油画材料技法的相关知识（自己总结）
1．蓝色产生于大自然，这是由于在人们的眼睛也黑色或深色之间存在着稀薄，无色的水蒸气。
2．梅姆林和扬帆艾克完善了用干性油直接混合亚麻籽油胡桃油在木板上进行绘画的方法。3．乔尔乔尼画出了第一幅在帆布撒谎能够的威尼斯油画，但西班牙委拉斯贵支仍被看做是第一位位看帆布上独立使用油画材料的人。
4．威尼斯画派主要关注点事丰富而生动，有一层层构建而成的整体色彩调子，对于素描的强调则体现在绘画的过程中。
特性：
1．干性油例如：亚麻籽油、核桃油、婴栗油是油画中颜料的结合剂，但最常用的结合剂是亚麻籽油。。婴栗油是颜色最浅的，泛黄程度低于亚麻籽油所以他用来制作白色颜料特别好，而且他比亚麻籽油和核桃油干得慢很多
2．三者的干燥速度：从快到慢，亚麻籽油、核桃油、婴栗油
3．间接画法：是局部色彩是各中半透明和不透明的暖色和暗部的透明罩染也冷白色或接近白色的薄涂层次系统的交替运用所建立起来的。这技法叫透明罩染，
4．无论暖色还是冷色，当他罩染在白色或接近白色的色彩上，会产生暖色调。白色或接近白色的颜料涂在深色调上回创造出相对冷的色调。这种技法，有透明罩染又有薄涂画法。
5．在用油作画时。“肥盖瘦”的原则须时常牢记，是这含有多油的颜料成运用到含油少而缺少柔性的底层上。如果反过来的话，经过一段时间后作品会开裂。瘦的颜料覆盖无法适应底层颜料由于温度和大气变化引起的膨胀和收缩。
6．在白垩分钟加入还带温度的胶液，使其形成厚奶油状。待混和物冷却后，加入三分之一的聚合亚麻油或稠。亚麻油，开始是需要一滴一滴地把油加进去，同时用玻璃棒不停的搅动，逐步增加油的量。
7．每一种色粉都有其各自的特性，需要不同量的油进行调和。有些颜料可加入蜂蜡、树脂或其他原料的添加剂来增加其表现力。
8．绝大部分的色粉都可以跟油调和，但也有例外：氧化铁褐色，红玄武士、锰黑、石墨和巴黎蓝。
9．低质量的油画颜料填充剂往往比色粉还要多。
10．.制作颜料：一份的冷榨亚麻油和调和三分干的色粉。有玻璃匙或调色到吧色粉取出，放在准备好的玻璃调色盘上。要注意，游戏色粉是很细腻和很难控制的，因此我们要采取措施避免色粉到处飞扬，我们可以加入适量的牛胆汁，有调色刀调至糊状。
1.慢慢的把油加进色粉中，有调色刀调成硬糊状，一般要研磨二十分钟。
2要注意的是尽量用少的油研磨（加入过多的油会引起画面发黄、开裂、起皱），假如在使用颜料是觉得太干了或呈粉状的话，课加入适量的油。同理油多可加色粉
3.已调好的颜料应放进有盖得玻璃瓶力保存。拧上盖子前，在色膏撒谎能够覆盖一
张塑料膜以防因为干燥在表面形成一层皮膜。
11.透明底子：其是在底子涂层上涂成的薄涂层，对于画的保存、亮度、寿命和各种颜色的效果都有着非同寻常的作用。由于明亮的白色底子涂层的光学反射性能，为了下一步的油画创作提供一个朦胧的空间
12．油画底的制作：把色料和溶剂油或胶溶剂混合就能制作透明底子。使用胶溶剂的方法，画面在几个小时就能干燥而且不会因为时间推移而发黄。
用玻璃棒研磨一分色料和十五分的溶剂油或胶溶剂充分研磨
油画底必须透明，这样可以是光线通过透明的颜色层透射到画布后利用底子的亮度将色彩反射出来，产生具有深度的、，表面透明光亮的色彩效果。
13底稿：铅笔不可以和覆盖的颜料融合。石墨铅笔中的金属成分会使他在完成的油画创作中留下明显的痕迹。所以一般用木炭或粉笔。
14．底色层：可以用底色白的颜料来绘制，把一份含油画地的白色油画颜料（铅白）和一份同等比例和坦培拉白颜料（1：1的蒸馏水和蛋黄混合）充分混合，形成高浓度奶状色浆。15：亮部肯定要比你预期的按，而暗部则比最后效果浅。
16：局部罩染；从传统意义上来讲，间接画法的核心是在较深的底子上做白色的底层塑造。色彩是通过透明的深色罩染和有白色或接近白色的半不透明色薄涂所产生的。商品颜料中包含了太多的油，我们可以在开始步骤中挤出一些颜料在纸巾上以滤去过多的油。
将不含溶剂油或含油的纯油画颜料有刷子或软布涂开做深色的透明罩染，被罩染部分的表面应该是干的。
例如;你画的是一幅风景画的画，可以使用深土绿这样的深透明底色。为了创造书一个明暗调调子并且建立起画面色彩结构。用白色进行的底层塑造时，，把透明底色作为最深的调子。在中间调部分铺开的白色是十分薄得，而最亮处则稍厚一些。
17.纯油性媒介剂：为了加速干燥，可以使用亲氧化锰颜料催化剂，那是一种用于亚麻油的干燥剂，但不好的地方是会后复杂的后果，例如画面开裂。
18.为了防止深颜色被另外深颜色吸收，深的透明色罩染应该始终在相对比较浅的区域进行。偶尔也可以用少量白色加入透明的深色中来代替。
19.在使用油画间接技法是如果作画时油添加得太快的画，那么清澈、透明的效果可能会由于皂化和分离消失。
20上光：一幅油画上光要让它充分的变干。光油会随时间变黄并且形成一层看上去不舒服的光亮表面。理想的办法就是吧画面上的光油每40年清除一次，然后重新涂刷。传统的上光油是由达玛树脂和松节油制成。同时油画还能用蜡来进行上光。
后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。传统混合技法即多层技法，指在单纯透明技法基础上用坦培拉材料进行底层塑造和透明油色罩染结合、反复交替进行的技法，也属于间接画法。混合技法与透明技法的主要区别在于它是在一个中间色调的半透明底子上开始作画的，用坦培拉白色作形体塑造和透明油色罩染反复交替的方法进行，形成比单纯透明画法更为丰富厚实的形体与色彩关系。由于画布的有色底子，底色与透明油色的交互作用产生出微妙的中间“灰”色，与受光部响亮的透明色及暗部浓厚肯定的调子产生了对比。制作半透明有色底了的方法是在定稿了根据画面色调在润色光油中加入颜色如，浅赭色或土绿色等来罩出一个中间层次调子，形成一个浅浅的半透明底色，但这层颜色不能厚，透过半透明的颜色层应能看得出下面的画稿。然后趁湿时用坦培拉白色从受光部开始提亮，对形体进行塑造，用扇形笔将白色按形体结构向中间层次过渡。如果不用坦培拉白色颜料作底层塑造而改用油性颜料的话，即使是快干并偏瘦的颜料，底层色的干燥时间也会比较长。传统的技法在这一步用排线方法逐次进行以形成明确的层次。当底层造型部分色彩干后，再用透明媒介剂调和油画色均匀地罩上颜色。由于混合技法底子的中间层次为浅灰色，所以在罩色时要充分估计到，罩色后色相和明度的变化。用坦培拉白色塑造形体和以透明油色罩色这两个步骤往往要反复交替进行，直到呈现预期的形体和色彩效果为止。要注意的是，用坦培拉白色提亮可在湿的底色上画，而以透明色罩染则一定要等底色干透。
