歌曲作曲的一般技巧
作曲当然要遵守音乐的规律，但各人的方法和技巧又有不同之处。
如，有的人习惯先有词后作曲，也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。
有人先作一个总体的构思然后再动笔，有人完全按照感觉来写，认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。
但我看，要创作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法还是不能没有的。
这里为大家讲解一下基本的创作技术问题。
一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。
乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。
歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。
要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。
二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。
段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似形式。
对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。
但这也不是绝对的。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写得好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
数学里面有黄金分割点，人们在美术、音乐等艺术领域都很注意这个点。
按照美学观念它是最完美的点。
一首3分钟的歌，在黄金分割点上，大概2分多钟的时候，总是一个歌最最好听的地方，他或是高潮部分，也许是一首歌最最精华的部分，在编曲上尤其是这样。
黄金分割点，是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。
2、重复重复永远是音乐中的不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。
(重复也是同度模进)。
重复的技巧也很多，移位重复还包括严格移位和混合连续移位。
3、倒影它就像我们在水边，看到自己的影子。
如：33345 33321。
在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律，不会很散。
4、模进模进分严格模进和自由模进。
严格模进，要求各旋律音程之间完全一样，旋律线条也要完全一致。
如：3323 2212 。
自由模进，则没有这个限制。
如：1123 3345(1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同)5、对格各艺术门类都是相通的。
在文学创作中的某些技巧，放到音乐里也完全适用。
在一些人写的诗联，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。
放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如：123 312 234 465，前面的最后一个音符，是后面的第一个音符。
李宗盛有时通篇都使用对格的技巧。
歌曲变音用得如何，很大程度上看作者对旋律的把握程度。
一般来说，表现明亮色彩的歌曲用大调，相反，表达忧伤或温柔的歌曲用小调。
我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。
在小调中，多使用#4和#5，是不会有错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
例如，罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中，用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。
如果改用4的话，旋律色彩就会大打折扣。
7、浓淡疏密1：疏密有致。
国画讲究疏可跑马，密不透风，有疏有密。
在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排得平稳些，以起到一个平衡的作用。
2：深浅分明。
国画讲究墨色深浅枯湿，分深、浅、灰等五色。
在音乐作品中，如果前面两小节都使用了上行的旋律，如：1123 3345，那后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
如，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升，且不带拐弯地到达高音1，音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
但在当今的许多歌曲，特别是流行音乐里，几乎没有这种限制了。
现在作曲家对歌曲的定调，一般是根据歌手的音域来确定的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高，降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
当然，这也不是绝对的，只是一个大致的范围，听说帕瓦罗蒂可以唱到高音#C。
大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。
9、变调我在江西、北京两次听到张千一讲自己的歌曲创作体会，每次对转调的问题都谈得特别多。
调性的对比，确是非常重要而有趣的，一首歌前面如果是小调，后面可改用大调来发展。
前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。
这样能让听众有耳朵一亮的感觉。
但不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么调，一定不能单纯为了转而转，音乐也要有
再现。
齐秦的《大约在冬季》，他在第一段开头用大调1，结尾是小调6，副歌部分也是小调，很好地抒发了离别的情绪。
张国荣的“共同度过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。
转调技术在间奏里用得也比较多，还有离调，但这是编曲的范围。
