从中国古代服饰的演变看人们对形式美的追寻
审美活动是人类的一种超越了物质性需求的精神活动，是为人的精神行生命需要而产生，存在的，它是人类文明发展的重要方面。
服饰是人类生活要素和人类文明的重要组成部分，它满足人们物质生活的需要，并代表这一定时期的文化。服饰的款式设计，面料选用，颜色组合等，均记录着特定时期的生产力水平和社会状况，反映着人们审美观念。
中国古代服饰的发展是与社会经济，政治，科学，文化的发展密切联系的，并且与历代的社会制度，意识形态的的变化有直接的联系。在等级制度森严的中国古代社会，中国古代服饰的审美思想具有强烈的象征性，无论色彩，造型还是质地，款式，贫富贵贱之间都有严格的规定。因此，在中国古代的不同时期，古人们的审美思想，在服装的色彩，质地，款式的选择上都有不同的偏好。
一、色彩：
中国是个有着悠久等级制度传统的国家，儒家特别讲究社会角度的准确定位，他们制定出一套等级制度文化符号系统，其中就包括服饰。什么等级穿什么衣服，都有严格规定。《周易。系辞》中说：“皇帝，尧，舜垂衣裳而天下治”，墨子也说楚庄王“绛衣薄袍，以治其国”。明代宋应星的《天工开物》可以说是我国最早的对古代科技总结性的著作之一，其中也认为：“盖人物相丽，贵贱有章”，他们都强调服饰衣着首先应从贵贱等级来区分。在服装的“章服制度”中最能体现等级之分的就要算颜色了。
在我国漫长的封建社会里，颜色迷信始终是一种非常突出的文化现象。它主要受“五行”学说的影响，由金、木、水、火、土而为五方正色——青、黄、赤、白、黑。
从文献记载可知，西周至春秋时期，人们已经产生了用服装颜色区分尊卑的观念。周代的礼乐制度确立以后，颜色用以区分等级的功能日益增强，其使用反胃注意是奴隶主贵族的车马服饰。服色以赤，玄二色为尊。《诗经·曹风·侯人》：“彼其之子，三白赤（）。”毛传：“大夫以上，赤（）乘轩。”《论语·乡党》：“红、紫不以为亵服。”在那时，大红色为“朱”，是很贵重的颜色，“红”和“紫”同属此类。除赤色以外，玄色也被周人视为贵色，吉色，贵族常用黑色衣料来制礼服，于祭祀，婚礼，冠礼等庄重场合穿着。
秦汉魏晋南北朝时，封建制度已经确立，门阀制度也相当盛行，颜色的等差变化随之进一步展开，用颜色区别社会等级在此时已经成为一种必不可少的手段。虽然如此，在当时这种制度也还不够严格，尊卑混用的现象时有所见。区分官员职位高低的是他随身佩戴的印绶的颜色。印绶是由不同的颜色和绪头多少来分别等级，和官印一块由朝廷颁发，通称“印绶”，死后交还。当时绶带的颜色成了社会身份、官职高低的最鲜明标志，这在先秦是不曾有过的事情。据《汉书·百官公卿表》记载，相国、太尉、大司马、大司空、太师、太傅及前后左右将军，“皆金印紫绶”；秩比二千石以上的高官“皆银印青绶”；《后汉书·舆服制》记载东汉帝王官员印绶的等级颜色说：“乘輿（皇帝）黄赤绶”，“诸侯王赤绶”“诸侯贵人，相国皆绿绶”，“公侯将军紫绶”，“九卿，中二千石、二千石青绶，”“千石，六百石黑绶”，“四百石，三百石，二百石黄绶”。
隋唐以后，服色等级制度高度强化，服裳颜色形成了一个严格的等级序列，哪一种身份的人穿着哪一种颜色的服裳，皆有定制，不得错乱。这也就是我们所熟知的“品色服”制度。公卿高官衣着朱紫，荣宠显赫；工商、皂隶，屠沽，贩夫身穿白衣，寒酸卑贱，无异于囚徒穿上囚衣。至隋朝，不同品级的官员之间，服色被严格区别开，规定五品以上的官员可以穿紫袍，六品以下的官员分别用红、绿两色，小吏用青色，平民用白色，而屠夫与商人只能用黑色，士兵穿黄色衣袍，任何等级都不得使用其他等级的服装颜色。到唐朝武德年间，服饰礼仪沿袭隋制，但有所创新，规定亲王及三品以上“色用紫”，四品、五品
“色用朱”，六品、七品“服用绿”，八品，九品“服用青”，流外官、庶人、部曲、奴婢“色用黄、白”。上元元年，高宗又“（）文武官三品以上服紫，金玉带；四品深绯，五品浅绯，并金带;六品深绿，七品浅绿，并银带；八品深青，九品浅青，石带；庶人服黄，铜铁带”。这一规定及其详细，使九品之官肤色各异，所有社会成员的等级身份，大小官员的品级秩序都显示得清清楚楚，从此正式形成由黄、紫、朱、绿、青、黑、白七色构成的颜色序列，成为封建结构的等级标志。
北宋时期，官员的品色服因袭唐制。宋初规定三品以上的官员服紫，三品至五品的官员服朱，六品至七品的官员服绿，八品至九品的官员服青。宋神宗元丰年后，更改为四品以上的服紫，六品以上服红，七品至九品服绿。到南宋，服色的等级界限被冲垮，百官公服尽着紫窄衫。且无品秩之限。辽、金、元各朝因为游牧民族称制，服色风尚为之大变以为，其他各朝代都将这种颜色的等级妙用一直延续下来，并加以严格遵行。