油画：穿棉衣的男子，画家：提香 以透明技法或多层混合技法为主的古典写实风格油画创作具有透明性好、色彩鲜亮和层次感强的特点，但缺点是由于形与色分开处理，两者容易出现不够协调的问题。而由于色彩以固有色为主，相对会比较单调，颜色也不如直接画法那样厚实。另外古典透明技法制作过程较长，容易注重制作程序而忽视画面节奏的联系和画家情绪表达的问题。 现代油画创作中的古典写实风格油画中透明画法大多与混合技法结合起来运用，也有比较多地采用直接画法先局部完成，然后再用透明技法进行罩染和润色。透明技法或混合技法都并
浅谈风景油画的表现方法 风景油画描绘的对象大都是自然景物，因为使用的创作材 料是油画材料，所以称作风景油画。在古典油画当中，风景一般 都是为人物作陪衬的。随着文艺复兴运动的兴起风景油画登上了 历史舞台，它独立作为一种绘画题材出现了，并且发展迅速。 首先从风景油画的分类谈起，按照时间特点，我们可以把它分为 古典风景油画和现代风景油画两大类；按照表现手法来分，我们 可以把它分为写实风景油画、印象风景油画、和抽象风景油画这 几类；按照地域来分的话，我们可以把它分作欧洲风景油画、俄 罗斯风景油画、荷兰风景油画、地中海风景油画和托马斯风景油 画这几个板块；如果从表现的内容出发的话，我们又可以把它分 为森林风景油画、高山流水风景油画、田园风景油画和名胜古迹 风景油画等类别。风景油画的笔触可以表现为蹭、摆、揉、扫、拖、点等类型。蹭指的是用油画笔的根部首先接触画面，然后逆向推动笔触，使画面留下并不流畅的感受，从而营造出特 殊的视觉感受和质感。逆锋行笔，笔触苍劲有力，适合表达一些 植物的茎杆或者坚硬的物体，比如树枝、石头等。摆和蹭用 笔方向相反，顺锋行笔，给人以流畅、顺滑、轻快之感，比较适 合表达柔软的材质，比如水。揉是一种没有固定方向性的用 笔方法，可以是单色，也可以是多色的混合，通过揉合产生自然 的混合变化，从而使色彩和明暗对比达到一种微妙的变化感，可 以作渐变和衔接作用。扫通常是将两个临近的色块进行衔接，以降低它的生硬感，达到和谐统一的效果。我们可以用干净的油 画笔对两个颜色使用扫的笔触，也可以在油画笔上均匀的或者适 当的蘸取部分颜色扫来扫去，产生丰富的层次效果。拖和摆 的运笔方向比较相似，但不同的是拖使用的力道要比摆轻很多， 轻轻的握住画笔，使它是经过画面时留下坎坷的笔触效果。
直接画法与古典油画的绘制方法在程序上也有很大的不同。直接画法作画必须开门见山，一下子就反映出画面的黑、白、灰布局和总体的色彩效果，然后再在这种基础上进行逐步的深入。一般用直接画法作画都不会离开如下的步骤： （1）起稿 用木炭在画布上勾画出物体的轮廓和处理好大致的素描关系，也有的画家直接用熟褐加上少许的冷色，或用群青经松节油稀释后在画布上直接完成这一工序。因为褐色是一种中间色，易于与其他任何颜色协调关系。群青（有些画家也用翠绿、深红、土黄）一类的颜色所勾画的轮廓在作品完成后残留一些断断续续的边线，可以呈现出一种特殊的色彩效果。 （2）上大色调 用轻松节油稀释并与物体颜色近似的色彩迅速弛画出画面的总的色彩感觉。注意色调应比最后要达到的效果对比稍强一点，在这一步时颜色不宜画得太厚。上大体色调时应取一点提前量，将色调画得鲜明一点，随着不断地刻画深入，各种不同的灰色自然而然地会把这种“过火”的色相关系处理得恰到好处。 （3）深入刻画 待松节油稍挥发后，用较厚的颜料逐步在画面上进行深入刻画，如有
条件把作业时间进行得比较长最好。应该注意有计划、分步骤地去完成，比如说今天只画脸，那么其他地方就不动。明天画手，手以外的任何地方都只保留上大色调时所画的底色。一天画不完的地方应用画刀将厚颜色刮去，待其基本上干透后再画，以免吸油。 画油画时应注意亮色一般都应画得比较厚，而暗色一般都须画得比较薄。 （4）整体调整 经过多次完成的油画画面细节丰富，有些细节可能已超出了预定的需求，除去不必要的细节，调整整体关系，使整个画面虚实相生，主体部分更加突出。 新材料的应用 随着近代工业文明的兴起，西方画坛的绘画用材已经完全脱离了手工制作的阶段，特别是近一二十年来由于现代科技的高速发展，种种性能各异的新型画材不断涌现，许多油画材料是过去闻所未闻的。如各种快干油、快干颜料、调水的颜料，能做出各种厚、薄、粗、细感觉不一、而又快干并具有极强韧性的底料等等不胜枚举。各种新材料的问世大大丰富了油画的表现语言并使画家能在进行创作时百无禁忌，一心只需考虑去如何达到最佳的画面效果。
综合材料技法与表现 前言综合材料艺术的研究在中国是个新学科，许多美术院校都把它当作油画教学体系中的重要一环，中央美院1997年就成立了材料表现工作室，可见材料课的重要性。 首先，我们先从宏观上了解一下材料，从材料的性质和运用技术上，大体可以把材料分为两大系统：水性材料和油性材料。水性材料主要指的是坦培拉技法，它是以坦培拉乳液为绘画媒介剂，这种技法历经公元前后千余年。（图波）而后大约在十四、十五世纪渐渐演变为与油结合的混合技巧（图荷、凡），到了十七世纪油性坦培拉又逐渐演变为纯粹的油画，这种技术被欧洲画坛普遍接受并发展成熟。西方绘画发展到二十世纪20年代之后，高科技工业化的迅猛发展使许多艺术家的观念都发生变化，表现出了对材料艺术的关注，艺术家在创作过程中逐渐认识到材料本身的审美价值及内涵的精神意义，把材料提升转化为艺术语言的地位上来，实现了物质材料本身的审美价值和艺术家的创造价值。 下面，我给大家分类具体介绍一些材料： 首先，我先讲一下古典油画最主要的技法之一坦培拉的一些相关问题： 1. 坦培拉英文tempera,以前被译做“蛋彩”，而其实蛋彩只是坦培拉的一种。坦培拉绘画的特殊性质就在于它的调和剂是一种乳液。乳液是一种多水而不透明的乳状混合物，含有油和水两种成分。通常油和水是相互排斥，不能混合的。但在自然界中确实存在着大量