如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调。
调式的学问很多，在印度的音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶，更难唱。
光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音等，很难懂。
是C调的话，结尾一定要从G到C才可以，不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
10、起承转合。
中国的诗词歌赋是要讲究起承转合的，四句式的歌曲或歌曲主题部分也有起承转合音乐结构的。
开头的第一句就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一
个动机所在。
第二句就要相承了。
第三句就是转，是主歌部分最精华所在，很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。
前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条。
用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。
实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。
11、词曲配合。
汉字有本身的发音，1、2、3、4声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中，这是最最忌讳的。
如果歌词的感觉是摇滚的，曲子却写成民谣的，听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，感觉就会很别扭。
齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，新填上词来唱，感觉不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，当然不好。
12、最高境界。
鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦，就是说，好的文章，你一个字都不能增减。
好的曲子也是一样。
加任何一个音符进去，你都觉得不好，删除任何一个音符，你都觉得不对，到了那个时候，就是曲子最完美的时候。
如果对巴赫的复调加音符进去，就会发现，加在任何一小节，其他地方都要作很大的改动，而改好之后，又会发现完蛋了，不能听了。
但歌曲有所不同，因为要加歌词。
词，是为曲服务的，是依附在曲子上的。
所以宁可让词牺牲点，也尽量不要去改动曲子了。
《中国通俗歌曲欣赏》教案设计 设计意图 爱因斯坦说过“爱好是最好的老师”，通俗歌曲因其大众化、全民化的特点，得到许多中学生的喜爱。把流行歌曲引进课堂——这是课堂设置中的挑战，也是一个不可避免的过程，本节课选择了学生最感兴趣的内容——欣赏通俗歌曲。通过介绍通俗歌曲的特点以及我国不同时期通俗歌曲的风格，然后让学生进行讨论与交流，学生根据自己的理解各抒己见，充分发挥学生的主观能动性及团结协作的精神，教师给学生提出问题、总结问题，引导学生积极思考，表达见解，使学生多角度、客观地评价和欣赏不同类别的通俗歌曲。 教学内容 一、音乐知识通俗歌曲的概念及特点 二、作品欣赏 1．《何日君再来》 2．《外婆的澎湖湾》 3．《小城故事》 4．《黄土高坡》 5．《天堂》 三、探索与讨论 教学目标 1．了解通俗歌曲的特点，对“通俗歌曲”这种音乐形式有一定的认识和鉴别能力，并能主动参与讨论。 2．能够充分感受、体验通俗歌曲中所表现的音乐情绪 , 理解音乐内容及意境。 教学重点、难点 如何引导学生多角度、客观地评价鉴赏不同时期、不同类别的通俗歌曲。教学方法 讲解、演示、列举、分析、讨论及学生相关的参与活动 教具：CAI课件音乐设备电脑黑板等 教学过程 一、导入课题 1．老师分别用三种唱法（美声、民族、通俗）演唱三首歌曲。 ①《你再不要去做情郎》（选自《费加罗的婚礼》，艺术歌曲，美声唱法） ②《草原上升起不落的太阳》（民歌，民族唱法） ③《弯弯的月亮》（通俗歌曲，通俗唱法）
2．老师小结导入课题 老师刚才分别用三种唱法演唱了一首艺术歌曲、一首民歌、一首通俗歌曲，不同演唱方式具有不同的表现效果，同一首歌曲也可能用不同的演唱方法来表现。对同学们而言，最为熟悉和喜欢的是用通俗唱法演唱的通俗歌曲。这节课我想和同学们一起走进我国通俗歌曲的艺术殿堂，共同去感受它的魅力。（揭示课题） 二、通俗歌曲的概念及特点 1．什么是通俗歌曲？ 展示：通俗歌曲亦称流行歌曲，主要是指十九世纪下半叶至二十世纪初在欧美各国发展起来的适合一般市民群众爱好的，轻松活泼、易学易唱的、便于流传的歌曲。它是与艺术歌曲、民歌相对而言的梦内容大多取材于人们的日常生活，以爱情主题居多；也有描写人生、伦理、叙说理想、生活、抒发思念之情等。 2．通俗歌曲的主要特点？ 展示：通俗歌曲的主要特点是短小精练，旋律流畅、口语化较强、易学易唱，流传范围广泛，富于时代性。各个时代的通俗歌曲具有各自的特点，歌曲常使用一个固定的节拍或固定的节奏型等，乐队一般用电声乐队演奏。 三、我国通俗歌曲的几个发展时期 我国通俗歌曲的发展大致可以分为以下四个阶段：二十世纪三、四十年代（起源）：二十世纪七十年代末——八十年代初（港台歌曲和校园民谣）；二十世纪八十年代中期——九十年代初（“西北风”时期）；九十年代中期至今（成熟期、形式多样化）。 四、感受与体验 导语：我国通俗歌曲从起源到今天的日趋成熟，经历了一个曲折的过程，那么究竟我国各个时期通俗歌曲有什么特点呢？是不是所有的通俗歌曲都适合中学生演唱呢？通俗歌曲到底可不可以进入我们的课堂呢？这些正是我想在这节课和同学们一起来探讨的问题，接下来请同学们欣赏几首我国各个时期的有代表性的通俗歌曲： 1．“二十世纪三、四十年代”通俗歌曲代表作品欣赏 （1）欣赏《何日君再来》 （2）师总结并简介时代背景：当时的中国正处在民族存亡的紧要关头，一方面以中国共产党为代表的革命者正在进行艰苦卓绝的斗争；另一方面反动统治者置国家民族利益不顾，过着醉生梦死的生活。这首歌正是这部分人生活的真实写照。 （3）当时通俗歌曲的特点：格调低下，情绪消沉，低级庸俗，在唱法上卖弄风情。
《作曲技法基础理论》考试大纲 《曲式》考试大纲 .一、考试目的 本考试旨在全面考察考生对音乐作品分析理论与应用的系统掌握。 二、考试基本要求 1. 牢固掌握音乐作品分析的基本理论与相关技术。 2. 深刻理解具有规范意义的曲式类型的特点。 3. 熟练通过音乐作品分析较全面地认识音乐作品的技术与风格特征。 三、考试内容 第一部分：总论 1、音乐基本表现手段与音乐发展基本手法的概念： 旋律线、节奏节拍、调式调性、和声、织体等各类基本表现手段。 材料保持的发展手法、材料变化的发展手法、多声部陈述的基本手法。 2、有关曲式结构领域的术语： 主题、结构单位、收拢性结构、开放性结构、基本部分、从属部分、
