音乐到底孰优孰劣的争论。由此，对意大利正歌剧进行改革的呼声日趋强烈。歌剧应该怎样改革？是继续走正歌剧的路，不放弃返始咏叹调，还是来一次革命？当时有很多理论家对此进行了阐述，而既能从理论上提出批评观，又能在歌剧创作中实施自己的改革方案的人，当属德国的格鲁克。他改变了意大利正歌剧发展的状况，对歌剧发展，尤其对德国后世歌剧的发展产生了重要影响。
格鲁克的改革强调，戏剧内容与音乐表达之间要达到一个更为合理的状态，他的观点适应了18世纪以来启蒙运动所追求的审美情趣。其改革主张主要体现在《伊菲姬尼在奥利德》和《奥菲欧与优丽狄茜》两部歌剧中，具体反映在以下几个方面：
1、音乐服从诗和剧情的需要，戏剧内容的阐释是第一要素。
2、放弃返始咏叹调的表达，删除一些不必要的花腔段落，并用有伴奏的宣叙调代替“清唱宣叙调”，咏叹调与宣叙调差别不大。
3、歌剧序曲成为歌剧的一部分，参与表达歌剧的内涵。
4、管弦乐在歌剧中根据内容的需要烘托剧情的发展，而不仅仅处于伴奏的地位。
5、减少独唱部分，加强乐队及合唱团的作用，舞蹈中也去掉了与歌剧内容不符的哗众取宠的片断。
五、简述喜歌剧的产生与发展？
18世纪20-30年代，在意大利正歌剧处于衰退状态时，出现了另一种歌剧形式——喜歌剧(opera buffa)。喜歌剧的最初形式是“幕间剧”(inter-mezzo)，它是在正歌剧两幕之间穿插演出，内容上与正歌剧没有联系，常以风趣、幽默的恶作剧形式进行表演的一种短小剧目，以取悦观众为目的，使观众在欣赏严肃的正歌剧的间隙中，情绪得到片刻放松。幕间剧通常演10-15分钟，有两个角色和一个小乐队，后来这种幕间剧脱离正歌剧，成为一种与正歌剧相对应的喜歌剧形式。
在歌剧历史中，对喜歌剧的产生与发展的考察，通常涉及意大利、法国、英国和德国四个国家的情况，从这四个国家在喜歌剧方面各自特征的表现，我们可以较清楚地看到喜歌剧最初发展的状况。
在意大利，喜歌剧以带有民歌因素的歌曲或分节歌形式的歌曲充当咏叹调，并采用干念宣叙调形式，它的突出贡献在于：使男低音走上舞台，并创造了“终曲合唱”形式。代表作品是佩格莱西于1733年创作的《女仆做夫人》，它是佩格莱西的正歌剧《高傲的囚徒》的幕间剧，1733年8月首演于那不勒斯。当时这部正歌剧反映平平，而其中的幕间剧却引起轰动，甚至成为里程碑式的作品，意大利喜歌剧也由此诞生。全剧共两幕8个段落，音乐包括1首意大利式序曲，5首相连的宣叙调、咏叹调及二重唱，其中乌贝托的音乐唱段成为喜歌剧男低音（basso buffs）的经典唱段。18世纪中叶之后，喜歌剧在形式上得到扩展，加入了严肃、伤感的情节，与正歌剧的风格比较相近。
在法国, 喜歌剧被称为诙谐剧（opera comique），以巴黎喜歌剧院（Opera—Comique，Paris）的名字命名，它源于17世纪末法国集市上出现的一种以喜剧性的对话、流行的歌舞为主，掺杂着杂技、哑剧的表演形式。喜歌剧历史上的一个重要事件需在此提及：1752年意大利喜歌剧团访问巴黎，演出的《女仆做夫人》引起了西方音乐史上有名的“喜歌剧之争”。争论的焦点是提倡平民文化还是弘扬贵族文化，这场争论最后导致法国喜歌剧的诞生。法国喜歌剧以对话代替宣叙调，以副歌歌曲代替剧中的大合唱，用法语表演。代表作品是格雷特里（A－F－M. Gretry ) 于1784年创作的《狮心王理查》（Richard Coeur de Lion）。
在英国，喜歌剧被称为民谣剧（ballad opera），是当时英国人文化生活的重要内容。它源于1728年在伦敦上演的由盖伊（John Gay）撰写脚本，佩普什（Johann Pepusch，1667-1752）作曲的《乞丐歌剧》（The Beggar's Opera）,该剧内容涉及当时伦敦街头罪犯猖獗的状况，带有政治讽刺的意味。英国民谣剧的表现手法不仅在形式上正面嘲讽了意大利歌剧，沉重打击
了英国传统歌剧的创作，而且还在一定程度上迫使亨德尔不得不放弃传统歌剧的写作，转而从事清唱剧的写作。它以民歌、城市小调、流行舞曲为主，吸收了少量人们熟知的其他歌剧的咏叹调旋律，以对话代替宣叙调，用英语表演。代表作品即前面提到的《乞丐歌剧》。
在德国，喜歌剧大约产生于18世纪中叶，它被称为歌唱剧(Singspiel )。Singspiel原指正歌剧，后指有对话的喜歌剧，它更多地模仿法国喜歌剧或英国民谣剧，以大段德语对白作为发展剧情的手段，咏叹调常用德国歌曲（lied）的旋律，有浓郁的民间特色，剧本多从英国的民谣剧移植过来。代表作品是希勒(J. A. Hiller,1728－1804)于1766年用德国歌曲的曲调为当时流行的英国民谣剧剧本重新配曲而成的《魔鬼出笼》（Der Teufel ist los），这使他成为德国歌唱剧的先行者。
喜歌剧在某种意义上是对正歌剧的反叛，它倡导启蒙主义思想，追求“自然”的艺术表现。歌剧内容不再着眼于神话、历史、英雄等题材，而是以现实生活中的场景和普通人的小事情为主，演员不穿古装，穿时装，大多使用本国语言，音乐强调本民族的音调。各国的喜歌剧均形成了各自的名称和形式。
第二节古典主义时期器乐的发展
六、室内乐（chamber music）及其产生与发展？
1、含义：
原指西方贵族宫廷中由少数人演奏、演唱，为少数听众演出的音乐，它有别于当时的教堂音乐和戏剧音乐。
现在指由一件或几件乐器演奏的小型器乐曲，主要指重奏曲和小型器乐合奏曲，区别于大型管弦乐。
2、产生与发展：
室内乐大约于16世纪末产生于意大利。从现在的角度来看，它是一种小型器乐合奏形式。但如果从历史角度考察它，就会发现这种音乐形式在不同的时期有不同的内涵。
16—18世纪初，当时的音乐被分为三大类：教会音乐、戏剧音乐和室内乐。当时的室内乐与教会音乐、戏剧音乐的表演场地和规模有所不同，它是在私人（贵族）家里表演的声乐或小型器乐曲，由于贵族们喜好音乐，他们常会找些志同道合的音乐人士一同演出，于是就形成了最早的室内乐形式。
18世纪中期-19世纪上半叶，随着音乐逐渐走进市民阶层，表演地点也从私人家庭移到公开的音乐表演场所，使室内乐在含义上有了新的变化，它成为由少数乐器表演的（主要指弦乐四重奏），与具体演出场所无关的现代室内乐。
19世纪中期至末期，大多数重要的室内乐作品都出自德国作曲家之手，如舒伯特、门德尔松、舒曼、勃拉姆斯等，虽然乐器的组合主要沿用古典主义时期的形式，但也发生了一些变化，通常为二至九人的重奏组合，最典型的例子是舒伯特的钢琴五重奏《鳟鱼》。
进入20世纪，传统的室内乐受到很大的挑战，主要反映在两个方面，一方面来自混合音色组合：由于电子合成音乐的产生，新作曲方法的应用，室内乐领域产生了广泛而不寻常的乐器组合，寻找新的音色组合，如斯托克豪森的《天狼星》（电子合成器、小号、低音单簧管、女高音和男低音）、亨策的《友谊》（单簧管、长号、大提琴、打击乐和钢琴）；另一方面来自人员编制：出现了室内交响曲（十几个人的编制），室内协奏曲，室内歌剧等室内乐体裁，如布里顿的《旋螺丝》要求有6或7位独唱者、木管乐器、弦乐四重奏加低音提琴、竖琴、打击乐器、钢琴、钢片琴等。
七、简述弦乐四重奏的产生与发展？
弦乐四重奏由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴组成，是古典主义时期最重要的室内乐形式，也是室内乐中最理想、最融洽、最经典的组合，虽然在这种组合中找不到交响乐般庞大的气势，看不到歌剧中宏大的场面，但这种体裁的音乐以精致抒情为本，能营造出人
与人之间亲切交谈式的音乐氛围。它最初仅限于家庭、沙龙范围，是贵族雅士自娱自乐的音乐形式，随后在历史的流变中，它从贵族庭院走向世俗舞台，发展成一种表达人类情感最深刻、最细致的重要器乐体裁。
1、弦乐四重奏的历史成因
18世纪是弦乐四重奏形成的重要时期，它的形成主要受几方面因素的影响：
（1）欧洲中世纪到巴罗克时期，教堂的弥撒曲和世俗的康塔塔及重唱大多为四声部音乐，它们恰似弦乐四重奏的四个声部，四声部的合唱、重唱为这种室内乐体裁提供了创作上的参照依据。
（2）18世纪初，室内乐主要以三重奏鸣曲（Trio Sonata）为主，它采用两把小提琴和演奏通奏低音的乐器，后来这种体裁在巴罗克音乐向古典主义音乐演变的过程中逐渐衰落，取而代之的是由第一、第二小提琴，中提琴和大提琴组成的弦乐四重奏形式。这就是说，三重奏鸣曲的衰落使弦乐四重奏的形成成为必然。
（3）巴罗克音乐和古典主义音乐有着截然不同的风格，前者是复调音乐性质，后者是主调音乐性质。从历史现象来看，在18世纪上半叶古典主义音乐的形成过程中，巴罗克音乐与古典主义音乐之间曾出现一个衔接上的间隙，正是由于弦乐四重奏的出现，使这两种不同风格的音乐得到了平稳过渡，这种既善于表现复调音乐又能尽现主调音乐魅力的体裁，恰如其分地充当了连接巴罗克音乐和古典主义音乐的桥梁。
2、18世纪中期弦乐四重奏的确立与发展
里赫特（1709—1789）是首先运用弦乐四重奏组合进行创作的作曲家之一，而最终确立弦乐四重奏形式的是海顿，从1760—1802年这四十二年间，海顿共创作了84首弦乐四重奏作品。古典乐派使弦乐四重奏的发展进入黄金时代，在里赫特、海顿、莫扎特、博凯里尼（1743—1805）等音乐前辈们凿山铺路之后，贝多芬这位功绩卓著的大师将弦乐四重奏发展到光辉灿烂的巅峰，他虽然只作有十六部弦乐四重奏，数量远不及海顿（84首）和莫扎特（23首）等人，但是这十六部作品中几乎每一部都折射出他的功力、经验、创新以及深刻的思想内涵。贝多芬的弦乐四重奏体现了刚劲的气质、哲理的深思、质朴的世俗以及对彼岸的祈盼，他赋予了弦乐四重奏音乐最高的理念、最精致的结构和最丰富的情感，并用这种音乐形式编织出意味深长的乐思。
3、19世纪弦乐四重奏的承接与徘徊
19世纪，弦乐四重奏处于低谷徘徊时期，影响其发展的主要原因有两方面：一是，贝多芬在弦乐四重奏上构建了巨大而令人眩晕的成就，使其后浪漫乐派的大师们面对弦乐四重奏这种体裁时，只能望洋兴叹；二是，浪漫主义音乐含有多种人为的主观色彩，旋律具有强烈幅度的变化，缺乏声部均衡的稳定感，弦乐四重奏不适应这些动荡不定的因素，阻碍了它的发展。所以在众多浪漫主义大师中，只有那些接近古典主义的作曲家，还能在弦乐四重奏这种体裁上有所建树，如舒伯特、门德尔松、舒曼、柴科夫斯基、弗兰克（1822—1890）等。在整个19世纪弦乐四重奏领域，贝多芬一直处于主导地位，柏辽兹、瓦格纳、马勒等音乐大师干脆回避室内乐、回避四重奏，以免与“乐圣”产生碰撞。
4、20世纪弦乐四重奏的创新与回归
20世纪时，弦乐四重奏通过近一个世纪的“酝酿”，终于又放射出了光彩，以巴托克为中心的音乐大师们，如勋伯格、贝尔格、韦伯恩、欣德米特、肖斯塔科维奇等，把弦乐四重奏推向奇光异彩、风格各异的舞台。
纵观弦乐四重奏三百多年的历史，从海顿的创立，贝多芬的发展，巴托克等人的创新，到肖斯塔科维奇的回归，我们看到了一条古典—现代—古典的发展轨迹。
八、简述奏鸣曲的发展?