的天然乳液，如鸡蛋（尤其是蛋黄）、牛奶、无花果树的汁液、蒲公英的汁液等；还有人造的乳液，如肥皂乳液、树胶乳液。天然乳液的特性是虽然它含有油的成分，但能随着水分的蒸发而干燥，变的坚固而不再溶于水，能很好地黏附在一切画底上（胶底或者油底上）（图鱼）。而人造乳液则永久保持溶于水的性质。 2.制作坦培拉的特殊工具： （1）底板：需要选用硬质板材，如细木工板、密度板、三合板、椴木板均可。 （2）画布：棉布、帆布 （3）底料：a.早期用石膏多底料。B.现在多用动物胶或水胶调和大白粉做底料c.用乳白胶调和大白粉、立德粉、清水 （4）颜料：干粉颜料——色粉 （5）调色板：选用质地坚硬光滑的瓷质板，如建筑用的白瓷砖或白地砖 （6）其他普通工具：画笔、板刷（韧性好，吸水性好） 3.制作方法：与水彩画法相似，采用多层罩染的方法，用色粉调和乳液绘画。坦培拉与现代油画比起来制作工序烦琐，而且需要有很强的计划性和理性的思维方式，必须待上一层完全干后再覆盖下一层，否则底层就有被溶解的危险，还有覆盖涂层时不够轻快的话，也容易被溶解。但正是因为坦培拉这些较高的技术要求才反衬出手工制作的不可替代性。 4.坦培拉材料的4大特点：
艺术与生活论文 生活空间艺术与城市视觉文化品牌的塑造 摘要：在当代城市面貌甘趋“同质化”的时代，一座城市如何能在千篇一律的城市形象中脱颖而出，彰显自己独特的魅力，提升自身的竟争力已成为影响城市未来发展的因素之一。而通过公共艺术的实施，来塑造富有地域特色和文化意蕴的视觉文化品牌，已成为当代城市增强竞争力的一种手段和策略。 关键词：公共艺术视觉文化城市品牌 随着城市化进程的加速和城市间竞争的日益激烈，塑造城市品牌已成为各国城市实现经济社会可持续发展的关键。一座城市是否拥有鲜明的文化个性与独特的城市品牌，己成为评判一座城市是否具有强大的综合竞争实力和国际竞争能力的象征与标志。因此，改善城市形象、塑造城市文化品牌，从城市的视觉形态和文化形态上展现城市的个性与魅力，以区别于其他竞争者，成为当代城市在激烈的发展竞争中取得胜券的关键因素。 城市的视觉文化品牌建设作为城市发展、建设、规划的一项系统工程，越来越引起城市建设者的关注。公共艺术作为一种新兴的艺术形式在介入都市过程中为提升城市的综合竞争力，争取在新世纪经济发展和市场竞争中保持领先地位发挥着中要的作用。 公共艺术概念的认知
公共艺术作为一种艺术观念或文化现象是当代大众美学以及日常生活美学的延伸和社会民主化进程发展的必然结果。它突破了传统艺术的藩篱将艺术的概念扩大化，正如刘茵茵提出的公共艺术即是“那些在传统的画廊或美术馆系以外发生的当代艺术类型。”公共艺术的范畴已然超越了传统的以满足人的审美体验或精神需求为主的雕塑、壁画等视觉艺术形式而扩展到了建筑、景观、公共设施和装置艺术等具有艺术性的视觉形态或艺术行为领域。 公共艺术概念的广泛性和兼容性特征决定了其价值属性的多元化与多义性。公共艺术融入都市并不仅仅只是充当城市的“化妆品”，置于特定场域之中的公共艺术品在“妆点”和“美化”环境的同时更重要的是能化景物为情思，即升华为城市的“符号”或“标识”，承担起传承地域文脉、体现场所精神、追述城市记忆、形成地域认同、凝练城市特色和塑造城市形象的文化共同体以及促进社会、经济发展之功能。即公共艺术的美学功能、文化功能、社会功能与实用性，这四个方面是构成完整的公共艺术不可或缺的部分，只有四者相合才能称之谓真正的公共艺术。正如《周礼·考工记》所云：“天有时、地有气、材有美、工有巧，合此四者，然后可以为良也。”公共艺术亦是如此，偏执于任何一方面都会导致对公共艺术精神的曲解。 品牌塑造介入城市建设 城市品牌的观念是近几年刚兴起的一种城市经营理念。品牌一词最早缘于企业产品的营销策略，是企业为在产品“同质化”时代的竞争
油画技法之刮除法 用油画刀平滑的边缘将画布或面板上的颜料刮除，不仅用于修正画面，它本身也是一个很有价值的油画技法。刮除颜料后会留下一个由剩下的薄颜料层形成的模糊重影，按照这个方法可以绘制出一幅相同质感层次组成的作品， 在画布上，画刀将突起的颜料刮除，留下了那些陷于纹路之间或多或少的颜料，当使用的底材是平滑的板子时，刮除颜料之后会留下非常平坦的，几乎没有任何肌理的颜料层。 无论你是用什么底材，通过反复刮除颜料（每次增加颜料都要等上一层的颜料干透）制造的效果都是用任何传统方式所难以达到的。詹姆斯·惠斯勒在不经意间发展了这个技法，因为在画肖像时，由于他更喜欢重新开始而不是覆盖，所以他常常在结束一个阶段时对画面的颜料进行刮除。当在对一个白裙女孩的肖像画进行颜料刮除之后，他突然发现画面看上去又轻薄又透明，这就是他所希望能绘制出的布料那种精美柔和的理想效果。 在一个白色的底子上进行刮除，底层的光亮感会透射出来，得到像罩染一样的效果。如果在有色底上进行，这个技法能够使颜色产生微妙的变化。 1.刮除法适合于制造朦胧气氛。画面已经进行了一遍颜料的刮除，因此影像有
些许陈旧的感觉。 2.从这个局部能清楚看出颜料被从画布纤维的凸起处刮除，但是保留了一些在纹理壑处的颜料。就像在这里看见的，刮擦有时能够制造出一些斑纹效果。 3.现在在画面上添加更多的颜色和调子。这些颜料最终也会被刮除，以随机的方式留下一些旧颜料和新颜料。事实上，这些颜色会产生光学混合效果。
4.在画面上涂上一些偏蓝和偏绿的颜色，然后用画刀刮下来。 5.现在再把湖岸的树重新刮一遍来增强迷雾的效果。这个技法制造的水平条纹，把薄纱似的云雾感表现得很生动。
浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响 以伦勃朗为代表的古典油画透明、细腻而又不失厚重，历来都以它独特的魅力吸引着无数观者的眼球。怎样更好地学习和研究古典油画技法是教学中经常探讨的问题，也是本文探讨的主要内容。 标签：伦勃朗；油画材料；油画技法；油画教学 伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，是17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。他在17世纪20年代早期曾在莱顿当地的一位画家手下接受初步艺术训练，此后便与阿姆斯特丹历史画家彼得-拉斯曼共同度过了对他影响深远的6个月。伦勃朗是改变艺术史上人物肖像绘画的一位先驱，他的绘画并不是表面地描绘人物的外貌，更重要的是他的画作中有对人物内心和精神世界的探索，他一生画过100多幅自画像，是画自画像最多的一位画家，可以说他在用这样的方式不断地去探寻自己的内心。伦勃朗和利文斯的部分绘画能使我们更好地了解他们早期的风格，他们对于自画像、穿着外国衣饰的人像、光与影的极致使用，让我们领略到了其艺术尝试与开拓的过程。 伦勃朗比自古以来的任何艺术家都注重对人物面部的描绘，因为他能看到更多、更细，而这都出自他的内心。中国人说绘画创作需要三件东西：眼、手、心。我觉得这个洞察十分准确，这三者缺一不可，伦勃朗的每一幅作品都与这句话的精髓相呼应，都是眼、手、心的完美协作。 伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，伦勃朗的绘画技巧十分高超，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时伦勃朗也具有将历史题材转化为普通人日常经历的技法。 通过对以下伦勃朗绘画的几个方面的研究，可以更深刻的了解伦勃朗的绘画技法。 一、使用的调色油 伦勃朗使用的调色油是很浓的胶状调色油，很黏稠且干得很快。伦勃朗非常突出他画阴影处的高凸部分，以此来体现画的立体感。伦勃朗的画中阴影处呈透明黑色，光区和阴影区色彩厚度相同但不透明，调色油易干的特性，使整个画面笔触很明显。虽然伦勃朗的每一笔都令人感到他的得心应手，但整幅画却给人一种艰难完成的绘画效果。伦勃朗没有鲁本斯的绘画天才，他总是在画快要干了，且已适于用画笔上色时才开始修改自己的画。所以伦勃朗的画会给人一种先画好后再艰难修改画面的感觉，好像用画刷拉黏液的感觉。这种感觉在画中光区更为明显。 二、伦勃朗的油画底
古典油画材料与技法教程 2011-02-24 20:10 看过冷军画的人，都非常佩畏他画面中写实细腻逼真的特色。他的照相写实主义的画面需要极大的耐心才能完成，基本功过硬当然是基础。可是就国内而言，许多想画成这样并有素质画成这样的人却往往对实现这一效果过程的技法感到无从下手，这里我先谈谈冷军油画的画面效果： 1.他的油画极为写实、细腻，就算凑得很近也看不出笔触的痕迹。 2.表面非常平整。 冷军是武汉一所普通师范院校美术专业毕业的学生，之前少有人知，但蛰伏到了中年他开始爆发，通过其超级照相写实主义的画作，一下子确立了自己在国内画坛的地位，先前他的一幅《五角星》在纽约苏富比拍到了900多万RMB，直追张晓刚过亿的记录，位列当代画坛第二。在胜名之下，人们对他乱真的技法必然发生兴趣，不过技法包括画家本人以及各方人士谈得都极少，我觉得在这样的关注之下，他要是自己写本技法书出版，肯定卖得不错，还有包括像徐芒耀这样相对纯种的法兰西十九世纪学院派技法的衣钵传人，要是能出本结合自己经验跟国情的技法书，图文并茂，就算贵点，我想卖得人还是很多的，造福学子。市面上我看到的国内的只有一本姚尔畅的比较深入全面些，但我读过还是有些疑问。因此在这里我只能通过展览上的观看再结合自身这些年的经验来尝试写点技法，我并非说冷军就是这么画的，我只是讲以我这样来画可以达到同样的效果，希望跟大家切磋一下（虽然我知道以我博客的访问量这几乎是无望的）。 冷军油画作品局部 一.了解技法前的前提 1.毅力与决心的试金石 这个前提就是你别幻想技法万能或唯一的传说，这种技法就是由于掌握它并实践它时的难度才变得曲高人寡，而最关键的不是技法本身难学，学并不难，只是你必须要有超绝的毅力与耐得住寂寞的耐力才能实现这一目标。冷军一年只能出一张画，每天用小笔（传说是说他用一种日本进口的尼龙小笔）架着画杖从早到晚一点一点地画，一天只能画硬币大小的一块（传说，真实性有待商榷），不厌其烦地一遍遍很薄地罩染。用“关起门来无人知，走出门来吓死人”来形容他的画再好不过。所以这类画法是相当辛苦和需要坚持的，它的乐趣就在坚持之后，出效果时所带来的愉悦。 2.学院派写实绘画的含义 这里所谓学院派不是在美院里学的都可以算，说得清楚点，狭义一些，其实它指的就是在19世纪的法国一批顶级的油画家发展出的一套科学更有效的写实绘画方法。它的精髓真正掌握的人不多，在国内而言也只有为数不多的画家可以运用地游刃有余，大多数画家一来可能对其不了解，二来是因为畏惧学院派技法的艰苦程度而放弃学习和实践。
浅谈综合材料在油画中的运用文化?9?9艺术浅谈综合材料在油画中的运用渲染画法从内容上讲大多是具有主题性的、具有教化功能的宗教题作时除颜料外往往选择一些非绘画材料和非传统的绘画手段来加强塑等雩髯蓬萼登孥堡对堡长童亳庄晋苎啐点掺苎堂堡譬圭望翌要视觉中击力各种不同材料之间会产生有趣的对比有些材料本身还能量贯釜鬯龚垦也喜丰二耋堂蠢煞竺耋翌妻喜二曼塑翌量乏乏至善≤羞葙三寿衾南美三呈妄著崭助≤藉藉本≥磊磊蔷矗≥苫面莴术龛当譬雾莩名秒著姿喜喜莩譬期荦蓑雾蚕叁霎喜笔譬誊誓志耍量薹磊至羞蒜萎篡篓磊薹荡磊翥并罚蒹兰着篙孬看主爻。作品真实可信度只有真实可信人们才能接受它。而广义油画作为“…”。什““工‘““”“。……““““……“““一种艺术表现媒材的概念其表现力大大增强的同时仍然对创作有一文精神的表现精神穿透材料材料才具有生命”周民江《解读材料思路来适应媒丰才管制挚。第二种选择是痛苦而又无奈的致使艺术家的定的精神内涵。基弗的艺术就是人类深层心灵活动与精神力量的体现。刨适召旱銎干刀呈竺裂。一。。、。…。。一。。。综合材料技法的创作并没有严格的步骤和技法规范限制自由性比。。。当世量当享要雾雪彗等譬皇零掣毛翌著鎏孽零篓三毽惹翟生较大了高善磊茎。箱素高毒昌嘉裂支。磊葛磊蕃主某蒿羞这成为油画的开端。材料的变化带来了技术与风格形式的变革。但这时引、’世墩化侄坩夕州霾制肌工