结构的补充与扩充。 3、曲式发展的基本原则： 呼应原则、起承转合原则、并列原则、再现原则、变奏原则、循环原则、奏鸣原则、曲式发展原则的多重结合。 4、音乐的陈述类型： 呈示性陈述类型、展开性陈述类型、导引性陈述类型、过渡性陈述类型、收束性陈述类型等。 5．音乐语言的陈述结构： 乐段的概念、特征及分类；乐段内部的乐句、乐节、乐汇的概念、特征；乐段结构的扩展、复合等。 第二部分：简单曲式的分析 1. 一段体的定义、特征与分析。 2. 二段体的定义、特征、类型与分析。 3 . 三段体的定义、特征、类型与分析。 第三部分：复杂曲式的分析 1. 复三部曲式的定义、特征、类型与分析。
2. 变奏曲式的定义、特征、类型与分析。 3. 回旋曲式的定义、特征、类型与分析。 4. 奏鸣曲式的定义、特征、变体以及不同历史时期的变化，奏鸣曲式的分析。 5.边缘曲式的定义、主要类型与分析。 第四部分：音乐作品分析的具体要求 1. 判断曲式结构类型，画出曲式结构图，标明小节起止数与调性、和声终止式等。 2. 阐述作品曲式结构上的主要特点几各次级结构的结构类型。 3. 阐述作品调性与和声布局的主要特点。 4. 阐述作品高低潮布局的主要特点。 5. 说明作品其它最有特点的艺术手法并论述作品音乐风格的基本特点。
通俗唱法技巧——气息练习（一） 首先是气息练习，具体方法如下： 第一步：躯干站直，胸部放松地挺起，腿不能弯曲，面部肌肉一定要放松，不要有意识去吸入大口气，直接用小腹的动作来数“1”，（不是心中数，而是口中念出来）数完后小腹立即回复原状。再收小腹数“2”，再回复原状，如此反复地数到“10”，或“20”，让小腹灵活而有弹性，反复地收腹和还原，使下腹形成自动“换气”。因为在小腹还原时，气息已自动吸入，把吸气练成下意识动作的好处在于“气口”的灵活性，另一好处是无吸气声；数1、2、3、4、5的节奏可由慢而快。开始阶段下腹肌肉会很“酸”，这是正常的。当快速练气适应之后，可用连续数123或12345或12345678910，再逐步从1----10，或1----30；最多可数到50位数。下腹肌始终处于收缩状态。这是锻炼“保持”的基础。 第二步可用音阶来练气。先用三度下行3 2 1（咪来哆）；再是五度下行5 4 3 2 1 ；甚至八度下行7 6 5 4 3 2 1 .看下腹肌支持能力而定。下行适应了，可改练上下行三度音阶1 2 3 2 1 或五度上下行1 2 3 4 5 4 3 2 1 甚至九度上下行1 2 3 4 5 6 7i2i7 6 5 4 3 2 1 ，一切量力而行。关键是锻炼收紧小腹的支持余地。练下行音阶时，小腹只需收一下即可，练上下行就要求在上行时加强下腹肌向上“顶”的力量，下行时只需保持可；练八度上行当然需要更大的下腹向上“顶”的力量，总的感觉就好像把自己的重心不断向上提，切记这个练习不是为收腹而收腹，而是为了让胸廓张开，辅助动作是收紧臀部，这种基本功和练舞蹈的基本功完全一致。练音阶时用什么元音为好？最好用Hm，因为Hm要求收缩声带，可为下一步的发声训练做好准备，这是第一步。当“换气”的习惯建立之后，必需把训练重点放到张开两肋上去了，也就是在收腹发音的同时，有意识地“撑”开两肋，就如同手风琴的风箱那样拉开，这是呼吸训练中最难练的一个环节，两肋的骨框架比腹肌更有支撑力，光靠小腹支撑的能力时有限的。完成气息控制的最后一步是鼓上腹，在做这个动作时，必需带动腰围四周的扩张，此时的横膈膜才真正起到了“水闸”的作用。 以上三个阶段的气息训练，可以理解为一个整体的三个阶段。也可以分为三种独立的呼吸方法，因为通俗唱法有层次性，对于像一些音域宽、力度对比度特别大的歌曲，要求强有力的气息控制。但对音域窄，不要求强烈气势的歌曲，就是用呼吸的第一阶段也足够应用了。由于保持气息这句声乐术语，经常造成错觉和误解为----“迸气”、造成气息僵化，反而破坏了歌唱的流畅。所以使用“气势”----（象征一种动态中气息）这个名词或许更恰当。 至于为什么不讲吸气？理由很简单，因为歌唱是在“呼气”状态下进行的，吸气是人的本能，不吸气人就会死亡。所以把太多的精力去研究核心吸气的话，结果往往弊多利少，许多错误的呼吸方法都来自于对“吸气”的强调，永远不必担心体内无气。任何歌唱艺术都有一个共同点----气不在“吸得多”而在“吸得深”。用小腹作为“力点”，两肋为“支点”不是已很“深”了么！小腹也就是丹田。气势的“保持”建立在一种意念上，决不是保持在某个不变的躯干姿势上。这个意念可以理解为不断地在“加气”或“提气”均可，不论上下腹肌在歌唱中如何不停地运动着，摸上去均是有弹性的，不是僵硬的。 虽然说歌唱是呼吸的艺术，这只是说明屯气息在歌唱中的重要性，决不能理解为正确的呼吸方法就是正确的歌唱方法，不论何种唱法模式，发声方法的正确与否远比呼吸方法与否更重要，上述的有关气势的入门训练只能说是歌唱的一种“准备”而已。只有当发声方法的调节被歌唱者充分掌握之时，气势的功能才能被充分体现出来，初始阶段的气息训练是歌唱的准备。 上述的呼吸不是一种气功训练，歌唱中所要求的“气感”，和气功的“气感”性质完全不同。“气感”不仅是歌唱者的自我意识，也是听众能感觉到的具体效果，声乐术语----“声音靠在气上”是指一种具体的“效果”，在唱者的自我意识上觉得胸腔中有“回声”的感觉。
告诫朋友们: 1 声乐是需要系统全面学习的,请做好长期学习的打算,打算今天看了几行字明天就成 高手的人趁早放弃. 2 单看文字教程会产生误区,最好能看视频教程,听老师的示范和讲解,避免练歪! （后面附有练习，耐心看哦） No.1 要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到声情并茂！ 要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到"声情并茂"！！！ 声：指的是发声的技能（也就用那些动作去唱歌） 情：演唱时所要表达的一种情绪或一种气氛（一般被视为是不是投入，是不是有歌者的气质） 就算一个发声技能高超的人，他的声音还是会有瑕疵的，因为在声乐表现中，人声始终是精益求精的，如果缺少了感情的支撑，那他充其量是一部发声机器，而且是有瑕疵的。 反之，如果凭一时之勇，一时之情去发泄的话，那就往往脱离不开K歌，叫喊等行为了。 误区：声、情两者不能良好的结合起来，盲目训练导致成为一个麻木的发声工具，而过分的热情似火又太容易染上市井演唱之气，今后就难改了！ No.2 分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律 我们下面就分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律！ 当然，在字面表达以及动作训练的过程中，是以声为主，情为辅，但希望大家在运用表演的过程中反之，衡之。 提高声乐技能主要分为四大门功课：气息，发声，传声，咬字。 情：在一开始的时候，主要是要能听得出好声音的“质”，“气”，“词”，“乐”。（在演艺，欣赏歌曲的过程中要学会从感性变为理性再回到感性） 很多人盲目的练习唱歌，但他并不知道在唱歌的过程中，声的四大部门都在工作，这才叫唱歌，练习是有效的。但同时，歌曲演唱的好坏是在欣赏一个整体，一个情绪，不是在检验这四门功课的高低！ 例1：练声练得好的人不代表唱歌唱得好。 列2：喜欢刘德华而不喜欢张学友的人，他们绝不是在比谁的演唱技能高，而是在比谁唱得好听！ No.3 什么是气息? 既然谈到四门功课，我们就来一一阐述一下： 首先，什么是气息？ 唱歌必须用气，通俗音乐中的气，是由一呼一吸这两个动作交替构成的。（决不要有第三个动作产生，例如停顿、重吸、重呼、偷气、漏气等） 就一呼一吸而言，唱歌是呼的艺术，切勿本末倒置。（现在市面上，大多的练气方法，太强调吸气，这样会大大削弱歌者的表现能力，交流能力） 练习要领，要用气，就要一呼一吸，交替工作，稳定气口，连贯动作。 练习方法： 1，弱延音练习
美妙的歌声——美声、民族、通俗唱法歌曲赏析 教学目的： 初步了解美声唱法、民族唱法、通俗唱法三种歌唱方法的演唱特点。培养学生感受美，体验美的能力，提高学生音乐鉴赏能力。 教学难点： 知道歌曲有三种歌唱方法并加以分辨。 10.5分 教学过程 1、美声唱法： A:导入：歌曲《我的太阳》 下面请大家欣赏一首由世界著名男高音帕瓦罗蒂演唱的一首意大利民歌《我的太阳》，歌词大意： 啊-多么辉煌-灿烂的阳光， 暴风雨过去后-天空多晴朗； 清新的空气令人精神爽朗， 啊-多么辉煌灿烂-的阳光--- B美声唱法一词出自Belcando，这是18世纪流行于意大利的一种歌唱方法，其目的在于造就美妙的歌声。 C欣赏歌曲《黄河颂》片段 接下来请欣赏有“全球华人第一男中音”之称的廖昌永演唱的歌曲《黄河颂》。这首作品，诗人采用象征的手法表面上歌颂黄河，实
际上是歌颂我们的民族，激励中华儿女像黄河一样“伟大坚强”。以英雄的气概和坚强的决心保卫黄河，保卫中国。 D结合实例讲解美声唱法的演唱特点：声音悦耳、圆润靠后，具有声音本质美的声音。要求声区统一，声音连贯不断，音准完美，讲究声音的位置、共鸣、气息。 2、民族唱法 A歌曲《月亮花儿开》导入（教师亲自演唱） 提问：演唱的表情、音色？ B民族唱法：“民族民间唱法”中西结合的统称，也成为中国唱法。 C欣赏歌曲《茉莉花》《礼》片段 《茉莉花》是一首我国著名的民歌，该曲历史久远，最早源于清朝乾隆年间，初名为《鲜花调》，一直为民间小调。《茉莉花》在中国民歌中有很高的地位，更在海内外华人和西方音乐界中广为流传。 D了解民族唱法的特点：注重声音的民族性、音色真实、明亮靠前、语言十分讲究，注重声情并茂，韵味浓郁。 3、通俗唱法 A导入：同学们平时喜欢唱些什么歌曲 鼓励学生积极上台演唱 B通俗唱法： 即流行歌曲的唱法，也叫自然唱法，是以“自娱”为其表现的主要目的。
周杰伦作曲技法（分析） 13-6-6 23:40 M atrixSouls 186 听杰伦的音乐很多年了，这不算是什么教程，因为并不是怎么系统化的，只是一些分享，觉得有用的顶起，有人顶起我就往下写！ 其实周杰伦在很多人眼里都说是感觉好！其实感觉这东西，我个人认为主要是品味！因为你自己写的歌总会觉得好听！因为在你心里写出来的是你自己的感觉，但并不是人人都会喜欢！如果你写出来的东西连自己都不喜欢，那不用说了！你没认真！ 但是方法却是最重要的！我敢说周杰伦的慢歌，甚至有些快歌，都不是即兴的，而是用乐器一点一点的演奏出来的！ 开始了！ 1 .动机 东风破开头2 1 2 3 兰亭序开头5 3 5 6 大家分析一下这两个动机一来一回 （复杂化的） 珊瑚海111 （17 67 65） 烟花易冷335 （6561 7656）3 被复杂化的依然带着一个一来一回的动作！ 其实是旋律的走法 应该一来一回当你的旋律向上走了就有着像下走的倾向！ 2 .乐思 可以由多个动机组成然而周杰伦的乐思用的十分奇妙！ 他把乐思和节奏融合了！ 相当与写作文里面的词组！ 你听听周杰伦的歌曲里面几乎每一首歌都可以把一句拆开有着几个词组！ 夜的第七章主歌最为明显你可以听到他的rap 是一波带一波的！（自己领悟） 更典型的白色风车几乎是每2个字都是一个词组！
3 .旋律线（旋律方向） 不能说的秘密 冷咖啡离开了杯垫（旋律向上）我忍住的情绪在很后面（旋律向下） 拼命想挽回的从前（旋律向上）在我脸上依旧清晰可见（旋律向下） 兰亭序 兰亭临帖（旋律向上）行书如行云流水（旋律向下） 月下门推（旋律向上）心细如你脚步碎（旋律向下） 珊瑚海 海平面远方开始阴霾（旋律向下）悲伤要怎么平静纯白（旋律向上） 周杰伦作曲技法（分析）2 13-6-7 15:43 M atrixSouls 186 顶的人数还算可观，那我就继续往下写！希望继续顶起！ 回归正题 1.动机（第2种） 固定2个主干音然后从其中一个进行到另一个过程中可以有各种装饰 彩虹3 3 3 4 5 5 1 （从mi 走到do） 蒲公英的约定 3 4 5 5 5 5 6 7 1 （从mi 走到do ） 白色风车3 4 5 1 7 1 （从mi 走到do ） 2.旋律线（高中低） 还记得第1篇吗？说过旋律的走向是有一种倾向的，当你往上走了就有往下走的倾向，但你完成了这种倾向就会给旋律有一种稳定性. 这里所说的高中低例如从低音开始走向高音结尾回到中音那么就完成了这种倾向，而且有一种很强烈的结束感， 最长的电影 1 2 4 3 3 （do低音 fa高音mi中音）3 4 5 4 3 1 （扩展mi 中音sol 高音do 低音） 我们的开始是很长的电影