奏鸣曲一词来自意大利文sonare，为鸣响之意，在16世纪前就已存在。
16世纪时泛指一切器乐曲，与声乐曲相对。
17世纪早期，由五段或更多段对比性乐段组成的器乐合奏作品一般被认为是奏鸣曲，由此发展成巴罗克式的奏鸣曲，三重奏鸣曲是当时的重要体裁，通常有两种形式：“室内奏鸣曲”和“教堂奏鸣曲”。
到18世纪上半叶，独奏奏鸣曲取代了三重奏鸣曲的地位，最早为键盘乐器创作独奏奏鸣曲的作曲家是萨尔瓦托雷（Salvatore）和库瑙（J.Kuhnau），其后的独奏奏鸣曲以D.斯卡拉蒂和D.阿尔贝蒂等作曲家的作品为代表；C.P.E.巴赫确立了近代独奏奏鸣曲（古典奏鸣曲）的结构形式，包括四个乐章：第一乐章快板、奏鸣曲式；第二乐章慢板、三部曲式；第三乐章慢板、小步舞曲或诙谐曲；第四乐章快板回旋曲或回旋奏鸣曲。
18世纪下半叶，海顿、莫扎特省去了以往奏鸣曲中的第二乐章或第三乐章，确立了三个乐章的奏鸣曲形式（快板—行板—快板）；在贝多芬的发展下，奏鸣曲体裁又向前迈了一步，就乐章数量来看，他的作品包括三个乐章，有的扩展为四个乐章（创用小步舞曲，稍后用谐谑曲作为第三乐章），在发展规模上接近交响曲结构；他的32首钢琴奏鸣曲为这种体裁做出了历史性的重要贡献，标志着奏鸣曲进入成熟的发展时期。
19世纪浪漫主义时期，奏鸣曲始终是由一件或两件乐器演奏的最重要的器乐体裁，它展现了浪漫主义音乐的特征，主要表现在作品的史诗性、标题性、主题的发展性、变奏性和歌唱性等方面；乐章的数目有所发展，多乐章、单乐章（李斯特首创）不一。该时期对奏鸣曲做出重要贡献的有舒伯特、肖邦、舒曼、李斯特、勃拉姆斯等作曲家。
20世纪的奏鸣曲呈现出多样化的发展方式，当时重要的作曲家大都写过这种体裁的乐曲，但风格迥异，形式不同。例如巴托克的奏鸣曲融入了民间音乐因素而且具有协奏风格；斯特拉文斯基、欣德米特、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫的奏鸣曲受到新古典主义的影响；布列兹、潘德列茨基运用新技法进行奏鸣曲的创作。
九、奏鸣曲（sonata）与奏鸣曲式（sonata form）的区别?
奏鸣曲与奏鸣曲式的区别在于：奏鸣曲是一种体裁，它由不同数量的乐章组成，各乐章间在调性、速度、情绪等方面形成对比，几个乐章成为一个整体，彼此存在一定的逻辑关系。而奏鸣曲式是曲式结构的一种，它由呈示部、展开部、再现部三部分组成，通常用在奏鸣曲、交响曲、协奏曲中的第一乐章，常为快板。
十、简述协奏曲的发展?
古典主义时期的协奏曲来源于巴罗克时期的大协奏曲、乐队协奏曲和独奏协奏曲，尤其受独奏协奏曲的影响。
古典主义初期键盘协奏曲开始兴盛，以C. P. E.巴赫和J. C.巴赫等人的作品为代表。在J.C.巴赫的协奏曲中，有了明确的三乐章布局：第一乐章是利都奈罗（ritornello）形式，这是一种具有奏鸣曲雏形的结构；第二乐章常用小步舞曲（minuet）；第三乐章常用舞曲性的回旋曲（Allegro-rondo）结构。
到古典主义盛期，莫扎特承袭了维瓦尔第和巴赫儿子们的协奏曲创作方式，为小提琴、钢琴、长笛、双簧管、单簧管、大管、圆号等各类乐器创作了50多部协奏曲，使近代协奏曲趋于成熟和完善，确立了沿用至今的三乐章协奏曲形式：
第一乐章，快板，奏鸣曲式，双呈示部，第一呈示部由乐队演奏，第二呈示部由独奏乐器和乐队协同演奏，此外在再现部结束之前，还有一个展示独奏乐器演奏技术的华彩段。
第二乐章，慢板，曲式比较自由，通常采用三段式，音乐富有歌唱性。
第三乐章，急板，常用回旋曲式或奏鸣回旋曲式，富于华丽的技巧，有时具有民歌风格或舞蹈性的节日狂欢气氛。
从风格上看，古典主义时期的协奏曲通常有“华丽风格”的印迹，显得轻盈典雅、细腻精致，摒弃了巴罗克时期协奏曲沉重肃穆的风格。
19世纪浪漫主义时期的协奏曲，在古典主义风格的基础上有所发展，主要反映在：第一乐章取消双呈示部原则，演奏家常参与华彩段的创作，各乐章采用不间断的写法，运用标题音乐因素，强调民族风格等。
20世纪的协奏曲融入了许多新的音乐元素，呈现出多种手法、多种风格并存的局面。
十一、交响曲的产生、发展及其特征?
1、交响曲的产生与发展
交响曲（symphony）一词来自希腊语“symphonia”，原为“声音一起响”之意，这是一种按照奏鸣曲原则构成的管弦乐套曲形式。
交响曲的前身是巴罗克时期的意大利歌剧序曲(sinfonia)，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲的快—慢—快结构谱写管弦乐作品，并将其称为交响曲。从此，交响曲逐渐取代了巴罗克风格的乐队协奏曲，成为音乐会中主要的器乐形式。
古典主义时期，交响曲得到了真正的确立和发展，主要归功于曼海姆、柏林和维也纳乐派。曼海姆乐派奠定了古典交响曲四乐章的基本结构，形成了快板－行板－小步舞曲－快板终曲的交响套曲形式。18世纪后半叶，维也纳古典乐派的海顿对交响曲进行了改革，发展并完善了这种形式，后来贝多芬将交响曲推向发展的顶峰。交响曲在音乐表现上具有广泛的艺术概括力和深刻的哲理性，它的结构与奏鸣曲一样，通常为四个乐章。
浪漫主义时期的交响曲有一定的发展，其特征主要表现为：内容具有文学性、标题性，曲式结构更自由，乐章数目不定（有一、二、五、六、七乐章组成的交响曲），乐队编制庞大，音响华丽而丰满，民族风格浓郁等。以舒伯特、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、德沃夏克、柴科夫斯基、布鲁克纳和马勒等作曲家的作品为代表。
20世纪的交响曲受各种音乐思潮的影响，构思独特，乐队编制有大有小，音响复杂多变，风格多样。以德彪西、斯克里亚宾、威廉斯、斯特拉文斯基、勋伯格、普罗科菲耶夫、米约、肖斯塔科维奇、科普兰、梅西昂、奥涅格、欣德米特和辟斯顿等作曲家的作品为代表。
2、体裁特征
古典交响曲通常有四个乐章，其基本特征为：
第一乐章，奏鸣曲式，音乐活跃，充满戏剧性，由两个对立主题作呈示、展开和再现，示意矛盾的起因、发展和暂时的结果。
第二乐章，三段体或变奏曲，曲调缓慢如歌，内容往往表现生活的体验和哲理性的沉思，是交响曲抒情的中心段落。
第三乐章，常用小步舞曲或谐谑曲，音乐体现了矛盾冲突之后的闲暇、休整和娱乐。
第四乐章，多采用回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式，内容与矛盾的结果有关，常表现乐观、肯定的态度和胜利凯歌般的节日欢庆场面。
十二、简述曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派?