王双禾’任刮射…朱、蜮。口、灶”“八《新西部期万方数据初探高校科研管理中的激励机制人才?9?9袁业初探高校科研管理中的激励机制童筱燕朱慧浙江工业大学之江学院浙江杭州摘要有效的科研管理体制对于提高高校科研水平与质量是十分关键的而激励机制在科研管理中的重要性体现为它能起引导作用。在高校的科研管理中重视并运用合理的激励机制为科研工作者营造一种良好的科研气氛和环境是推动科研工作大力发展的重要环节。关键词高校科研管理激励机制随着我国高等教育的快速发展高校肩负发展科学技术的任务这教师有效当这部分教师达到了自己所预期的目标时晋升职称对他们重要职能逐渐显现出来科研已经成为高校的特征之一。如何有效地激就完全丧失了激励作用。发和调动高校科研工作者的积极性和主动性使高校科研更加适合社会‘刀切、标准相同”主义市场经济的发展要求已经成为科研管理者必须认真解决的问题根据年龄、职称、科研能力等因素可以将高校教师分为不同的层而“调动积极性”在管理心理学中就是“激励”。因此在高校科研管级每一层级的科研能力不同如果用相同的科研标准衡量每位教理活动中“激励”已成为科研管理工作者提高管理绩效的一个重要手段。师将会一部分教师因达不到要求而失去信心还有一部分科研能力强激励在高校科研管理中的重要性的教贝会觉得这个标准没有挑战性从而失去动力。现将高校中的在激励就是激发
论艺术教育在当代社会生活中的重要意义 艺术在生活中无处不在，她会以不同的形式体现出来，给不同的人带来不同的感受，这就是艺术的魅力所在之处。那么什么是艺术呢？我觉得没人可以给她一个定义，因为这世上的一切都是艺术，无论你看得见的、看不见的、存在的、不存在的都可以是艺术的表现体。 既然艺术这么的重要，那么，我们是从什么时候开始接触和学习艺术的呢？美学和艺术又有什么样的联系呢？我们又是怎么样提升自己的艺术修养呢？艺术对我们这个社会又有多大的贡献呢？有人说“生活就是艺术”又是怎样的艺术呢？艺术和大自然又有怎样的联系呢？接下来我们将就这些问题来讨论艺术教育在当代社会生活中的重要意义。 1我们是从什么时候开始接触和学习艺术的？ 人类是大自然的艺术的结晶。人类的开始是由精子和卵细胞结合的，她们的结合是多么的美妙、神奇，从而孕育出可爱的小生命，然而我们本身就是完美的一件艺术品、是大自然完美的杰作。所以我们最开始接触艺术的时候，也就是我们出生的那一刻，也可以说就是在我们形成的那一瞬。 艺术是多么奇妙的东西啊！伴随着美妙的音乐，我们从娘胎的肚子里爬出来了。那哇哇坠地的哭声，不仅仅是向世界宣告你神奇般来临，也是演绎神奇艺术的开始。我们接触的艺术就是
从声音开始的。随后我们知道了颜色、语言、朋友、花草、冰雪、星河、分子、文章等等，这些所有我们知道的，不知道的，都是艺术的表现体。 然而每个人都有不一样的人生，有不一样的艺术修养，所以对艺术的感知都不一样。<哈姆雷特>就是莎士比亚写出的一部很好的艺术品,然而一千个读者就有一个哈姆雷特,就是说不同的人对同一艺术品又不同的领悟和感受；同样地第一千零一个读者就可能与前一千个读者有相同的理解，虽然生活经历不同，但是还是可能对同一事物有相同的想法的。这就是艺术的诡异之处。 2.美学和艺术有什么联系呢？ 美学和艺术在生活中很难分开，觉得二者在我们的表述中是同一类事物。实际上，美学是分支于哲学的发展，参照了心理学的内容，在艺术的伴随下成长起来。所以美学不是艺术、艺术也不是美学。但由于艺术与美的关系最密切，所以美学的主要研究目的应是为艺术服务。 美是人的本质的能动表现和感应与自然和社会的艺术性和谐，美学是从审美感受中来认定事物艺术性发挥的效益性，思想意境的合理性，心理共鸣的可感性。一切都是联系到演绎者和欣赏者的和谐关系问题。如果美学脱离了艺术，就如花儿离开了树枝，不仅脱离了主体，缺少了滋润的源泉，也不能长久的绽放。
最全的油画技法，如果你喜欢画油画，必看 油画刮除法/唐克法/刮痕法/压色法/印压法/罩染法/独幅版画法/点彩法/和色粉混合技法 油画技法之刮除法 用油画刀平滑的边缘将画布或面板上的颜料刮除，不仅用于修正画面，它本身也是一个很有价值的油画技法。刮除颜料后会留下一个由剩下的薄颜料层形成的模糊重影，按照这个方法可以绘制出一幅相同质感层次组成的作品， 在画布上，画刀将突起的颜料刮除，留下了那些陷于纹路之间或多或少的颜料，当使用的底材是平滑的板子时，刮除颜料之后会留下非常平坦的，几乎没有任何肌理的颜料层。 无论你是用什么底材，通过反复刮除颜料（每次增加颜料都要等上一层的颜料干透）制造的效果都是用任何传统方式所难以达到的。詹姆斯·惠斯勒在不经意间发展了这个技法，因为在画肖像时，由于他更喜欢重新开始而不是覆盖，所以他常常在结束一个阶段时对画面的颜料进行刮除。当在对一个白裙女孩的肖像画进行颜料刮除之后，他突然发现画面看上去又轻薄又透明，这就是他所希望能绘制出的布料那种精美柔和的理想效果。 在一个白色的底子上进行刮除，底层的光亮感会透射出来，得到像罩染一样的效果。如果在有色底上进行，这个技法能够使颜色产生微妙的变化。
1.刮除法适合于制造朦胧气氛。画面已经进行了一遍颜料的刮除，因此影像有些许陈旧的感觉。 2.从这个局部能清楚看出颜料被从画布纤维的凸起处刮除，但是保留了一些在纹理壑处的颜料。就像在这里看见的，刮擦有时能够制造出一些斑纹效果。
3.现在在画面上添加更多的颜色和调子。这些颜料最终也会被刮除，以随机的方式留下一些旧颜料和新颜料。事实上，这些颜色会产生光学混合效果。 4.在画面上涂上一些偏蓝和偏绿的颜色，然后用画刀刮下来。