音域的宽窄和声音的质色很多人都认都是天生的，很难改变，其实不然， 正确地掌握咽音技法，并将之用于歌唱，可以使毫无质色和音域不宽的的嗓音，发生奇迹般的变化。所以用不着去羡慕别人的嗓音，我们也可以做到，只要我们努力练这个绝世武“功“。 “咽音”在我国戏曲声乐中称为“膛音”，具有金属色彩，由真声机能、咽音机智能、真假声机能结合为一个整体的歌唱嗓音机能。——听过京剧或其它的民族戏曲吗？他们唱腔中很多都不自觉地运用到了“咽音”机能，所以可以唱出令人羡慕的超高音。 无独有偶，“咽音”在国外也有很长的历史了，并且早以发展出一套专业的科学理论成为了一门专门的学科，并发展成为意大利美声学派的一支。并在上世纪的三十年代传入我国。现在“咽音训练”在我国已形成一整套有理论、有方法、有规格、有步骤、看得见、摸得着的练声方法。 它有两大主要功能： 1、可以迅速扩展音域，提高声音规格，加强歌唱用声能力。 2、可以治愈各种嗓音疾病。 咽音的发音方法： 稳定喉器并抬高喉器上方的舌骨后部，抬高会厌及使会厌后倾与喉口咽壁形成倒漏斗开的发音管。——没有图示可能很难理解，现在我就举个简单的例子吧：当我们念“丽、绿、鸟、亮”这几个字的时候，我们就不自觉地形成了“会厌后倾与喉口咽壁形成倒漏斗开的发音管”的发声动作，仔细体会一下，找找感觉。。 当然练“咽音”不可能是一拓而就的，我们必需从基本练习开始，——大家得有心理准备，这里的基本练习也跟练吉它的基本功一样的枯燥无味，而且得长时间练才有效果。 第一节“张大口”练习 练习要求，把嘴张大，伸出舌头，要求下巴放松。检查下巴是否放松可以看看下巴有无下压、前突、僵硬紧张，再检查下巴下面的肌肉（二腹肌前腹肌前腹和颏舌骨肌的紧张，同时感觉不到外顶力量） “张大口练习”可以分成几个阶段循序渐进，不可急于求成。 1、先练好在不张嘴的情况下，有意识地，主动地，进行放松二腹肌前腹和颏舌骨肌，，这一动作每天坚持练习500次以上，2到3天就可达到下巴完全放松。 2、在此基础上首先固定住下嘴（不是绝对的固定，“固定”是我们去感觉的）然后用抬头看天的动作去张开嘴。张嘴时不能牵动下压或前伸下巴，不能使下嘴提高向前哏着上嘴的动作一同上扬。——检验动作是否合格：双手拇指放在下巴下面，检查有无外顶力量，食指可放在下巴前面，以帮助下巴固定。
浅谈关于作曲的一些小技巧之一 作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。 流行歌曲创作： 1：先有词后有曲。 2：先有曲后有词。 这里我只谈第二种情况，即先曲后词。 一：倒影。 就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321 在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。 二：模进。 模进分严格模进和自由模进。 严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212 自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同） 三：重复。 重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进） 四：对格。 艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465 大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。 五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这
最好的作曲软件介绍 NO1钢琴作曲软件 verture 4.0 除了保持3.x版本系列的基础功能外，还在音效制作等方面有了突飞猛进的发展，给我们带来了不少惊喜。不仅能编辑创作歌曲，而且还能同步试听，编写歌词，打印曲谱等，想创作什么就创作什么，也是一款专业作曲软件。 1、V ST插件功能 在Overture的菜单中选择打开VST乐器架，你可以加载任何VST乐器，用它制作出专业和逼真的效果并输出成音频格式文件。流行钢琴网有详细的VST插件介绍。 回放 1、在Overture 4中，演奏记号、标记记号、装饰音、渐强（弱）等记号可以直接回放出效果，并且可以通过参数设置修改每种音效的不同效果。这对于追求音效完美的高手们来说无疑是个福音。 输入音符后，点击工具栏上的演奏记号图标选中一个演奏记号，用鼠标圈中要处理的音符，则音符会自动添加一个演奏记号，然后双击该演奏记号，会弹出对话框，可以通过该对话框设置演奏记号的音效、时值、力度等等，下图为添加琶音记号的对话框 3、中文版汉化介绍 Overture 4.0中文版除了以上特性外，在汉化部分，与以前版本也有较大改进，包括： ·汉化更加彻底，我们对所有英文进行了汉化，两种情况除外：保留英文原意更加准确或汉化以后可能导致界面及功能出现问题 ·修正了以前版本中的若干翻译不准确和BUG ·修正了英文原版中大量存在的字符超过显示长度导致无法阅读的情况 ·提供了符合出版要求的琴谱模板，可以打印出更加精美的琴谱 4、版本兼容性 ·Overture 4.0 制作的琴谱将无法在Overture 3.x系列上打开，这是GenieSoft公司惯有的做法，所以建议大家都升级到4.0以上版本。 ·Overture 4.0 在打开一些旧版本的琴谱文件时可能出现异常退出，虽然GenieSoft公司宣称补丁版本已经解决这一问题，但经过我们测试，仍然存在个别琴谱无法打开的情况，解决办法是使用Overture 3.x版本重新保存一下该琴谱后就可以用4.0的版本打开。
通俗歌曲的艺术特色 教学目标： 1、在教学中让学生了解通俗歌曲的发展和所具有的艺术特色以及通俗歌曲的风格分类。 2、通过赏析和演唱通俗歌曲，让学生了解通俗歌曲的一些唱法和技巧，从而提高学生的演唱技能。 3、激发学生对音乐的兴趣和学习欲望。 教学重点、难点： 体验通俗歌曲的个性化特色 教学准备： 电子琴（或钢琴）、多媒体、音响、歌曲素材、伴奏音乐 教学过程： 一、导入： 各位同学，首先我想弹唱一首歌曲作为礼物送给同学们好吗？但是我要求同学们听完之后回答我几个问题。 A、第一个问题：有谁知道这首歌曲叫什么，谁唱的？ B、第二个问题：这首歌是属于什么唱法的歌曲？ C、你还知道有哪些唱法呢？（幻灯片）同学们比较喜欢哪种唱法？ 小结导入：既然同学们这么喜欢通俗歌曲，我们这节课就一起来了解通俗歌曲的有关知识。 二、探究：通俗歌曲的发展及其艺术特色 1、通俗音乐的源流和发展 A、讲述：当我们审视整个音乐艺术天地,可以发现,它大致呈现为两大部分:一是民间音乐,一是艺术音乐,随着音乐的发展，在这中间,产生了另一个分支,那便是通俗音乐(或者叫流行音乐)。同学们认为通俗音乐是在哪些地方开始流行的呢？（城镇） （展示幻灯片） B：探究：中国通俗音乐的发展情况是怎样的？哪些歌手对中国流行音乐的发展作出了很大的贡献？ 学生阅读教材229，回答问题。 小结：通俗音乐的发展历史相对来说比较短，而在我国的发展历史就更短了。中国的通俗音乐最早出现在二十世纪二、三十年代的一些繁华的城市。1949-1978三十年，内地是没有通俗歌曲的。1979年改革开放以来，通俗音乐走进了中国，并且迅速发展。 （展示幻灯片） 在内地没有通俗音乐的30年，港台的通俗音乐继续发展。 早期的通俗歌手：李谷一、邓丽君、刘欢等（欣赏《乡恋》《甜蜜蜜》） 通俗歌曲为什么会迅速发展？（因为青年朋友喜欢）为什么喜欢？（因为它有着独特的魅力） 2、通俗歌曲的艺术特色： 探究：通俗音乐的魅力是什么？是什么原因让通俗音乐这么受年轻朋友的欢迎？ 学生讨论、实践与体验（演唱、听赏通俗歌曲） 听音乐《别哭小孩》联系5·12地震感受 归纳小结： A、题材贴近生活，平易近人（歌唱爱情、朋友、亲情等）。 B、歌曲短小精练，易唱易记。 C、质朴自然的声音，每个人都可以放声歌唱。 D、真挚的情感。 同学们觉得通俗歌曲的表现形式上还有哪些特点呢？（播放影象、学生讨论回答） E、丰富多彩的形式（歌舞一体，自弹自唱）。如各种组合、说唱等。 下面我想请请几位同学唱一唱自己喜欢的通俗歌曲。（学生演唱） 这几位同学唱的都很精彩，各有特点，我们再听听下面几首通俗歌曲的片段，它们的风格相同吗？这说