1、曼海姆乐派(Mannheim School)
曼海姆乐派是18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。当时曼海姆宫廷的公爵特别热爱音乐，组建起欧洲最优秀的管弦乐队，使曼海姆成为当时德国重要的音乐文化中心。一批来自奥地利和波希米亚，以约翰·斯塔米茨（Johan Stamitz，1717-1757）为首的音乐家们一起创作、演出，对整个欧洲产生了很大的影响，他们被称为“曼海姆乐派”。
曼海姆乐派在音乐史上的贡献主要有以下几个方面：
（1）在结构上，奠定了古典交响乐的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快—慢—快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板—行板—小步舞曲—快板终曲的交响乐套曲形式。
（2）在演奏风格上，仔细安排乐队演奏力度上“渐强”、“渐弱”的情感幅度变化，在当时具有前瞻性。
（3）在创作上，以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部，加强了管乐器的色彩效果，废除了巴罗克时期乐队通奏低音的写法，开创性地采用总谱形式进行创作。（4）在乐队编制上，形成了相当完整的交响乐队，1756年达到56人，成为当时欧洲最大、最优秀的管弦乐队。
2、柏林乐派（Berlin School)
柏林乐派是18世纪下半叶在柏林形成的一个乐派，代表人物是K.P.E.巴赫(K. P. E. Bach，1714-1788)。这个乐派的特征主要反映在两个方面：
（1）风格比较保守，音乐多采用对位手法，交响曲多为三个乐章。
（2）这个乐派的贡献在于强调交响乐中的情感表达，信奉“情感主义”，比曼海姆乐派的音乐更动情。它把奏鸣曲式中呈示部的两个主题真正分开，扩大了展开部的发展，奠定了近代奏鸣曲的基础。
3、维也纳古典乐派（Viennese Classical School）
维也纳古典乐派是18世纪下半叶到19世纪20年代，随着“启蒙运动”的发展，在维也纳形成的乐派，其代表音乐家是海顿、莫扎特和贝多芬。这个乐派的主要特点为：
（1）在音乐内容上，音乐作品受到当时启蒙运动思潮的影响，以讴歌人的精神和反映自然界的美为主旨。
（2）在音乐织体上，确立了主调音乐形式的主导地位，和声织体清晰，曲式结构分明。（3）在音乐体裁上，奠定了交响曲、四重奏、协奏曲、奏鸣曲等体裁形式，使之更完善、更规范。
（4）承袭了德奥音乐文化传统，以强烈的艺术感染力和高超的作曲技法，使古典主义音乐达到顶峰，对后世音乐产生了深远影响。
第三节维也纳古典乐派三杰的艺术贡献
十三、简述海顿的创作及艺术成就?
1、人物简介
弗朗茨·约瑟夫·海顿(Franz Joseph Haydn, 1732-1809)，奥地利作曲家，确立了交响曲、四重奏等体裁古典主义风格的典型范式。
2、代表作品
海顿是一位多产的作曲家，作有108首交响曲、84首弦乐四重奏、20多部清唱剧和其他数量众多的作品。其代表作为：
（1）交响曲，代表作有：第31交响曲《号角》、第45交响曲《告别》、第94交响曲《惊愕》、第100交响曲《军队》、第101交响曲《时钟》、第103交响曲《鼓声》和第104交响曲《伦敦》等。
（2）弦乐四重奏，重要的作品有Op.64之5《“云雀”四重奏》、Op.76《“皇帝”四重奏》等。
（3）钢琴奏鸣曲，49首作品中较成熟的是第19首(D大调)和第46首(降A大调)。
（4）声乐作品，最突出的是他的清唱剧《创世纪》(1798年)和《四季》(1801年)。
3、艺术成就
（1）奠定了交响曲的结构形式，他在《“伦敦”交响曲》中，将四个乐章的性质和曲式最终确立下来：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板或行板，奏鸣曲式或变奏曲；第三乐章，性格开朗幽默，带有三声中部的小步舞曲；第四乐章，快板或急板，回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式。
（2）确立了弦乐四重奏的体裁特征，形成了与交响乐相同的四乐章模式，作品中音乐更富有变化，主题有了更大的扩展，织体摆脱了通奏低音的依赖，开始把大提琴放到旋律主奏乐器的位置，不只强调第一小提琴的作用，使四个声部更加协调平衡。
（3）创作了一批脍炙人口的作品，如交响曲《告别》、《惊愕》、《军队》；四重奏《云雀》、《皇帝》；清唱剧《创世纪》、《四季》。
（4）作品旋律朴素、和声明晰、结构匀称，音乐既明快、幽默、轻松，又不乏高贵的气质，呈现出古典乐派的理想境界，这些因素加上他在音乐上的贡献，使他成为维也纳古典乐派的奠基人。
十四、简述莫扎特的创作和艺术成就?
1、人物简介
莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart，1756-1791)，奥地利作曲家。他是脱离教堂、宫廷，走入“自由音乐家”行列的先行者。
2、代表作品
莫扎特的创作几乎涉及音乐的所有领域：41首交响曲，20多部歌剧，27首钢琴协奏曲，7首小提琴协奏曲，各种器乐协奏曲、奏鸣曲以及26首弦乐四重奏等。代表作分别为：（1）歌剧：德语歌唱剧有《后宫诱逃》、《魔笛》；意大利喜歌剧有《费加罗的婚礼》、《唐璜》（或译《唐乔瓦尼》）、《女人心》；意大利正歌剧有《伊多梅纽》等。
（2）交响曲：最后三部最突出，它们是《降E大调交响曲》(K.543)、《g小调交响曲》(K. 550)和《C大调交响曲》(K. 551) 。
（3）协奏曲：钢琴协奏曲中的《d小调协奏曲》(K.466)、《c小调协奏曲》(K.491)；小提琴协奏曲中的《G大调协奏曲》(K. 216)、《D大调协奏曲》(K. 218)、《A大调协奏曲》(K. 219)以及《A大调单簧管协奏曲》(K. 622，1791年)等。
（4）室内乐：在26首弦乐四重奏中，最著名的是献给海顿的6首(K.387，K.421，K.428，K.458，K.464，K.465，1782-1785年)，另外，《“哈夫纳”小夜曲》（K.250）和《G大调弦乐小夜曲》也是著名作品。
（5）其他作品：较著名的有《A大调钢琴奏鸣曲》（K.331）、《c小调弥撒》（K.427）和他临终前创作的《安魂曲》。
3、艺术成就
（1）莫扎特对音乐的最大贡献体现在歌剧领域，他继承了格鲁克歌剧改革的思想，但又与格鲁克不同，主张“诗必须服从音乐”，以音乐至上的原则创造了一部部世人为之震撼的作品，他的《魔笛》为德国歌唱剧的发展奠定了坚实的基础，《费加罗的婚礼》成为喜歌剧史上具有里程碑意义的作品。
（2）协奏曲是莫扎特在歌剧以外成就最突出的一方面。他确立了18世纪古典协奏曲的结构范式，确定了第一乐章中“双呈示部”和“华彩段”的形式，并为当时几乎所有的乐器创作了杰出的协奏曲，为近代协奏曲的发展做出了重要贡献。
（3）完善了维也纳古典乐派奏鸣曲三个乐章的套曲形式。
（4）在交响乐中，强调奏鸣曲式中主、副部之间的强烈对比，加强展开部的不稳定因素，预示了后世交响乐发展的思路。
（5）创造了极富个性的音乐风格特征。他的音乐是自然的流露，从不矫揉造作，具有孩童般天真烂漫的性格，同时又表现出复杂多变的戏剧性特征，其晚期作品还加入了悲剧因素。他的音乐中所蕴含的特质，使他成为维也纳古典乐派三杰之一。
十五、简述贝多芬的创作、艺术成就及音乐中的人文主义思想?