浅谈油画材料与技法 摘要：本文介绍了油画技法以及油画技法的重要性和油画材料运用,.从而提高技法水平增强画面视觉效果。 关键词：油画材料油画技法 引言 从欧洲油画发展史的角度看经历了古代、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的变化随之变化，油画是从蜡画法、蛋胶画法逐渐发展起来的，油画作为一个体系完整的画种，从十五世纪初佛兰德扬凡爱克对油画艺术技巧的发展做出的独特的贡献，他被誉为“油画之父”发现新的涂料运用快干油第一次在木板和麻布上作油画以后，这种新的油画技法立即迅速传开了。随着油画艺术的诞生和发展，油画技法不断的进步，油画自身具有独立的审美内涵及形式语言特性, 其材料的使用和技法的运用具有较强的规范性、严谨性和科学性，同时油画的材料与油画的技法又具有很宽泛的包容性和涵纳性。材料与技法对绘画作品的重要性是不言而有喻的，然而对材料的不同认同和技法使用对艺术风格形成有着极为重要的影响。艺术家在绘画实践中开创了多种油画技法，使得油画材料相结合充分发挥出视觉效果。以下是我对油画材料与技法的认知。 油画材料 油画之所以叫油画是以材料为标准的。油画的长期发展离不开它的物质基础———油画材料。作为一种艺术表现的材料，前提是它被作为艺术体审美对象的认知。油画材料既是视觉传达的载体又是艺术表现的肌理载体，是可以随意转换、演绎的特殊文化形式。材料可以给画家带来画面的色层美、肌理美、笔法美，还能增强形式美感。油画材料的特性允许深入细微刻画对象，可以表现出对象的色
彩关系。最早的油画是画在木板上,如中世纪的圣像画就是用蛋彩画在做了底子的木板上。现代油画作画材料一般选择亚麻布、棉布和帆布。亚麻布纤维长而结实,具有柔韧性,有粗目亚麻布和细目亚麻布。质地比较厚重的棉布也可用于作画的基底,聚脂纤维的帆布很柔韧,坚固稳定,也是一种新型画布材料。在用于制作画布底子的胶类一般采用有：动物胶（骨胶、皮胶等）、植物性树脂乳胶、白乳胶等合成胶。还需填充其他材料如：大白粉，又称白垩粉、西班牙白、巴黎白、白土等，主要成分是碳酸钙。用于制作油质画布底子的油类有：松节油、亚麻仁油、上光油等媒介剂。油画颜料是用磨碎的颜料粉末,加入植物油调制而成,属于油性颜料。油画颜料色相稳定,能长期保持光泽。颜料又分为矿物质和化学合成两大类，最初的颜料多为矿物质颜料，由手工制作研磨成细末。中外历史伟大画家们保存下来的油画,大多都依然保留着鲜亮动人的色泽。在各个时代画家们对油画材料与技法不断的在实践中研究与创新 油画技法 自从油画发明以来，经无数画家的探讨和研究，它已经成为一门广为普及的画种。随着油画艺术的不断发展，油画技法也不短的完善。油画绘画传统技法大致可分成古典技法、直接画法、间接画法（透明技法）、混合技法、厚薄结合画法、印象派技法、闪跃式点彩画法、薄涂变淡画法这是研究和学习传统的油画技法必不可少的。 就从直接画法说起，直接画法能分出多种方法，有薄涂的直接画法、厚涂的直接画法、厚薄对比的直接画法；笔触直接画法、无笔触直接画法；一次性直接画法、覆盖性直接画法（即多次性直接画法）等。欧洲传统的古典绘画是以坦培拉和树脂油相结合的混合技法，这种技法发展已经非常完善了，鲁本斯的直接画
古典油画罩染技法 1.起稿 起稿阶段分两个步骤。 （1-）用木炭条起稿 a.直接在画布底子上起稿。尽量准确地造型，减少在画布上的擦改以免损伤底子。起稿时以线条为主，只 要明确形象的轮廓及重要结构线就行了。完成后用软布轻掸去多余的碳粉只留下淡淡的线稿不致于污染颜 色。 b.用转印的方法起稿。先在与画布等大的纸上画出详尽的素描稿，然后用刺孔扑粉法，色粉转印法等方式 把稿子转印画底子上。这种方法可以让画家有更多的时间考虑构图和形象刻画等问题。 （2-）墨汁定稿 用少量的水稀释中国墨汁，使墨线淡一些，用尖头毛笔或小号笔蘸墨汁按木炭条草稿勾勒，使画面形象 更加明确并固定下来。中国墨汁性能稳定，附着力强，气味好且无毒，是很好的油画定稿材料。
2.着色前的准备 用宽笔蘸媒介剂或者乳液快速刷画布一遍，紧接着用软布或海棉擦一遍画布，将多余的媒介剂吸去， 只留薄薄的一层吸附于底子之上。第一层的媒介剂含油量应该少些。作画要坚持“肥盖瘦”的原则，即各 层的含油量由下至上递增。媒介剂中松节油的含量可以从底层的3份至最后一层的一份。 这一层的目的是作为底子与颜色之间的介质，媒介剂既被底子吸收又与画在其上的颜料牢牢结合。 3.罩染基底色 用媒介剂调和土红油画颜料，用宽笔刷上画布。颜料的量要适中，使画面有一个半透明又沉着的效果，
必须透出墨稿，如果颜色太重，要用海绵或软布快速吸去。 这一层的作用在于使画面得到一个稳定沉着的中间调子。底层画色调并不透明，并且应该比透明色层浅淡，随后罩染的透明色层将逐渐的加深画面的色调，因为透明色层薄罩染后底层素描仍会透出，不会变动造型。半透明的土红色经常被古代大师有目的地作为画面色彩留到完成阶段。 4.提白 （传统上称为“灰色法”。灰色可以是黑白调和成的浅灰，也可以是赭石和白调和的灰，或土绿和白调和得灰。先用这些浅灰把素描关系和必要细节充分表达出来） 趁土红未干，用乳液调制白色，用较宽的笔从形象的受光部开始下笔，将亮部画成白色的效果。画的过 程用一只干净的笔过渡白与土红，产生灰面。这一步骤只塑造大的形体而不及细节。亮部尽量画白，如果 白度不够，覆盖于上面的色彩将不够明亮鲜艳。画得时候应忘记现状，只有形体的明暗光影的关系，可以 只按光的方向行笔。 完成了这一步骤，画面呈现的是以土红色为基础的调子素描。