作曲技法简史及作曲技法学习 说到作曲理论，很多人都把它看成很恐怖，很复杂，很学术很专业的东西。说到写作品，可能很多人更是望而却步，就算写，很多人也顶多局限于是单旋律的小歌，或者其他什么东西。 其实作曲理论并没有那么复杂，只是很多情况下被人为复杂化了。今天这个文章就谈最基础的理论和技法，以及发展的情况，至于艺术创作，就是另外一个级别的问题了。也是无法进行讨论的问题。这个跟个人的品味（而非品位）和情趣有关。 从欧洲音乐史来说，很糟糕，因为只能从欧洲音乐史来说，因为中国从来就没有成型的自主的音乐创作理论，倒是有不少理念。目前常用的也仅仅是从欧洲形成的作曲理论。所以说到技法的发展得从欧洲音乐史说起，欧洲音乐跟很多文化的音乐都一样，最早都是单声部音乐，被誉为欧洲音乐基石的格利高里升咏其实就是单声部音乐。后来慢慢的开始使用二声部写作的方式，开始用的很简单，都是平行八度，或者是平行五度，因为当时是允许不协和音程的，慢慢的演变成了多声部音乐，而且，在中世纪和文艺复兴时期，形成了中古调式，或者称为教会调式，由于当时还没有小节线的存在，当时作品的节奏是比较自由的，但是这个自由不是那种绝对的自由，而是在重拍位置上，会有各种各样的变化，不像后来的音乐，多数作品都是有规律的重音位置。那个时期也是对位法鼎盛发展的时期，那个时代的人考虑的更多是线条的东西，而和声并不是当时的课题，所以说，那个时代的音乐如果现在听起来会有种比较怪异的感觉，所以说，在巴洛克时期以后基本上就没有作曲家使用教会调式来创作音乐，但是也有特例，比如说贝多芬的晚期四重奏Op127（？这个具体记不清了）的第二乐章就是用教会调式写出来的。好像浪漫派也有具体的例子，但是很少很少。那个时期的作品，很多东西会让今天的人不可思议，看当时的乐谱，很多谱子都是分开写的，合唱作品只有分谱，而没有总谱，这在后来都是反过来的，很多东西只有总谱没有分谱。多声部的声乐作品在那时是鼎盛一时，而器乐最多也就是给人打打边鼓帮帮忙而已。而且那个时代很多乐器也发展得并不成熟，慢慢的到了十五世纪，从1600年，音乐史的纪元进入了巴洛克时期。也是从这个时期的音乐开始，技法对今天的影响越来越大。巴洛克时期第一件大事就是出现了歌剧，尽管人们已经根本不知道最早的歌剧是什么样子了，但是，歌剧确实在巴洛克时期发展了起来。不管是格鲁克，蒙泰威尔第，斯卡拉蒂，还是亨德尔都写了大量的歌剧，可是音乐史上最顶峰的大师，巴赫却一部歌剧都没写过，不过倒是写了不少清唱剧，也算是弥补了一下子。巴洛克时期是音乐史上最重要的一个时期，因为，是个音乐技法，以及音乐创作材料的发展时期。因为在15世纪开始，大小调的形式出现，慢慢的取代了中古调式（教会调式）的地位，人们也慢慢的习惯了大小调的那种导音的倾向性，那么就形成了今天的和声的雏形。这也是音乐历史的巨大进步，当然，大小调也不是一天就完成转化的，也是花了不少时间的。巴洛克时代的另一大贡献就是就是在律制上面的，十二平均律的发现，对于世界音乐历史都是有着里程碑一般的意义，虽说，这个很多书上都是这么说的，恐怕真正明白这个道理的人，并不多，可以说没有这个基础，就没有今天的音乐。稍微说点律制的问题，在平均律以前，用的大多数都是五度相生律（在欧洲就是毕达哥拉斯原理而确定的音律），还有的就是纯律，当然，这两种音律到现在也还是有应用的地方，很多地方这两种音律相对与平均律来说，有很高的音乐优势。但是五度律和纯律都有自己的缺点，那就是如果以一个音为基准把上方所有的五度都调纯了，再把所有的八度调纯了，按照基本理论来说，到了第12个五度的时候就跟这个音后八个八度的两个音是重合的，也就是音名不同，而实际上是两个同样的音符，可是实际操作起来这个音却有两种音高，从过5度调出来的要通过八度调出来的高那么一点点，
文章来源：柠檬网发布者：admin 发布时间：2008/10/12 21:06:34 阅读：844次 怎样作词作曲 创作旋律的方法很多，虽然没人敢说：「一定得怎麽做，才会创作出好听的旋律」；不过，本课程提供几个在旋律创作上宜注意的要点给读者们参考。对您来说，认为有帮助的，不妨尝试使用；这样，也许您的曲子在结构上会显得更健全。 怎样才叫好听的旋律？------ 0700_22_0021 既然旋律创作应求好听；那麽，到底怎样才叫「好听」？------ 别以为我们认为好听，别人也一定会认为好听。不相信的话，可选一首自认为相当好听，甚至会Hit 的新曲（未发表过的）给各阶层的人士听看看。但，不要表明这是您的作品；这样，保证会有不一样的回响！也许，您会非常得意；也许，您会气个半死。 有批评才会进步 因为，完全不懂音乐的人可能会说：「！一定会流行！」；对音乐似懂非懂的人则可能会说：「还不错！不过… 会更好！」。其实，这些回响您大概都还能够接受；不过，接下来可就不那麽乐观了。因为，音乐科班出身的人可能会说：「不怎麽样嘛！」；音乐理论家可能会说：「这里不对，那里不对；这里应该要怎麽样，那里应该要怎麽样。」；作曲家则可能会说：「这哪叫作曲?/a>剑?」；更夸张的可能会说：「这在搞什麽？听不懂！」------ 您说：「该以谁说的为标准呢？」笔者认为：「都可当做标准！也都不足以当做标准！」。为什么呢？ 比方说，放一首重金属（Heavy metal ）风的摇滚乐给老一辈的人听；是不是绝大部分都会认为「有够吵！」？------ 难到重金属音乐就一定不值得听吗？既然如此，为什麽在欧美日各国会那麽受欢迎呢？反观古典乐，难道玩摇滚乐的年轻小伙子一定能静下心来欣赏它吗？不能静心聆赏，难道就是不喜欢吗？难道就是古典乐不好吗？所以，评判这种问题时，宜客观点。不妨都说成：「不错；但是有几个小小的浅见，… 」，这样听来或许舒服许多。 总之，在您的层面，这首歌是好听；但在别的层面中，这首歌倒不一定是好听。这个观点是想从事音乐创作的人所务必认同的。除非您是莫札特、萧邦、贝多芬、… 等超级音乐大师；否则，多多少少一定会有批评您作品的声音。也许，是善意的批评，也许是恶意的批评或忌妒的批评；不管怎样，您得多忍耐喔！