1、人物简介
贝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)生于德国波恩，维也纳古典乐派的重要代表。一般把贝多芬的生平划分为四个时期：第一，波恩时期；第二，维也纳时期；第三，创作成熟时期；第四，创作晚期。
2、代表作品
9部交响曲、1部歌剧、32部钢琴奏鸣曲、5部钢琴协奏曲、2部弥撒曲、11首序曲、1部小提琴协奏曲、16部弦乐四重奏、10首小提琴奏鸣曲及其他数量众多的作品。代表作分别为：
（1）交响曲：第三交响曲《英雄》，第五交响曲《命运》，第六交响曲《田园》，第九交响曲《合唱》。
（2）歌剧《菲岱里奥》。
（3）奏鸣曲：钢琴作品有第八奏鸣曲《悲怆》，第十四奏鸣曲《月光》，第十七奏鸣曲《暴风雨》，第二十一奏鸣曲《黎明》，第二十三奏鸣曲《热情》，第二十五奏鸣曲《杜鹃》，第二十六奏鸣曲《告别》。小提琴作品有第五奏鸣曲《春天》，第九奏鸣曲《克莱采》。
(4)协奏曲：bE大调第五钢琴协奏曲，D大调小提琴协奏曲，小提琴、大提琴、钢琴三重协奏曲。
(5)室内乐：16部弦乐四重奏（其中后五部最重要）。
(6)声乐作品：D大调弥撒，庄严弥撒，声乐套曲“致远方的爱”。
(7)其他作品：《艾格蒙特序曲》等。
3、艺术成就
(1)在交响曲的发展和创新方面：将高度浓缩的音乐动机进行扩展，又保持全曲的严谨统一；扩充了展开部，使它成为烘托作品内在矛盾、动力性张扬和戏剧性冲突的重心；他从《第三交响乐》开始，将谐谑曲（Scherzo）引入交响曲的第三乐章，取代了具有宫廷典雅气质的小步舞曲；在《第九交响乐》中，将人声加入交响曲中，扩大了作品的表现力。
(2)在钢琴奏鸣曲方面：他的32首钢琴奏鸣曲在奏鸣曲结构上做出了重大贡献，同时还在钢琴力度对比、戏剧化因素、不同音区的色彩变化上做出了重大发展，使之成为与巴赫《十二平均律钢琴曲集》齐名、在音乐史上有突出贡献的作品。
(3)在音乐表现方面：解放了音乐艺术，表达了他那个时代的精神实质，作品展现了从斗争到胜利，从黑暗到光明，从苦难到欢乐的精神历程。他的旋律继承了海顿式动机展开的手法，吸收了莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。
(4)节奏上频繁的变换，切分和休止所造成的动力性、不平衡感，和声的不谐和与调性的不稳定等因素的范围逐渐扩大，力度也形成大幅度起伏；配器上重视发挥铜管、木管的作用。这些手法造就了贝多芬音乐强烈的感染力和鸿篇巨制的气魄。其音乐中的革命性因素，自由冲动的戏剧效果，使他成为古典主义音乐的集大成者，同时，他又是浪漫主义音乐的开路先锋，启迪了19世纪的浪漫主义作曲家。
4、音乐中的人文主义思想：
贝多芬将人文主义思想融入其创作中的各个领域，并以此为基点，将古典主义音乐推向了巅峰，开创了浪漫主义音乐的先河。他用仅有的一部歌剧《菲岱里奥》撼动了歌剧艺术舞台，其余晖直射瓦格纳；是他，在奏鸣曲式上进行了一次彻底的革命，以《热情》、《悲怆》和《月光》为代表的32首钢琴奏鸣曲，用一种前所未有的音乐结构和调性处理使世人震惊，被誉为音乐中的“新约全书”，成为划时代的音乐蓝本；是他，把交响音乐发展到让人叹为观止的地步，将慢乐章发展成具有史诗般磅礴气势的篇章，把典雅的小步舞曲乐章换成了具有强烈动力的谐谑曲乐章，使它达到为人类精神纵情高歌的境界，他还将终曲扩展为壮观的高潮，使音乐在凯旋中结束。这种结构的改变，使交响乐达到了前所未有的境地，成为人类文化宝库中的精髓。1827年在维也纳，这位孤独的长者被病魔夺去了生命，他在行将就木时，最终选择弦乐四重奏作为唯一的创作方式来表达情感，用利刃一样的笔墨写下了16首弦乐四重奏的最后5首，这些作品包含了他最高的艺术理念、最精致的音乐结构和最丰富的人类情感，体现了刚劲的气质、哲理的深思、质朴的世俗，犹如一位哲人，在深渊的边缘，为世人献上的一曲曲讴歌人类灵魂的“圣歌”。
他用音乐形式编织出的意味深长的乐思，是他对生命与艺术真谛的领悟，更是他用音乐表达的人文主义关怀。
古典主义时期与浪漫主义时期音乐异同 上海外国语大学0111104031 魏书道 音乐是人类思想的表达，是不逊于文学与美术作品的展示形式。 18世纪中叶，随着工业革命和科学技术的发展与法国大革命的冲击，欧洲社会发生了深刻变革。艺术不再是贵族的特权，新崛起的中产阶级也成为了剧场和音乐厅的观众。自此，民间平易生动的器乐音乐开始大量涌现。 相比于文学领域中高呼的“良知”，痛斥想象和飘忽无常的情感，音乐则更明显的表现出“清晰”“易解”。聆听古典主义时期几代大师的作品，即使是毫无音乐知识的普通人，也能使心灵平静沉淀，灵魂随乐而动。古典主义的易解性展示的平易近人的贯通美，正是其最具特色的一点，亦是其经久不衰而代代流传的最重要原因。 由音乐界的神话莫扎特与“爸爸”海顿开辟的时代，必定要有个回响不绝的升华。舒伯特作为最后一位古典主义大师，并没使我们失望。传承古典主义时期的淳朴音乐语言，接近于民歌的歌曲。《红磨坊的姑娘》（又译：美丽的磨坊女）、《鳟鱼》等众多的音乐小品，与诗歌，戏剧，绘画等其他艺术相结合，创新了艺术题材。他华丽的转场，为古典主义画上完满，亦为浪漫主义引入，展开一个崭新的时代。 十九世纪初开始的浪漫主义音乐时期，崇尚主观感情，提倡综合艺术。也由于时
代背景的影响，浪漫主义时期的音乐总是富有爱国主义的情怀。譬如肖邦的波兰舞曲，譬如斯美卡那的我和我的祖国。而同时浪漫主义时期表现出音乐的幻想性。残酷现实与美好理想的矛盾与交织，只有幻想是最后的安乐乡。也正因此，标题音乐在浪漫主义时期可以大行其道，成为名作中的大宗。 若说古典主义是版画，浪漫主义便是泼洒的水彩。古典主义崇尚的是理性。典雅和端庄是以严谨。“凡是天生的事物总是符合理性的，是永恒、真实的。“浪漫主义崇尚感性，崇尚个人感情。华丽的技巧，夸张的变调，忧郁感伤的小情调。”世纪病“即是忧郁，而音乐家们的感情比常人更加敏感。他们谱写演奏以宣泄内心。浪漫主义的风格让音乐家们的曲子小众化，变成只有音乐者自己懂的加密故事。 古典主义追求的是自然。古典音乐是为了使人理解而存在的音乐。它是有着抽象辩证思维的sonataform（奏鸣曲式）。是由浅而深入的心灵冲击。它的感情明确的开端轻易让人抓到主调。古典主义时期的音乐，是音乐家的大声疾呼，是鲜明又不失优雅的申辩。像咄咄逼人的辩论家，像哲学家沉思的脑内。 古典主义之于浪漫主义是前身，是传统，是要超越的过去。浪漫主义在此基础上新的探索，同时亦摆脱了“理性“对音乐格式与形式的限制。音乐本就是感情的喷涌，是无法言说的悸动。褪去枷锁，我颂我所敬，怅我所失。不求世人皆知，只求知音一人。浪漫主义的核心正是自由。自由的音乐才能带着幻想在耳畔徜徉。相异说至此，也就到了结束。 而相同，真的不必多说。音乐本身的本质是永远不变的。音乐是人感情的抒发，而使人有感而发的事情，对人类而言又有几多不同？生死、孤独、爱情、离别、神明、祖国、自然、英雄、统治者。愉悦、悲伤、痛苦、挣扎、沉思、崇拜、祈
2003-2004学年第一学期 20XX级《中国古代音乐史》试题（A） 一、判断题：每题0.5分共25分 1、原始时期的乐器一般多用石骨等材料制造（） 2、我国迄今出土最早的鼓是殷时期的（） 3、《云门》这一乐舞，是黄帝时期的（） 4、据史料记载历史上第一个用乐舞形式与民同乐的帝王是舜。（） 5、《大濩》是歌颂商汤的乐舞（） 6、商代创作淫乐的乐师叫师延（） 7、周代音乐等级制度非常严格，诸候使用的乐队是三面摆设的。（） 8、根据周代的法律，天子欣赏乐舞，其表演人员应是65人（） 9、六代之舞和四夷之舞是周时期创制在乐舞（） 10、周代的音乐教育学制为七年（） 11、根据考古证实金属乐器最早出现商代（） 12周代还没有出现弹拨乐器（） 13、“礼崩乐坏”的局面是从东周时期开始的（） 14、远古民歌曲调篇幅短小，结构较规整，多用感叹字，歌词少，对吗？（） 15、《诗经》共有歌曲作品305首（） 16、“夸爬鼓瑟而渊渔出听，师旷鼓琴而六马仰秣”对吗？（） 17、《乐记》是中国音乐史中的一部美学专著，它主要反映了古代道家的思想（） 18、儒家认为：音乐艺术应该大力提倡，不应该仅限于宫廷中（） 19、《楚辞》中的“倡”“乱”“少歌”说的是音乐曲式结构（） 20、《成相篇》是孟子根据一种民间音乐发展而成的文学作品形式，被现今的学者们认为是我国说唱音乐的鼻祖（） 21、汉乐府中的音乐领导人是司马相如（） 22、汉乐府这一音乐机构含有音乐教育功能（） 23、相和大曲是一种歌有舞的音乐形式，也叫但歌（） 24、鼓吹乐是一种少数民族的乐器合奏形式（） 25、现在洞箫的前身是笛子（） 26、大乐律学家京房是西汉时期的人（） 27、《踏谣娘》这种表演形式最早出现在南北朝（） 28、古“高昌乐”中的“高昌”说的是现在的新疆吐鲁番地区（） 29、清商乐是在北方民歌的基础上发展起来的一种音乐形式（） 30、西曲与吴歌都不把歌曲连缀起来演唱（） 31、《广陵散》这一古琴曲是“竹林七贤”之一阮籍演奏的代表作品（） 32、筚篥是一外来吹奏乐器也叫唢呐（） 33、钹这一乐器大约在公元五世纪传入我国（） 34、我国杰出的乐律学家何承天是南北朝时期的人（） 35、变文对后来的说唱音乐诸宫调、鼓子词等有很大的影响（）
学号： 学院：软件学院 姓名：吕优美 维也纳古典乐派