浅谈当代艺术 对于学习艺术的人来说，关于当代艺术的问题一定是一个我们不可回避的话题。我们身在一个艺术思维空前解放、并且人人都自称是艺术家的时代里，当代艺术比任何一个时代更接近大众，博物馆、画廊、双年展、大街上……艺术随处可见，但它同样也比任何时代更容易受到非议和疑惑。那么、我想就这篇文章粗略地谈谈当代艺术所面临的一些问题，关于“什么是艺术”“如何成为一名当代艺术家？”而我的初哀非常简单，我希望我们都能够更加自主地判断艺术、认识艺术、认识我们所处的当代环境，并且享受艺术、追求自由的艺术。这是无比重要的一件事。 标签：杜尚、新颖性、原创性、记忆、当代环境、自由 对于从事艺术行业的人来说，我们不难发现，当代艺术己然成了现在的主流。所以对于当代艺术的思考和理解，似乎是一件不可回避的事情。而当我们谈及当代艺术的时候，无疑要正面的回答一个棘手的问题，那就是“什么是艺术？”首先，我们要清楚的是，艺术这个名称用于不同时期和不同地方，所包含的事物会大不相同。希腊时期的人们并没有我们所理解的“美术”（绘画和雕塑）的概念。罗马人也非常势力地欣赏高尚的（自由主义的）艺术，比如修辞或音乐。而在18世纪，fine art的定义出现了，由此将绘画、雕塑、建筑等囊括在了艺术的范畴。而时至今日、“艺术”的定义仍然在不断的被拓宽和刷新。这也是当代艺术家们正在努力做的一件事，我们正在不断的刷新着我们这个时代对艺术的新的理解。正如藝术史学家贡布里希说过：“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”所以，艺术并不是一个非常确定的什么东西。而艺术家就是制作这些东西的男男女女。 艺术史学家汉斯·贝尔廷认为，我们所理解的艺术概念始于1400年左右。该艺术理念被延续并被改善着，我们认为这理所当然——哦，是的，这就是艺术，那就是艺术——直到19世纪中后期出现了现代主义。人们开始质疑什么是艺术、我们做的又是什么。经过这样漫长的过渡，在这个自我意识觉醒的过程中，人们、艺术家们开始询问艺术的本质是什么。直到20世纪10年代杜尚出现了，他标新立异地主张：任何事物都可以成为艺术。而杜尚提出了这个想法后，人们理智上接受了它，但让人真正把它作为一个观点来看待却要花很长时间。20世纪上半叶，所有的学说——立体主义、未来主义、超现实主义、抽象表现主义——整体而言，似乎都专注于外传统有形媒体中进行形式和内容的创新。立体主义者可能激发了表面空间的概念，但他们主要用油画来表现。50年后，抽象表现主义者依旧用画笔在画布上对艺术史进行勾勒。作为艺术家的艺术家当然进行了疯狂试验，但直到20世纪60年代，杜尚的想法才因波普艺术家而真正成形，那时，确实任何东西都被宣称为艺术品。 而任何东西都可以成为艺术这一想法，也正是如今的21世纪的核心想法。我们的思考、感觉和生活方式意味着，如今的艺术无所不包，艺术的类型也在不断的被刷新。因为就像名声会随着时间变化一样，艺术的定义也是如此。那么“如
浅谈对中国油画材料与技法的认识 【摘要】油画源于欧洲，曾经历了古代胶彩画、蜡彩画、镶嵌画、湿壁画、干壁画、坦培拉绘画以及坦培拉与油画混合技法的漫长历史变迁，发展至今已有近500多年的历史。学习油画，就必须对西方油画的技术演变的历史进行一定的了解，对其材料与技法的基本内容有所掌握，包括不同的基底的制作，对调色油特性的熟悉，对画面表面效果的处理，对颜色关系的把握，色层覆盖的技术规律等方面。 【关键词】油画材料技法研究 油画作为绘画的一个画种，在很长的发展历史时期以其独有的魅力征服了观众。但从20世纪开始到今天，各种新的艺术形式夺走了许多观众，更多地吸引了人们的视觉和意识。事实上，技法是每个艺术家处理材料的方法，是一个工具，是根据自己画面的需要进行改变的一个道理。因为他不可避免地带有主观性，所以每个艺术家创造出来的形象千差万别。然而这种处理材料的独特变化，以及对同一主题的各种各样的“个人表现”正是杰出作品的魅力所在，尽管它不显著并且平凡，但却具有个人独特风格，所以引起了诸多画家们的关注和极大的兴趣。 １西方油画材料与技法 1.1 西方油画的产生与发展。乔托以前没有油画，这就足以说明油画不是从来就有的。真正的油画产生，至今不过500年的历史，在油画出现之前，欧洲绘画曾经有蜡画、湿壁画、胶彩画、丹培拉绘画。古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法。而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画亦非油画的技法。达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。 1.2 油画材料技法在意大利的传播和发展。意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛达梅西纳据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。其中以意大利系统技法发展为例又可以分为两个画派：佛罗伦萨画派和威尼斯画派。 佛罗伦萨画派的代表人物有里比、达·芬奇、拉斐尔等。他们的初期作品，
浅谈当代艺术与设计的关系 在很长一段时间里，不仅普通人们对于艺术与设计有着模糊不清的概念，就连一些专门从事这一行业的人也不见得能很好的把握，也总是模棱两可，捉摸不定。 通过学院举办的《当代艺术与设计座谈会》，邀请的嘉宾是今日美术馆的馆长——张子康先生（张子康，今日美术馆馆长。1989年7月毕业于河北师范大学美术系。1989年9月在《河北图书商报》任美术编辑。1992年5月在河北教育出版社文化编辑室工作。1998年9月——1999年7月进修于中央美术学院国画系山水画室助教研修班，现为今日美术馆馆长。今日美术馆是以“民营非企业”，2002年由今日集团董事长张宝全先生创建并首任馆长，2004年底由张子康先生接任。张子康先生还兼任《东方艺术》杂志主编。今日美术馆系中国加入WTO后第一个按照国际美术馆规范建设和运营的纯民间美术馆。今日美术馆无梁无柱全开放自由展览空间及恒温恒湿、自动展板、自动灯光、多媒体声光展示系统等，系中国美术馆最高硬件标准，同时也跻身于国际一流美术馆行列。今日美术馆现有和正在筹建的下属企业有：今日美术馆出版社（香港）、今日美术馆杂志、今日美术馆网站、中国当代美术家数字资料库、中国当代书法家数字资料库、今日美术馆拍卖公司、今日美术馆画廊以及今日美术馆画院、今日美术馆研究院、今日美术馆艺术产业联盟等综合艺术产业实体。今日美术馆在关注中国当代艺术和当代艺术流派及领军人物的同时，更注重对艺