------ 不要期待每个人都是您的拥护者；应期待自己能作出真正的好作品。 好听的曲子不会寂寞：------ 0700_22_0031 这与煮菜一样，您认为咸一点好吃，别人倒不一定这样认为。您认为西餐好吃，别人却认为中餐好吃。同理，我们认为好听的曲子，别人不一定会有同感。不过，若很多人认同您的作品；那么，就看它耐不耐听了！想想，真正好听的作品，不管古典、流行、爵士、民谣、…、童谣，是不是都流传蛮久的呢？所以，怎麽样才算好听；不妨说：「流行不见得好听；耐听的才叫好听」。 真正好听的作品，不会寂寞 听听以下几首歌（收录至← 轻潭唱片重装师合唱团专辑），它们都是既好听又耐听的好作品；期待您也能作出既好听又耐听的好作品。 创作旋律真的很难吗？------ 0700_22_0041 创作旋律对某些人来说是很容易；但是，对某些人来说，可能是件连想都不敢想的事。创作旋律容易到什麽程度？请教莫札特或贝多芬最清楚。因为他们是天才！这好比我们问心算神童：「您是怎么算出来的？怎么能够比电脑快？」一样；即使神童把其所认为的技巧或秘诀告诉我们，我们还是团团转呀！真的，若您能知道其奥妙之处，那也该被归类为天才之辈罗！可惜的是，只有天才才知道如何做出天才才能做到的事。所以，当我们的聪明才智不及莫札特或贝多芬等音乐大师时，「旋律创作很简单」这句话尽量不讲为宜。总之，除非是这方面的天才，或对这方面特别有天分；否则，要想作出称得上完美无瑕的旋律，绝对不是想像中那么容易。不然，天底下都是音乐家了。
通俗歌曲的演唱技巧
精品文档 通俗歌曲演唱及技巧的把握 在介绍了声乐演唱艺术的共通发声规律之后，我们再谈谈通俗唱法的发声特点。对此，应有如下几方面的考虑。其一，持通俗唱法者，应了解和熟悉科学发声方法的共通规律，努力改变自发式的用嗓习惯，将自己习惯的用嗓方式纳入科学发声的轨道。其二，从共通的科学发声规律中，努力寻找到通俗唱法声音个性的依据。也就是说，每演唱一首歌曲时，从发音、共鸣部位到气息的流动等诸方面，为通俗歌曲的演唱寻找到合理性。改变纯模仿或盲目用嗓的习惯，从感性的用嗓方式转变为理性的用嗓方式。其三，通俗唱法，无论其科学与否，作为一种用嗓流派早已形成，并为最广大的业余声乐爱好者所接受。由于它的普及性、通俗性以及独特的演唱个性，亦在各类大赛及专业声乐领域里占有一席地位。因而，不可否认，这种演唱方法必有它的独到之处，我们声乐界应予以关注。 下面仅谈几点个人对通俗唱法发声特点的看法。 1.呼吸是根本 “气为声之本”，“呼吸是歌唱的动力”。作为声乐演唱艺术之一的通俗唱法，同样离不开气息的支持。呼吸在通俗唱法中的运用，当它与歌曲情感、歌曲风格相结合时，更有其独特性。[呼吸的表演性] 不同的歌曲内容，蕴含着不同的情感。通俗唱法十分注重歌曲情感的强化与外化，而呼吸运用乃是关键。比如在表达十分悲痛伤感、深沉内涵的情感时，呼吸用得很强，声带有意不全闭合，造成一种似漏气的沙哑声，并将这种带沙哑而深沉的声音色彩，夸张、外化、让观众（听众）真切地感受到这种情感。歌曲《烛光里的妈妈》中这一句：440610123222 其中“嘴”、“咽”二字，就可以用带点沙哑的声音去唱，以表现主人公已控制不住自己的情感，以此来加强声音的感染力。又如抒情性较强，表达一种对美好情感的追寻与回忆时，呼吸要用得柔和均匀，与声带形成最佳配合，这种声音色彩柔美圆润，对呼吸的控制与运用，体现了声乐上的技巧。如《弯弯的月亮》、《涛声依旧》及《透过开满鲜花的月亮》等曲目的演唱，皆可用此法。另外，在表达激烈粗犷的情感时，呼吸深度与力度必须加强，在腰围横膈膜处形成强有力拉紧状态，声音才会有爆发力，发出几乎类似呼喊的声音色彩。如电影《红高粱》中两段插曲：《妹妹你大胆往前走》、《好酒歌》等，这两首歌中旋律已退居次要的了，而情感的体现已近乎自然状态，也就是前面谈到的第二种体力劳动时心情紧张、情绪兴奋之极的呼吸状态。至于欢快轻松的情感，则要求气息的流动要轻便流畅，不可过于深沉，亦不需要更强的力度，如《轻轻地告诉你》、《茶山情歌》等。[关于“气声唱法”] 通俗唱法中呼吸运用的另一特点是“气声唱法”的运用，这不仅丰富了通俗唱法的表现力，也为声乐艺术增加了新的表现手段。“气声唱法”是一种气与声不按发声规律而组合的样式。正常的发声规律，要求气息振动声带时，两片声带要闭合而发声，这种声音比较结实响亮，而“气声唱法”则是有意不让声带完全闭合，让气流通过未完全振动的声带时发出。在这种声音中，因带有明显的气流声，而使声音色彩略显暗淡、虚婉，甚至带有一些哑声。这种声音更 收集于网络，如有侵权请联系管理员删除
作曲与作曲技术理论专业(计算机作曲与音乐制作）培养方案 系主任：胡建华系学术委员会主任：胡建华一、业务培养目标 作曲与作曲技术理论专业培养具备作曲方面的知识和能力，能够使用计算机完成音乐创作与制作，能在基层文艺单位、文化馆站、少年宫馆、中小学以及出版、广播、影视网络等有关部门从事音乐创作、音乐制作、教学、辅导、培训等工作的应用型、复合型、创新型人才，为进一步深造打下基础。 二、基本业务规格 本专业学生主要学习与音乐创作相关的基本理论和基本知识，接受作曲与作曲技术理论专业计算机作曲和音乐制作的基本训练，掌握其相应专业方向所涵盖的音乐作品创作与制作、音像录制、音乐教学、音乐文化普及和宣传等方面的基本知识。 毕业生应获得并具有以下几方面的知识和能力： 1.掌握计算机作曲技术，能够进行音乐创作和音乐制品的制作。 2.掌握作曲基本理论和基础知识，具有分析、批判的能力和讲授能力。 3.能够对国内外最新的作曲技法进行分析和研究，能够不断更新、升级计算机软件，进行音乐产品的制作。 4.具有获取市场信息的能力，使音乐作品和制品适应社会需求，也具有超前的创新潜力。 5.熟悉党和国家在文艺领域的方针、政策和法规。 6.具有初步的科学研究和实际工作能力，具备创新创业意识。 授予学位：艺术学学士 学制：五年 主干学科：音乐与舞蹈、戏剧与影视 核心课程：作曲写作与计算机制作及和声、曲式、复调、配器等技术理论，中国音乐史、西方音乐史、民族民间音乐、视唱练耳、钢琴等支撑性课程。