一、维也纳古典主义音乐定义 维也纳古典主义音乐，是指产生于18世纪下半叶以维也纳为地域中心的表现在音乐艺术领域的流派。维也纳乐派分为“早期维也纳乐派”和“盛期维也纳乐派”。“交响乐之父”海顿（1732-1890）、“音乐天才”莫扎特（1756-1791）和“乐圣”贝多芬（1770-1827）为维也纳古典乐派杰出代表人物。这三位作曲家受到资产阶级启蒙思想的影响，汲取德、奥、法、英各国先辈作曲家的创作经验，写出了形式严谨、内容深刻、形式和内容高度统一的各种器乐和声乐作品，成为后世音乐的典范，他们也都在维也纳度过创作的成熟时期，所以以他们为代表的作曲学派被称为“维也纳古典乐派”。这一乐派的主要特征是反映人类普遍的思想要求，他们追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。 二、维也纳古典乐派产生的社会背景 每一事物的产生都有相关的条件和基础，而这些事物产生的前提也将恰恰成为推动事物发展壮大的动力。 从维也纳乐派产生的时间上来看，它产生于18世纪中后期，这个时期正值欧洲社会大变革，无论从经济、政治还是思想文化方面，欧洲社会的变迁都对音乐艺术的发展起到了一定程度上的促进作用。 从经济上讲，18世纪下半叶的欧洲，正处于科技发现和发明不断涌现的时期。电、氧的发现，蒸汽机、纺纱机的发明，都为工业革命的来临奠定了基础，社会经济的迅猛发展也为人们生活质量的提高提供了物质支持。同时，新兴资产阶级代替了旧贵族，控制国家工业生产命脉，也为经济发展进行的资源管理上的保障。在社会经济发展一片繁荣的欧洲，人们在享受物质生活的同时，更增强了对精神生活的需求。人们已经不满足原有的艺术形式，而开始追求更高雅的艺术氛围，这也就从客观上促进了维也纳古典乐派的诞生和发展。音乐家们利用较从前更有利的物质条件，得以创作出更加顺应社会发展和听众思维需求的独具特色的新音乐派别。 从政治上讲，自18世纪下半叶开始，欧洲各国相继进入了资产阶级革命阶段。资产阶级取代贵族势力，夺取政权，使资本主义逐步取代封建主义，成为新的政权形式。同时也将资产阶级的思维方式和统治模式灌输到社会的各个领域。当时的音乐创作中也不乏对资本主义社会生活状态的体现。维也纳古典乐派在这样动荡的政治环境下，创作出与社会进程密切相关的音乐艺术，也从一个侧面体现了其顽强和旺盛的生命力。 三、维也纳古典乐派创作特点 创作手法比较丰富。维也纳古典音乐中切分音的大胆使用、转调的运用、速度的变化起伏和力度强弱的强烈对比，都促进了调式、调性的完善和音乐色彩及风格的多变。这一特点在贝多芬的作品中体现得尤为突出，他的“命运”、“英雄”等交响曲中都大胆采用音响的强烈对比和结构的宏大比例，使作品形成戏剧化的尖锐冲突和鲜明的创作热情。维也纳古典乐派的音乐具有一定的规模。充分展示了音乐家的思想空间，给音乐家提供更广阔的发挥余地，创作者可以运用多个乐章对思想感情进行完整的诠释，对音乐手法和演奏方法进行充分的发挥。从交响曲的“主题——乐段——乐章——音乐诗篇”的发展过渡，就可以很直观地看出音乐规模的不断加大。 这个乐派的主要特点为： 1、在音乐内容上，音乐作品受到当时启蒙运动思潮的影响，以讴歌人的精神和反映自然界的美为主旨。 2、在音乐织体上，确立了主调音乐形式的主导地位，和声织体清晰，曲式结构分明。 3、在音乐体裁上，奠定了交响曲、四重奏、协奏曲、奏鸣曲等体裁形式，使之更完善、
《中国古代音乐史》复习资料之一 第一讲 授课内容：上编中国古代音乐（远古——公元1840年） 第一章中国上古音乐（远古、夏、商、周、春秋、战国，远古——公元前255年） 第一节概述 第二节音乐的起源和先秦乐律学 教学目的： 学习本节应了解我国音乐的起源，音乐起源的几种说法；掌握先秦乐律学的成就；对中国古代十二律应熟悉。 重点、难点：三份损益法、十二律 教学方法：课堂讲授，多媒体课件，作品欣赏 教学过程： 1 音乐的起源 首先是劳动的进行、语言的出现和人类大脑的发达，奠定了音乐产生的基础和条件，同时也赋予了音乐的表现内容。 劳动中有节奏的呼声，这是原始音乐发端的最初萌芽。 音乐与舞蹈还可以说是人类语言的一种延伸； 某些劳动工具的发现和部分生活用具对乐器的出现也给我们的祖先以某些启发，甚至可以说某些劳动工具本身就是乐器的前身。 原始艺术的特点：音乐、舞蹈、诗歌三者交织在一起，密不可分，中国古代文献称之为“乐舞”； 2 音乐起源的几种说法： ①异性求爱说 ②语言扬抑说 ③摹仿自然说 ④信号说 ⑤巫术起源说 3 先秦乐律学 关于音阶和十二音这样一套完整的音乐理论体系，后世文献一般认为“商以前但有五音”，至周代始有“七音”。若根据传说，大概到了周代末年，我国就已经有了七声音阶和十二律了。《国语?周语》中记载了公元前六世纪时，周景王（公元前５４４年——公元前５２２年在位）向伶洲鸠问乐的故事，可以向我们揭示中国音阶发展的历史线索。 4 三分损益法 是齐桓公时的相——管仲在其着作《管子·地员篇》中提出的乐律学理论，这是中国最早的律学理论。“三分损益”的意思是把一个音律管分成三份，“损”是“减”（即从三份中减少一份），而“益”则是“增”（即再加三分之一），就是说以一根一定长度的发音管为准，把它减掉三分之一长，就形成了下一个律管，再把这个新律管加上其自身的三分之一长，便又产生出一个新的律管来。这样延续的一损一益，便产生出十二律。“三分损益法”每制出新的律管与原律管的音高都是上方五度，再下方四度，又上方五度，再下方四度……的关系，但需要再按音高次序调整排列，才能得出十二律，所以它又叫“五度相生律”，亦有称之为“五度相生法”。《管子·地圆篇》中的相生方法是先“益”后“损”。 三分损益法的意义 “三分损益法”理论是世界上最早制定的“十二律”的理论，比古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯的“律制”要早一个世纪左右。
音乐学系统考硕士研究生招生考试基本信息 一、考试科目及时间安排 注：外语考试说明：报考统考学术学位者考英语一，报考统考专业学位者考英语二，其他语种限日、俄、德语。
二、初试考试要求
三、复试前须提交的材料 通过初试的考生请于复试考试前将以下材料提交或寄送至音乐学系（具体提交时间待定）： ◆报考中国古代音乐史、中国近现代音乐史（含当代音乐）、中国传统音乐、中国少数民族音乐、西方音乐史、音乐美学、中国音乐美学史、世界民族音乐、专业音乐教育学、琴学研究方向的考生须提交本人撰写的、所报考专业研究方向的论文一篇（大学毕业论文或相当于大学毕业论文，须一式三份）。同等学力报考者所交的必须是公开发表的论文。应届普通本科毕业生可以习作（学期论文）替代学位论文。 ◆报考音乐文献翻译（英语）方向的考生须提交本人翻译的译文一篇（附原文）。 ◆报考音乐编辑与出版方向的考生须提交由本人撰写的图书选题或报刊栏目策划方案一份；大学毕业论文一份，应届普通本科毕业生可以习作（学期论文）替代学位论文。 ◆报考音乐治疗学方向的考试须提交一篇与音乐治疗专业相关主题的论文。 ◆报考音乐艺术管理方向的考生须提交本人撰写的艺术管理学专业论文（实习报告）一篇，内容为大学毕业或相当于大学毕业论文（实习报告）；同等学力或非艺术管理专业报考者所提交的必须是经公开实施后的策划方案（需提交与之配套的实践光盘）；应届普通本科毕业生可以习作（学期论文或策划方案）替代学位论文。
四、复试考试要求 注：本年度《和声》、《作品分析》共同课考试大纲适合于音乐学系各专业方向，但试题难度有所区分。其中，音乐治疗学、音乐艺术管理试题难度同管弦系、民乐系等，音乐学系其它专业方向试题难度略高于音乐治疗学、音乐艺术管理。
论巴洛克时期音乐对古典主义音乐的影响 第三骑手作品 如果说巴洛克时期的音乐带给我的感受就像是无边无际的大海和广阔无垠的天空，那么古典主义音乐带给我的感觉就像是从大海中精炼出来的小河，没有巴洛克音乐就不会有古典主义音乐，他们都代表了一个时代的艺术和思潮，诉说着他们各自的辉煌。 说到巴洛克时期音乐就不能不提巴赫和亨德尔，在我看来，巴赫的《G弦上的咏叹调》一曲令我印象最为深刻。贝多芬评价巴赫为无边的大海，而这首曲子正体现了巴赫的广阔无垠清澈无比的音乐风格和如大海波涛一般滚滚而来的调式高潮组合。听着巴赫的音乐，给人一种置身于广阔大海和无边天空之下的感觉，想象大海的浪花与天空的湛蓝形成的一副副唯美的画面。 有当代科学家研究巴洛克音乐时，发现巴洛克音乐之所以让人有美妙的感受，是因为巴洛克音乐每分钟约有60拍，与人类的脉搏和呼吸频率大致相同，使我们的脉搏和呼吸趋于稳定中和和稳定。而巴洛克音乐的低振幅、低频率又可以诱发与增强我们大脑中的α波，促进脑内吗啡的分泌，使大脑进入最活跃的状态，让人进入一种超级脑能境界，能让学习、记忆和创造性思维获得充分的施展，从而大大提高大脑的效率。或许是因为这一点，巴洛克音乐能引发人们更深层次的遐想，有更深的感触。 若巴赫的音乐的是婉约和悠长的，那么亨德尔的音乐就是豪放而不失精巧的。亨德尔富有创造性的《水上音乐》一曲节奏明朗，构造