术市场的培育和发展，形成和国际知名美术馆、博物馆、画廊等艺术产业机构相适应的艺术运营模式，为当代艺术家及其艺术品提供一个面向世界的全开放式平台。今日美术馆开馆的《彩墨江山展》、《流行书风展》，其鲜明的学术性以及在美术史、书法史上的重大意义不仅受到国内外媒体及艺术机构的关注，也给中国美术界、书法界带来强烈震撼，促进了中国艺术流派的形成和发展。今日美术馆展览面积1800余平方米，展线长约1000余延米，其全开放自由空间和活动展板、活动灯光不仅能适应所有二维平面作品展览，同时更能适应雕塑、装置等三维空间作品展览。）听了他的讲解以及他和设计系的老师的讨论，我对于当代艺术与设计的关系有点心得体会： 对于当代艺术与设计的关系的理解事实上它们是即有区别又有着千丝万缕割不断的联系的。在人类发展历史上，随着社会生产力的不断提升，艺术和设计在各自取得长足发展的同时，它们之间的关系相当微妙。当代艺术与设计的关系是辩证的，当代艺术的发展对于设计会有影响，反过来设计的发展也影响着艺术。 一、当代艺术与设计的区别 1、当代艺术与设计的概念 纯艺术和设计有很大的区别，一个是以形态思维为中心的，一个是以逻辑思维引导形态思维的，如果和在一起，在各种具体问题上的冲突将是没完没了的。包豪斯在魏玛时期曾经有过这方面的问题。格罗佩斯在1919年建立学院时，根据魏玛共和国政府要求，把早就在
生活与艺术论文：生活与艺术 内容摘要：艺术的源泉是生活，这是为整个艺术史从原始艺术一直到现当代艺术证明了的真理。本文来谈谈艺术来源于生活，生活就是艺术的源泉。 关键词：生活艺术源泉 一.艺术来源于什么？古往今来，人们无数的解释、无数的定义，而把古今中外的艺术来源的本质和定义归纳起来，又不外乎两种基本观点，即再现论和表现论。 再现论的观点认为艺术来源是社会生活以及自然的形 象反映。如亚里士多德、别林斯基、车尔尼雪夫斯基、普列汉诺夫、毛泽东等人的艺术观。表现论的观点认为艺术来源是传达感情、艺术就是感情。在现代，如恩斯特·卡西尔、欧盖尼·费尔龙、苏珊·朗格、科林伍德……有的主张艺术是情感的符号，有的主张艺术是情感的形式，有的主张艺术是情感的宣泄，等等。 二.关于艺术来源本质的再现论和表现论，马克思主义认为，意识是存在的反映，社会意识是社会存在的反映。 艺术是社会意识形态的一种形式，所以艺术从根本上说也必然是社会存在的反映。社会生活是艺术的唯一源泉，艺术的内容来自生活包括能暗示生活的自然美。总之生活是第一性的，艺术是第二性的，生活是“原本”，艺术是“副本”。 当代西方艺术虽然极为抽象、离奇，但最终也根源于社
会生活。西方现当代艺术中那光怪离陆的色彩、畸形扭曲的线条、不可名状的音响和那难以辨认的对象等等，从根本上说都是现、当代资本主义世界的矛盾，如：动荡的社会、混乱的秩序、快速的节奏、畸形的生活、空虚的人生、迷茫的心态和变态的心理的反应。总之，就是艺术的源泉、内容而言，它是社会生活的形象反映。再研究艺术本质的时候，我们必须坚持。这一唯物主义的基本观点。 三.说艺术是现实生活的反映，但艺术是现实生活的形象反映，但艺术不是现实生活的机械的摹写和复制，艺术又可以说是人的感情的创造性表现，即情感的物态化、形式化、符号化。如果我们在研究艺术来源的本质时排除了情感表现因素，孤立地强调艺术是现实生活的形象反映，那就会滑向机械唯物论很多艺术问题便无法解释。随便举个例子：比如新闻照片也是社会生活的形象反映，但新闻照片绝不是艺术。所以，我们研究艺术的本质时就对不能忽视情感因素。 艺术是情感的表现，还可以从大量的艺术作品中得到证明。艺术总是包含、浸透了人的情感，情感是艺术的一个重要的特征。从艺术的构成因素看，艺术的构成因素与创造主体的情感也有直接关系。如情感的结晶。从艺术的构成因素看，艺术的构成与创造主题也有直接关系。如绘画中的线条、色彩；音乐中的音调、旋律；诗歌中的文字；舞蹈中的舞姿、
依托材料的选择和三大类胶的准备 首先，根据创作需求和依托材料质地的软硬来选择不同的准备方式。 化学合成胶制作依托材料 化学合成胶基本上分为两大体系：乙烯和丙烯，这是两种白色的液态粘合剂，也称乳液。在法国大约有二十几种选择的可能性，它的性能各异，成分复杂。化学合成胶的性质分为两类：一类是胶性，另一类是粘合剂类。在绘画中需要的合成胶的性质属于粘合剂类，特点是无色透明、柔软，可形成有韧性的薄膜而不被溶解。注意：切勿使用胶类性质的合成胶，这类材料有很强的渗透力而不能形成有韧性的薄膜，对画面具有破坏性。还有一类介乎乙烯和丙烯之间的乳液，音译为：卡巴洛尔，卡巴布莱斯二种（其中卡巴洛尔可用聚醋酸乙烯乳液即乳白胶替代）。这两种材料是20世纪可用于绘画中的最佳材料。其特点是透明无色、柔软和坚固、有光泽、有相当的抗光性。卡巴洛尔较稠，最多可溶8倍水，可与纤维素胶合用，结实牢固，是做依托材料和调色的理想材料。卡巴布莱斯较稀，可溶4倍水，可替代光油使用，也可用于水彩画。 画布涂料剂的配制：西班牙白粉1份+钛白粉1份+水1份（可根据需要量多少加）混合搅拌均匀，再加卡巴洛尔1份，充分搅拌匀即可使用。西班牙白粉可用大白粉替代。 A．画布制作底子的步骤： （1）卡巴洛尔1份+6倍水搅匀，用宽笔与画布成45°度角刷匀画布第一层； （2）待第一层干透，再用画布涂料剂刷第二层或第三层。涂料剂最多刷两层。注意，刷每层时如有胶液渗透到画布的背面，马上用海绵吸掉或用调色刀刮掉，使只不影响画布正面的伸缩。 B．木板上制作底子的步骤： （1）卡巴洛尔1份+6倍水搅匀后在板的正反面同时各刷一层； （2）待第一层干透，在板的正面刷5层涂料剂，背面刷3层涂料剂。注意，每层都须干透后才可刷下一层。两面刷胶的目的是防止木板变（弓）形。 C．纸上作画的准备： 画纸是按重量区分的，从30g到300g纸型不等。只刷一层卡巴洛尔即可作画，也可以只刷一层涂料剂就作画。卡巴洛尔具有抗油性，涂料剂属于半吸油性，可根据作画需要和用纸张的薄厚来选择方法。动物胶制作依托材料 动物胶种类主要有皮胶，骨胶，鱼鳔胶等。中国的明胶实际上是精练的皮胶。中国，日皮的皮胶质量比法国的要好。动物胶的主要成分是蛋白质，胶里含有色素，其颜色成分有可能影响画面。选用动物