学时分配： 类别 理论课程 实践必修课选修课 人文学科 专业专业公共合计 集中实总计 社科类基础践课程 学分学时608 1248 480 224 128 2688 32周 不计学分学时96 96 学时总计704 1248 480 224 128 2784 学分38 78 30 14 8 168 32 200 学分学时比例 （%） 23 46 18 8 5 100 三、作曲与作曲技术理论专业(计算机作曲与音乐制作）教学计划 见《作曲与作曲技术理论专业(计算机作曲与音乐制作）教学计划》。 四、选修课程选课要求 1. 全院公共选修课程：应至少选修8学分。“大创”2个学分可冲抵公共选修课学分，并 纳入毕业资格审核。 2. 系内专业选修课程：在指定各学期的专业选修课程中，总计选修14学分。 五、说明 1. 计算机作曲与音乐制作专业简介 该专业具备学科交叉性质，是将传统的作曲技术理论与计算机和网络技术紧密结合，将创作灵感、作曲技术在计算机上能瞬间呈现出实际音响，同时，可利用计算机对音乐作品进行编创、改编、修正、重组，也可利用音源进行新的音色和各种节奏的组合，极大地丰富和开拓了音乐创作的技术手段和艺术视野，同时，利用音乐制录技术和设备完成音乐产品的制作，可以满足社会各个层面对音乐制品的需求，该专业具有社会需求的广阔市场，并随着电子科技的发展，还会开拓出更为新颖的电声音乐领域。 2. 关于素质培养 本专业面向全国招生。为基层培养应用型音乐专门人才是办学方向，使学生成为“一专多能”的音乐创作人才是人才培养的标准。培养的学生不仅能从事音乐创作与制作，而且也具备进行音乐教学、辅导、指导和从事基层音乐活动的组织、策划和宣传等工作的能力，同时也具有一定的学术意识和较为宽阔的音乐文化视野和品位，为进一步提高基层音乐文化生
引言刘天华的二胡曲《光明行》创作于1931年，是将西方的作曲技法与民族音乐风格相结合的音乐作品典范，开创了民族器乐演奏雄壮音乐的先河。本文拟通过对创作背景与演奏技法等方面的分析研究，并结合自己的演奏实践提出该乐曲在演奏技法、音乐表现等方面的要领和见解，为一般的二胡演奏者和爱好者提供借鉴和参考。 一、创作背景 早在1928年的时候，刘天华就谈了自己注重发展二胡的原因，对社会上轻视二胡的旧观念给以批评和反驳。他说“……自来很少有人将它作为一件正式的乐器讨论，这真是胡琴的不幸。然而环顾国内：皮簧、梆子、高腔、汉调以及各地小曲、丝竹合奏等等，哪一种离得了它。它在国乐史上可与琴、琵琶、三弦、笛的位置相等。要是它自身没有点价值，哪能得到如此地位？有人以为胡琴上的音乐，大都粗鄙，不足登大雅之堂。 此诚不明音乐之论。要知音乐的粗鄙与文雅，全在演奏者的思想与技术及乐曲的组织，故同一乐器上，七情俱能表现，胡琴又何能例外？”①刘天华不仅为二胡大鸣不平，而且还提出了音乐艺术的价值高低并不在乐器，而是在音乐作品和演奏。《光明行》是他在事业上遭受挫折的时候而创作的，他下了很大的功夫，结合运用民族音乐创作技法规律和西洋音乐作曲技法，并借鉴了小提琴在乐曲演奏中的一些技法，为二胡创作了表现雄壮的进行曲，表达了中华民族向往光明的决心，振奋了人民的思想，同时也开拓了民族器乐演奏雄壮音乐的先河，丰富了二胡的表现力。 二、《光明行》的演奏分析 技法特点《光明行》在演奏技法上是借鉴小提琴的某些演奏法而创作的，综合自己对该作品的演奏实践，了解了该乐曲的一些技法特点，分述如下： 1、顿弓顿弓是二胡的常用弓法之一，《光明行》4个小节的引子、第一段的前面4小节以及A1的第9小节至第一段结束等，都是应用了顿弓，它是演奏顿音的弓法，可分为分顿弓和连顿弓。连顿弓是一弓演奏两个音以上，弓段的分配要合理，要使每个顿音都能有一定的弓段，同时，要避免前面的顿音弓子用得过多而导致后面的顿音弓子不够用。如谱例七分顿弓是一弓奏一个顿音，一般运用弓子的中部；如谱例八在二胡中顿弓还分为外弦顿弓和内弦顿弓，在演奏外弦顿弓时，右手要轻轻的左右转动，中指向外顶弓杆，使弓毛紧贴外弦，对弓杆施加力度，使弓子进行短促的拉推运动而发出有弹性的声音； 如谱例八在演奏内弦顿弓时，中指和无名指指向内弦有弹性的勾住弓毛，使弓毛紧贴内弦，对弓杆施加力度，使弓子进行短促的拉推运动而发出有弹性的声音。如谱例九在演奏顿弓的时候，手腕的位置要适中，不能偏外或往内，运弓的动作要自然，不能紧张僵硬，运弓时，弓子只能左右平直运动，不能把弓子往内或往下压，以避免音色发硬并发出杂音。 2、颤弓颤弓的另一种说法叫抖弓，也是二胡的常用弓法之一。是通过右手臂快速而均匀的颤动，使弓毛和琴弦快速的左右摩擦而发出如同弹拨乐器滚奏时的音色。在《光明行》的尾声中就用大段落的颤弓演奏，造成强烈的气氛，鼓舞人民的意志，在演奏方法上与快弓很相似，二者的区别主要在：快弓是有具体的音符个数，而颤弓没有具体的音符个数；快弓一般都运用中弓演奏，而颤弓是根据力度的变化来更换用弓的位置，音乐表现弱的时候用弓尖，音乐表现强的时候用中弓演奏，如谱例十。 3、换把换把是刘天华借鉴小提琴的演奏技法而创作的二胡演奏技法之一，在这之前，换把在二胡演奏中的应用是很少见的。在刘天华创作的二胡曲《光明行》中，大胆的运用了多次的换把，用一个手指顺着琴弦的方向滑到另一个把位,起着扩大音域的功效，给演奏带来方便，增强了音乐内容的表达。
民歌唱法练声方法 从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。下面整理了民歌唱法练声方法，供你阅读参考。 民歌唱法练声方法01一气沉 若想使高音唱得轻松而又明亮干净，气息支持当然是基础，关键是气息的位置，音越高，气息位置越低，以在腰部四周为最佳.很多人在唱高音的时候总有一个通病，气息浮至胸腔，所以气紧，不自觉的伸下巴，所以气不畅顺，唱罢喉咙不可避免的发炎.所以气沉，收下巴是唱高音的基本要求.而音质好坏则取决于自身的生理条件，对音乐的领悟以及正确方法的使用. 二舌平 口腔是气息流出人体的最后一个关卡，若舌卷或缩，自然会堵住气息的通道，不仅高音上不去，而且气息和舌的对抗会使你感到越唱越累.舌平以舌尖轻抵下牙齿为最佳.如果已经养成了这个坏习惯，介绍一种方法，在练声的时候含上一颗糖，舌自然不敢卷或动弹，而且能成一种比较自然的状态，一但习惯之后，不再用糖的帮助的时候，你会明显觉得收放自如.不过这个过程很苦，要坚持.
三腰部力量 学过声乐的人都知道，正确的歌唱方法并不是用嘴歌唱，而是气息，所谓气息，说得通俗点，就是腰部力量.有的人本身生理条件很好，高音亮而饱满，但很多人都有这样一个问题，为什么唱高音时总会觉得音站不稳，摇摇摆摆，老是不听指挥.就像一个物体能够稳当的摆放在一个地方，必然是因为它有一个支点.而我们的腰部力量就是歌唱的支点.当一个人打呵欠的时候，就是拥有歌唱最佳状态的时候，不仅喉咙完全放开，腰部也有一股力量在腰四周游走，有兴趣者可以多多体会.当然坚持练习仰卧起坐更是一个直接锻炼腰部力量的方法. 四共鸣 一次好的发声不仅需要口腔的本音，更需要颅腔和胸腔的共鸣.泛音产生于颅腔，使音色饱满，胸腔的共鸣则使音色浑厚.高音用得较多的是颅腔的共鸣，中低音则需要很好的胸腔共鸣.一般人都觉得唱歌最难的就是高音，其实不然. “你能够低到多少，你就能高到多少”，就像拉弹弓，你能够往后拉多少，你就有多少可以爆发的高音力量.当这三个腔体都能互相配合的时候，那就真是如鱼得水，天籁之声. 五情 也许有人会觉得奇怪，发音技巧中怎么会有情?对所有作品的演绎如果没有自己的理解和感情的投入，纵使有再高的技巧也是枉然.因为，歌唱，本来就发源于人对自身情感的表达和释放.从现在的国