精巧，充满了阳光欢快的气息，仿佛置身于大礼堂的舞会之中。旋律优美动听，清新又不失庄重，听着这首曲子，身心都感觉高雅了起来。 巴洛克时期的音乐是欧洲人征服新大陆之后一段时间内的代表 作品，此时人们的思潮奢华典雅，讲究华贵气息。随之往后的古典主义音乐相比之就更趋向于理性。古典主义音乐少量那份无拘无束的律动，变得更加严谨与精致，没有了随心所欲地抒发情感，音乐也变得更加简洁与精炼。古典主义音乐的那份精致，会不由自主地使人安静下来，静静地去欣赏，静静地去思考人生，静静地在天地间神游。它格外的纯净，格外的清澈。有时候，感觉有些古典主义的音乐就是上帝散播在人间的圣曲，来荡涤世间的一切污浊。或许，这就是古典主义音乐的魅力所在。 在古典主义时期的音乐家中，莫扎特毫无疑问是一位大师。他的音乐风格优美流畅，清新明朗。有时候，闭上眼，听莫扎特的音乐，哪怕是细微的呼吸声，也逃不过双耳。这不是我们的耳朵变得灵敏，而是莫扎特的音乐有一种让全世界都沉寂下来的功能。比如莫扎特的《A大调单簧管协奏曲》，柔美恬静，极富诗意，舒缓的旋律里不时 流露出淡淡的忧伤。这是莫扎特对人生对生活的思考。那种轰轰烈烈、忙忙碌碌、风风火火的生活，我们容易在其中迷失自我，而平平静静的生活才会使我们去思索人生的本质与意义，我们才会从中有所收获。记得有人说过，生活本来的味道就有点淡淡的苦涩。也许，莫扎特用音乐也阐释了这一点。 对于巴洛克时期的音乐，就像是人类为自己写的一曲赞美诗，赞
中国音乐史 一中国古代音乐史 第一部分 第一章中国上古音乐（远古、夏、商、周、春秋、战国，远古——公元前255年）第一节概述 第二节音乐的起源和先乐律学 音乐起源的几种说法： ①异性求爱说 ②语言扬抑说 ③摹仿自然说 ④信号说 ⑤巫术起源说 主要内容： 1音乐的起源 第二部分 第一节远古和先秦乐舞 第二节西周的礼乐制度 第三节 《诗》和《楚声》 重点、难点：六代乐舞、西周的礼乐制度 远古和先秦乐舞 1葛天氏、伊耆氏之乐 2“六代乐舞” 云门—————黄帝————祭天神 咸池—————尧—————祭地神 箫韶—————舜—————祭四望
大夏—————禹—————祭山川 大濩—————商—————祭先妣 大武—————周武王———祭先祖 西周的礼乐制度： 概述 礼乐制度是周代建国初期由周公制定的。其目的之一是为巩固等级制社会，其次也是吸取商代灭亡的教训，反对“淫乐”，“采取’节乐”措施。 礼乐制的实施巩固了奴隶主阶级的社会地位。促进了音乐的发展。但它也使乐成了礼的附庸，使音乐成为以礼为中心的模式音乐，并逐渐趋于僵化． 《诗》与《楚声》 乐器与器乐：1“八音分类法”：金石土革，丝木匏竹 1978年在湖北随县擂鼓敦的“曾侯乙墓”出土由65枚钟组成的巨大编钟，分三层悬挂在矩型钟架上，显示了我国奴隶社会音乐的发达和乐器制造技术方面的成就。 曾侯乙，是楚国下属的曾国一个名叫“乙”的侯。生年不详，约死于楚惠王55年（公元前433年）。从曾侯乙墓中出土的乐器有编钟共65枚，分三层悬挂在钟架上。 10琴、瑟、筝和伯牙的琴曲创作与演奏 第三部分 中国先秦音乐论著及音乐美学思想的典范——《乐记》 重点、难点：《乐记》的内容和意义 3《乐记》
中国音乐通史 题型 填空题 词条解释 简答题 问答题 远古、先秦 一、简答题 1.词条解释： 贾湖骨笛： 是用猛禽的肢骨在其一面钻孔而成 大司乐： 我国最早的宫廷音乐机构，是我国古代第一所音乐学校，其目的是为了配合礼乐制度，维护周王朝的最高统治。 六代乐舞： 黄帝——《云门大卷》祭天神，云神崇拜 唐尧——《大咸》祭地神，水鱼崇拜 虞舜——《九韶》祭四望，三代文治武功 夏禹——《大夏》祭山川，歌颂大禹治水 商汤——《大濩》祭先妣，歌颂商汤伐桀 周武王——《大武》祭先祖，歌颂武王伐纣 三分损益法：
是春秋战国时期出现的，是最早的乐律计算方法。 2.简述周代宫廷礼乐机构的主要构成：（与大司乐有关） 3.周代八音分类法的依据是什么？（每类各举二种乐器） 石类：鸣球 二、问答题 1.春秋战国时期儒、墨、道学派的代表人物及其对音乐的主要观点是什么？ 2.曾侯乙墓出土乐器在中国音乐史上的意义如何？ 汉代 一、简答题 1.乐府的基本概念及其功能 乐府是汉代封建王朝建立的管理音乐的一个宫廷官署。乐府最初始于秦代，到汉时沿用了秦时的名称。 2.词条解释 相和歌： 李延年： 鼓吹乐： 百戏： 汉代百戏，上承周代，是兼有音乐歌舞成分的杂技表演之总称。包括角觝、杂技、武术、幻术、民间歌舞等多种表演形式，表演中伴有音乐的唱、奏。 京房六十律：（理论律学） 二、问答题： 1.简述汉代相和歌的发展历程
2.简述汉魏时期相和大曲的结构形式 3.阐述《乐记》的主要音乐美学观点 4.关于音乐的美感认识，《乐记》强调音乐给人们的愉悦感受是人类生活不可缺少的。 《乐记》作为先秦儒学的美学思想的集大成者，其丰富的美学思想，对其后两千多年来中国音乐美学思想的发展具有十分重要的影响。 魏晋南北朝 一、简答题 1.词条解释 清商乐： 它的形式大致与相和诸曲相同，所用的宫调系统亦与相和歌相通，被称为“清商三调”。 吴歌： 西曲： 何承天： 《广陵散》： 2.简述《声无哀乐论》的主要美学观点 二、问答题 1.简述魏晋时期古琴音乐发展的主要内容 历史上的魏晋时期是一个战乱与分裂的时代，也 著名琴曲有《广陵散》、《酒狂》、《梅花三弄》、《乌夜啼》及现存最早的文字谱《碣石调·幽兰》（南朝梁丘明所传）。
古典主义时期音乐的风格特征 本学期我选修了欧洲音乐史，因为我一直对古典音乐有着浓厚的热爱。我综合一个学期以来所学的关于欧洲音乐史的知识和自己搜集的一些资料，对这个学期的学习进行一个总结。在这里我从欧洲音乐史中选择了古典主义时期具体阐述一下这一时期音乐的风格特征。 古典主义时期主要是指欧洲音乐史1750年至1827年左右这70多年的历史阶段。 古典主义时期之前欧洲爆发了在思想文化领域内掀起的启蒙运动，它对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把“理性”推崇为思想和行动的基础，相信实用性实验知识的效用和相信普遍自然感觉的价值，提出“自由、平等、博爱”的口号。后来又经历了狂飙突进运动、德国资产阶级文学运动的洗礼，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的作品开始具有丰富的哲理内涵。所以古典主义时期音乐的社会文化特质表现为强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。 这一时期音乐的整体风格特征主要表现在一下七个方面：1、音乐从教堂步入宫廷，并逐步走向社会，走向民众。2、音乐创作不再以巴罗克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，建立起“主—下属—属—主”的功能和声进行。3、确立曲式分段式结构原则，旋律不再采用巴罗克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节（也有3、5、6小节）为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。4、主题动机式发展，以主题间的对比取代巴罗克时期单一主题的模进发展。5、“通奏低音”被明确的乐器记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。6、追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。7、音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。以上这些变化对欧洲音乐的发展都具有深远的影响。 古典主义时期音乐的类型主要世俗化，专业化，定向化。 在古典主义这一音乐时期不仅确立了主调音乐形式，还出现了三个重要的乐派曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派和许多优秀的音乐家。 曼海姆乐派是18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。曼海姆乐派在音乐史上做出了重大的贡献，主要有（1）在结构上，奠定了古典交响乐的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快—慢—快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板—行板—小步舞曲—快板终曲的交响乐套曲形式。（2）在演奏风格上，仔细安排乐队演奏力度上“渐强”、“渐弱”的情感幅度变化，在当时具有前瞻性。（3）在创作上，以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部，
音乐的思想 摘要： 本文主要论述欧洲音乐的发展与欧洲人民的思想解放的关系。音乐是一个时期人民思想的具体表现，欧洲音乐的发展经历了大致包括中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时代、维也纳古典时期、浪漫主义时期、20世纪现代音乐时期，其中音乐所代表的人也从教廷宫廷等权贵转向普通欧洲人民，并且音乐所包含的思想也从延续千年对神的虔诚转移到对现实的理性中来。 音乐本身就是作曲家对情感的抒发，所以对音乐不仅仅要在节奏、旋律等中进行欣赏，更要体会作曲家在音乐中抒发的思想。只有体会到了音乐家们的思想，才是真正读懂了音乐。 关键字:音乐思想旋律欧洲音乐 （一）中世纪时期和文艺复兴时期中的宗教音乐 中世纪时期和文艺复兴时期，欧洲音乐主要是流行在教廷和宫廷中，主要是贵族在维持欧洲音乐的发展。这两个时期的欧洲音乐旋律、节奏单一，绝大多数是歌颂上帝、描述贵族阶级生活美好的音乐内容。虽然文艺复兴时期的核心思想是提倡人性，反对神性，主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信。但是由于作曲的权利和作曲家大多由教廷掌握，所以音乐包含的思想还是没有太大的改变。所以这两个时期的音乐并没有反映广大欧洲人民或者作曲家内心自己的想法。 （二）巴洛克时期的音乐变革 首先说巴洛克一词来源于葡萄牙语barroco，本意是形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。所以这一时期的音乐开始相较于之前两个时期，有了明显的变化，此时的音乐对比强烈，强弱音色对比尤其明显，这一变化主要用于表达情感，可以说是欧洲音乐趋向于个人思想表达的一个开端，是一场巨大的变革。 这个时期的主要代表人物是亨德尔和巴赫，他们两人都是当时教堂内的主要音乐作曲家，他们两个的代表作虽然大多是教堂音乐，但也都融入了自己对音乐的感受和当时他们任职教堂时候的自我感受。从他们的音乐作品中，可以清晰的感受到音乐作品内容的改变。 （三）维也纳古典时期，欧洲音乐发展最快的一个时期
1.什么是“清商乐”、“吴歌”和“西曲” 清商乐是魏晋南北朝时期汉魏相和诸曲与南方的民间音乐相结合而成的俗乐之总称。《魏书·乐志》载：“江左所传中原旧曲、……及江南吴歌，荆、楚西声，总称清商。”它的形式大致与相和诸曲相同，它所使用的宫调系统亦与相和歌相同，被称为“清商三调”。它所用的乐器有节鼓、琴、瑟、筝、筑、琵琶、箜篌、笙、笛、篪、箫、埙、钟、磬等。 吴歌是东晋、南朝时流传于建康一带的民歌。如《子夜歌》、《上声歌》等。 西曲大约是在南朝时流传在今江陵一带的民歌，其表演形式有舞曲和倚歌。如《莫愁乐》、《那呵滩》等，有一部分为文人所作。 2.《声无哀乐论》的主要音乐思想是怎么样的 《声无哀乐论》是由魏晋名士、“竹林七贤”之一嵇康所着，文中通过“秦客”与“东野主人”的八次论难，阐述了“声无哀乐”的观点。 关于音乐的本质，嵇康认为音乐是客观的存在，哀乐之情是主观的存在，两者并无因果关系，与儒家的音乐观点——表情说相对立。即：“心之与声，明为二物。”“声音自当以善恶为主，则无关于哀乐;哀乐自当以感情而后发，则无系于声音。”“音声有自然之和，而无系于人情。”音乐的本体是“大小、单复、高埤(pi增加)、善恶”的总和，它只能引发人们的“躁静”(兴奋或恬静)、“专散”(精神集中或分散)。 人们的哀乐之情来自外界客观事物的影响，音乐只是诱导其表现出来。即“哀乐自以事会，先遘(gou相遇)于心，但固和声以自显发。”并且“人情不同，各施所解，则发其所怀。” 嵇康肯定了音乐的娱乐作用和美感作用。大胆地否定了儒家所一贯提倡的音乐教化作用、道德作用。反对无视音乐的艺术性，把音乐简单的与政治等同的观点。 《声无哀乐论》是我国古代具有代表性的音乐美学论着，其中涉及音乐本质、音乐的功能、音乐的审美感受等思想与儒家所提倡的音乐思想不同，构成了封建社会中音乐思想两大潮流的源头。 3.何承天和荀勖在乐律学方面做出了哪些贡献 魏晋南北朝时期，律学研究开始探索和解决在实践中的旋宫转调问题。对此作出突出贡献的有何承天和荀勖(xu)。 南朝杰出律学家何承天(370一447)创立了十分接近十二平均律的“新律”，意在消除由三分损益算出的十二律“黄钟不能还原”、不能旋宫转调的缺憾。其计算方法是：用黄钟本律之数(9寸)与仲吕所生黄钟之数(按三分损益法计算到11次所得寸)相减，其差数为寸，
【巴洛克音乐】 巴洛克音乐倾向于表现宗教题材，并且华丽而复杂，且作品时间冗长。但与中世纪不同，用调性概念取代了教会制定的调式音阶，拓宽了音乐的创作领域。 在音乐手法上，多采用复调手法，多旋律线配合进行，强调复调对位手法。 巴洛克的另一音乐特点是对于浑厚低音的需求。其特定手法“通奏低音”或“持续低音”，使作品从头到尾都被饱满的低音部托起。 巴洛克的主要形式为复调，包括对比式复调（旋律线的互相对比）与模仿式复调（旋律线的先后模仿）；“卡农”“赋格”为常见曲式。 代表人物：巴赫，亨德尔 《约翰受难曲》、《马太受难曲》巴赫的作品深沉、悲壮、广阔、内在，充满了18世纪上半叶德国现实生活的气息。J.S.巴赫音乐中器乐曲往往通过节奏的对比与变化，来表现复杂的均衡关系。通过这种均衡关系而作复调处理，对位、变化，达到一种极丰富的循环。 代表作品：《阿尔米拉》，《尼罗》，《哈利路亚》 亨德尔的曲风雄伟、崇高，所创作的清唱剧是戏剧性的英雄史诗。则更是以其震撼的气势，洗练而悠长的旋律，以及教堂圣歌的庄重典雅，而成为传世佳作。 【古典主义】 古典主义音乐的主要手法是复调音乐与主调音乐并用。 由于相比较巴洛克的宗教性，古典主义更加理性与自然，故曲式更加的自由，章节之间的情感变化较呆板的巴洛克更为起伏。但曲式与节奏依旧非常规则整齐。 古典乐乐章包括四部分
1.快板，奏鸣曲式等，戏剧性的陈述两个对立主题 2.慢板，为三段体或变奏曲，赋予哲理性与思考 3.小快板，小步舞曲等，表现出矛盾后的闲暇 4.快板，呈现胜利凯歌的欢庆场面 古典主义确立了近代古典曲式，包括协奏曲式、奏鸣曲式、回旋曲式等等代表人物：贝多芬，莫扎特 主要作品有交响曲九部（以第三《英雄》、第五《命运交响曲》、第六《田园交响曲》、第九《欢乐颂》最为著名），歌剧《费黛里奥》等。在音乐表现上，充满豪迈的气息，并大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。 留下的重要作品总括当时所有的音乐类型，协奏曲、交响曲、奏鸣曲、小夜曲、嬉游曲等等成为后来古典音乐的主要形式，同时也是歌剧方面的专家。莫扎特的音乐深刻地反映了这个时代的精神，尤其是体现在歌剧作品中的市民阶层的思想，无疑在当时具有进步的意义。莫扎特赋予音乐以歌唱优美欢乐性，然而，其中又深含着悲伤，这正反映了莫扎特时代知识分子的命运。 【浪漫主义】 主题悠长而不均匀，相比较古典派，节奏更自由随性，更加不稳定，且与古典派和巴洛克的感情控制相反，浪漫主义的情感变化非常大。 浪漫主义乐派更加情感化，曲式非精确化，主题节奏非整齐化。 “弹性速度”手法多见，并且摒弃了“通奏低音”的手法，不使用固定音型。相比较古典乐，除了情感的大起伏，音乐变幻也更加的不可预料，以体现非理性。 代表人物：肖邦，舒曼 主要以《钢琴协奏曲》，《叙事曲》等钢琴曲为主，被誉为“钢琴诗人”。这些作品能激起无穷的情感体验，大多优美、文雅、富有歌唱性。他运用优雅
欧洲古典音乐的发展与风格特征论文（共 2篇） 本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！ 第1篇：论欧洲古典音乐时期德彪西印象主义音乐作品的风格特征 印象主义音乐德彪西朦胧色彩风格特征德彪西的音乐作品具有独特的风格，因而西方音乐史上以印象主义音乐作为对其音乐的概括，德彪西也由此成为印象主义音乐的缔造者。最初的印象主义是由绘画所衍生出的描绘性术语，源自于莫奈的作品《印象·日出》。从此以后，印象主义逐渐开始向音乐、文学等不同艺术领域渗透。在音乐领域，印象主义主要利用音色与和声来唤醒听众感官和意境印象的一种作曲立场。印象主义对印象色彩的修饰和感觉较为重视和强调，与印象主义绘画相比，印象主义音乐的创作理念并无二致。 一、德彪西音乐风格的形成 克洛德·阿西尔·德彪西生于1862年，卒于1918年，是法国著名作曲家。自学生时代起，德彪西就表
现出离经叛道、独立不羁的自由天性，他对于音响色彩做出大胆探索，例如使用钢筋演奏一部分全音音阶、十一和弦以及增和弦等，对于传统演奏规则不予遵循，德彪西因此而受到音乐教师的批评。 《春天》这部具有很强色彩性的管弦乐作品创作于1887年，其中已经蕴含了印象主义的早期创作迹象；1890年，德彪西开始密切地与一些象征派诗人交往，如路易斯、魏伦以及马拉美等，这些诗人的艺术观点以及思想理念在很大程度上影响了德彪西的创作理念，与此同时，印象派绘画也在一定程度上对德彪西有所启发。1890年到1910年间，德彪西在此期间以其旺盛的精力创作了大量作品，从《牧神午后》、《夜曲》，到《大海》、《意象三首》，德彪西的个性化的管弦乐色彩与和声、独具魅力的音乐语言攀至高峰。而印象主义歌剧《佩里雅思与梅里桑德》、钢琴曲《版画集》、《意象》以及《钢琴前奏曲》则意味着德彪西印象主义风格臻于成熟。 二、德彪西的音乐风格特征 德彪西的作品具有雅致、飘逸、朦胧、透明、优美、空幻、纤细和幽静的特点，其光色如梦般变幻无穷，无迹可寻。德彪西突破了数百年来西欧音乐的传统模式，进而创造出令人为之神往的一种全新音乐语
《中国古代音乐史》复习资料之四 第十四讲 授课内容：第五节戏曲音乐（上） 教学目的：了解中国古代戏曲音乐发展的基本历史沿革，并能辨别不同历史时期的戏曲形式重点、难点：南戏、元杂剧、传奇与“四大声腔”、“梆子腔”、“皮簧腔”与“京剧” 教学方法：课堂讲授，多媒体课件，作品欣赏 教学过程： 1 我国戏曲音乐源起简述 北宋时期，在我国的北方出现了一种综合性的戏曲形式——“杂剧”。 关于我国戏曲音乐的形式，可以追塑到我国的秦汉时代和隋唐时代的“角抵”和“参军”戏。关于“角抵”，宋代陈在其所著《乐书》中是这样记载的： “……蚩尤氏头有角，与黄帝斗，以角抵人。今冀州有乐名蚩尤戏其民两两戴牛角而相抵，汉造此戏其象也……。” 东海黄公戏——《西京杂记》的记载 三国时，出现了“优人”嘲弄“犯官”的“参军戏”。到了唐代，这种参军戏形式已经比较固定，并且有了“参军”、“苍鹘”两个角色； 从《资治通鉴·唐纪二十八》玄宗开元八年记载中可以看出到唐代已有了“魃”和“参军”等固定的角色。到了唐代，“俳”、“优”和歌舞演员的分工比较明确。 2 宋杂剧 我国戏曲艺术形式的确立，有两种说法，一般认为是南宋时的“南戏”；也有认为北宋的“杂剧”确立了我国戏曲艺术。我们认为杂剧先于南戏而出现于我国的北方，并且杂剧是以典型的戏曲形式出现的，故可以认为：宋杂剧是我国最早的戏曲形式，是后来戏曲艺术的“雏型”。北宋时期，杂剧既是各种伎艺（如滑稽戏、傀儡、皮影、说唱、歌舞、杂剧、武术等）的泛称，与散乐、百戏意义相同；又作为一种戏剧表现形式各种伎艺中进行演出，也可以作为单独的表演形式进行演出。到南宋时，杂剧在各种伎艺中已处于主要的地位。《都成纪胜》载：“散乐、传学教访十三部，唯以杂剧为正色。” 在这一时期，它在北方又被称作“金院本”。 宋杂剧的演出包括三部分： 第一，先演“艳段”，做的是“寻常熟事”； 第二，演“正杂剧”，这部可能是歌、舞、戏三者结合的戏曲形式搬演。 第三，演滑稽戏性质的“散段”（或叫“杂扮”）。 3 南戏 我国戏曲艺术的正式形成，一般都认为是南宋时的“南戏”。 南戏源于北宋“宣和”年间（公元1119——1125年）浙东永嘉一带的民歌、曲子并在此基础上发展而成的一种民间戏曲，也叫“永嘉杂剧”、“戏文”。后来又进一步吸收了唱赚、诸宫调和杂剧中的“歌舞”、“念白”、“插科”、“打浑”等成份而形成的一种戏曲形式。 南戏有着浓厚的生活气息，能充分表达人民群众的思想感情。其剧目，不论是民间传说或时事秩闻，一般都具有强烈的战斗性。例如宋末曾风靡杭州的《风流王焕贺怜怜》就是一出歌颂坚贞的爱情与抨击封建官僚贪暴的南戏。 南戏的音乐构成与后来兴起的元杂剧也有着很大的区别，其音乐由五声音阶构成，风格流利婉转，这与用七声音阶风格比较刚劲的杂剧（北曲）大异其趣。 南戏的剧本也比杂剧灵活，其剧本可长可短，所用的只曲与套曲也可多可少，不受一折一宫
中国古代音乐史 远古（约前21世纪以前） 一,原始乐舞 形式：1歌舞乐三位一体。 2旋律简单，节奏较为平淡，是一种平等的无阶级意识的原始音乐艺术形态。 内容：其表现了原始人们的民族图腾崇拜，狩猎生活，抗击自然灾害，农牧生活（尊重自然规律），战争，爱情等生活的各个方面，反映了原始先民处于蒙昧时期的思想。 葛天氏之乐：1见于先秦文献《吕氏春秋。古乐》，片中记载的一组原始乐舞。 2内容分为八个部分，描写了远古时期人们的狩猎生活，农牧生活和图腾崇拜。 3形式：表演者手持牛尾，且歌且舞。 4该组乐舞所反应的内容，与中国古老的的农耕文化特征相吻合。因而有一定的客观性。 伊耆氏之乐：原始乐舞，见于先秦文献《礼记。效特性》。它是一部岁末祭祀乐舞，用以崇奉万物，反映了原始先氏在岁末祭祀祈求收获的愿望。 阴康氏之乐：见于先秦文献《吕氏春秋。古乐》的一篇原始乐舞，表现了人与自然的搏斗。是一种古老的健身舞，体现了原始社会音乐朴素的社会功能。 朱襄氏之乐：原始乐舞，见于先秦文献《吕氏春秋。古乐》其内容反映了人们在干旱面前祈求神灵降雨的愿望。 刑天氏之乐：原始乐舞，见于《山海经.海外西经》是一部表现战争的乐舞。 弹歌：1据传为黄帝时期的一首猎歌。见于文献《吴越春秋》 2歌词描写了一个原始狩猎的过程。反映了远古的狩猎生活。 3这个过程与当时的历史人文背景是相吻合的。因而它的存在具有一定的真实性。《云门》：相传为黄帝时期的一部原始乐舞，六代乐舞之一。它是一部反映图腾崇拜的乐舞。表现了处于蒙昧时期的人们对于自然的认识。 《咸池》：1尧时乐舞，六代乐舞之一。《周礼》和《吕氏春秋》中记载“皇帝所做乐也，尧增修而用之”。可能是皇帝时已有之，而最终的完成是在尧。 2它是一部表现水鱼图腾崇拜的乐舞。 3《庄子。天运篇》称其“此之谓天乐”。可知它是一部远古时期十分优秀的乐舞作品。 《萧韶》：1相传为舜时乐舞，见于《吕氏春秋。仲夏纪》，《左传。襄公二十九年》等多部文献。乐舞的排箫为伴奏乐器，所以称《萧韶》 2乐舞有九个段落，九次歌唱，九次变化。所以又称《九韶》，《九歌》，《九辨》。 3孔子对《萧韶》做出了“尽善尽美”的评价。可见它在当时所表现出的极高的音乐表现力及艺术成就是原始社会最高水平的乐舞作品，与此同时，由他而引出的“尽善尽美”此后便成了中国音乐美学的一个标准。影响深远。 舞蹈纹彩陶盆——原始乐舞考古材料 1考古学家于青海省大通县上孙家寨村发现的新石器时期的一件内壁绘有舞蹈图案的彩陶盆。 2据鉴定距今5000年左右。所绘图案是迄今发展的年代最早的一幅乐舞图。 3图案中，五人一组，动作整齐。服饰，头饰统一。 4它的出土作为实物与古代文献相印证。在一定程度上共同传记了我国原始乐舞——形式的存在及其发展水平。为探索我国原始社会的乐舞提供了珍贵而罕见的形象资料。
浅析古典主义音乐风格的形成与发展 古典主义时期主要是指欧洲音乐史1750年至1827年左右这70多年的历史阶段。 古典主义时期之前欧洲爆发了在思想文化领域内掀起的启蒙运动，它对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把“理性”推崇为思想和行动的基础，相信实用性实验知识的效用和相信普遍自然感觉的价值，提出“自由、平等、博爱”的口号。后来又经历了狂飙突进运动、德国资产阶级文学运动的洗礼，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的作品开始具有丰富的哲理内涵。所以古典主义时期音乐的社会文化特质表现为强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。 古典主义时期音乐的类型主要世俗化，专业化，定向化。 古典音乐作为音乐中类别的称呼，是相对于轻音乐、通俗音乐等类别而存在，它本身并没有严格明确的解释或者定义。在轻音乐范围里，有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验，被人们奉为楷模的轻音乐作品，如古典轻歌剧、古典爵士乐等。 18世纪的欧洲发生了一场哲学和思想的革命运动，即启蒙运动，对整个欧洲产生了重大影响。启蒙思想家们反对传统的宗教观念与教会制度，提倡自然神论与实际道德；反对形而上学，提倡应用科学；反对拘泥形式，提倡自然；反对专制的权威，提倡个性自由、权利平等和普遍教育。他们把理性推崇为思想和行为的基础。它是以反对教会神权和封建专制的文化运动的面貌出现的，然而影响却远远超出了文化领域，涉及到经济、法律、哲学、文学、艺术乃至社会风尚等
方面。 而古典主义时期是器乐音乐繁荣的时代。巴罗克音乐150多年的发展，作曲家们已积累起无需依赖歌词的纯音乐的创作经验，这为古典主义时期的器乐音乐繁荣奠定了基础。古典主义时期主调音乐风格已确立起统治地位，复调音乐尽管没有被完全抛弃，但已退居从属地位，音乐的旋律与和声成为最为突出的两大要素。古典主义讲求清晰和富有逻辑的音乐语言。匀称的音乐旋律句法和段落结构，取代了巴罗克音乐旋律加变奏的装饰性旋律方法。具有辩证思维因素的奏鸣曲式成为作曲家们在许多音乐体裁中广泛使用、不倦探索的最重要的音乐曲式。 古典时期的音乐风格迥异于其他时期。实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，给予听众明确的感觉这音乐如何进行；还有段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时可以准确地知道紧接着出现的内容。作曲家的创造性只是对这个作曲系统和轮廓稍加变化，而不是机敏地或富有进取精神地创作出乐曲来使听众着迷或惊奇。也可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅有“古典风格”。 这时期的代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等等。随著法国大革命对社会造成的冲击,作曲家的生计也受到影响,由最初依赖宫延、教会供养转变为独立的个体户。 一、古典主义音乐风格形成的背景。 18世纪下半叶的音乐艺术也像其他姊妹艺术一样，受到启蒙思想的深刻影响。随着文学艺术面向资产阶级和市民阶层的社会潮流，随着音乐赞助日益减少，新一代音乐听众逐渐形成，音乐更多地走出了宫廷和教堂，公共音乐生活开始活跃起来。为形形色色的听众策划的公开音乐会开始与古老的音乐会和私人音乐会
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2/11 【育明教育】中国考研考博专业课辅导第一品牌官方网站：https://www.doczj.com/doc/471273092.html, 2【育明教育提示】2014年中国艺术研究院复试成绩基本要求（专业类） 报考专业总分外国语 思想政治理论 专业一、专业二单科成绩美术（135107）325 3451【育明教育提示】中国艺术研究院611艺术概论主要参考书 《艺术学概论》彭吉象《艺术概论》王宏建 【育明教育提示】中国艺术研究院611艺术概论分值情况总分150 一、名词解释：一共8道，每道5分，共40分； 二、简答题：一共给出3道，只需选择其中2个即可，每个15分，共30分； 三、论述题：一共给出3道，同样选择其中2个即可，每个40分，共80分。