从古代各朝对颜色的运用可以看出，她既体现出了当时统治阶级的绝对权威，从不同的等级穿不同颜色的衣服，既体现出了秩序，也体现出了当时人们的审美思想。
二、质地：
审美活动往往与各个时期的社会政治，经济，技术有关。在中国古代的各个时期，人们的审美活动，是与当时的社会政治生活，经济技术息息相关的。由于由于社会政治，经济技术的发展，人们用于纺织衣物的用料选择越来越多，也体现出了当时人们对美的追寻。
养蚕，缫丝，织绸，是中国先民对服装发展所做出的世界性贡献。中国先民利用蚕丝纺织衣料，距今已有近5000年的历史。
在原始社会，原始足装的形成，最初是用以防寒及减轻行走时的阻磨，以兽皮裹足为原始状，据史载，皇帝时代创舟形鞋履，有皮制及草，麻编织之别。
夏商时期，中国古代服饰在原始社会基础上有了初步发展。这一时期农业生产因金属工具的应用更加兴盛。同时，畜牧业，手工业及染织业也达到了新的水平。在甲骨文中，已出现有“桑”、“丝”“蚕”、“帛”等字样，又从出土的商代文物上存有雷纹的绢痕和丝织物残片等，可知商代衣服材料主要是皮、革、丝、麻，由于纺织技术的进展，丝麻织物已占重要地位。
周代的社会经济在殷商的基础上，又有了长足的发展。作为物质生产领域的纺织业，育蚕，种麻、菜葛、纺绩、练漂、染色以及服装制作等分工愈加繁细。由于纺织技术的提高，服装材料除麻葛织物及罗、帛、纱、绫、绢、绮、纨等丝质物外，又出现了锦的品种。锦字从“金”部，与帛组合，可知其制技繁难，起价如金。
汉代巩固了统一的中央政权，经济迅速发展，中国封建社会进入了强盛时期。汉代的纺织技术已达到较高的水平，春秋战国时出现的缫车，纺车及脚踏斜织机已被广泛运用，使纺织品的产量，品种不断增加。西北地区的毛纺产品也进入了中原，作为衣帽及地毯等用。
魏晋南北朝时期，由于虽然占轮频繁，但动荡中的纺织业仍有一定程度的提高，织锦业除传统的中原、齐鲁地区外，在四川及江南等地迅速发展，丝，麻，毛纺织品种较汉代更加繁多。棉纺织品也从新疆、华南等地继续输至中原，被称为“白叠布”，并视作珍品用于服饰。至隋唐，中国南北重新统一，社会安定，百业旺达，与外域各国的交流日益频繁，社会经济文化呈鼎盛之势。于此相适，这一时期的纺织业也得到了迅速的发展。缫丝技术有所改善。丝麻生产几乎遍及全中国，著名产地及品种有剑南，河北的绫罗，江南的纱，彭越二州的缎，宋豪二州的绢，润州的绫，益州的锦等。唐代丝织品纹样壮丽秀美，色彩明艳，有独特的盛唐风格。当时已流行印染技术，如拓印等，另外媒染剂的开发和利用，促进了印染技术的提高。到北宋时期，社会相对稳定，促进了农业，手工业的发展，都市汴梁繁盛一时。两宋时期，纺织业又有了长足的进步，气产量，品种大幅度提高，织
锦进入全盛时期，苏州的“宋锦”，南京的“云锦”及四川的“蜀锦”都闻名遐迩。那时的丝织品在继承唐代的基础上，精益求精，并且一改唐代奔放华丽的特点，而代之以秀雅纤细的风格。在宋代以前人们多崇尚轻、柔、薄的织物，而宋代则渐崇尚厚实，爱好规矩的纹饰。
到元代，棉纺业从种植到织造迅速在内地普及，棉织物的数量及品种不断增加，同时丝织物的加金技术，在唐宋趋于成熟的基础上，又有新的提高，织金锦缎用于服饰也较于流行。形成统治阶级穿着织金服饰的奢靡之风。明代的纺织业，在社会经济普遍发展的基础上，工艺技术又有新的提高，生产规模也不断扩大。纺织物的品种及花纹色彩更加丰富，传统的吉庆祥瑞图样，刺绣工艺均有较突出的表现。这一时期，除丝、麻、毛纺织品仍被普遍应用外，棉织品在棉纺业迅速发展的基础上，已开始成为服装的主要质料。至清代，随着经济技术的发展和各民族文化及中西文化的交流，纺织业欣欣向荣，技术上精巧成熟，花色品种繁多，艺术上，早期继承明代风格，中期吸收欧美艺术的的精华并有所创新，晚期追求细巧繁缛的装饰手法，并形成风尚。
从各个朝代的政治经济与社会生活的发展，对当时的纺织技术的发展具有较大的影响。由于纺织技术的提高，用于服装的质料也有了更多的选择，装饰人们的衣服的质料也就花样繁多，更主要的是体现出了各个朝代对审美的不同追寻。
三、款式：
追求美是人的天性，衣冠于人，如金装在佛，其作用不仅在遮身暖体，更具有美化的功能。几乎是从服饰起源的那天起，人们已将其生活习俗，审美情趣，色彩爱好，以及种种文化心态，宗教观念，都沉淀于服饰之中，构筑成了服饰精神文明内涵。
中国古代何时出现具有基本形制的服装，目前尚无详确的实物可考，但从古代文献及出土的陶器人形图样推断，传说中皇帝时代，是服装形制的发端。随着服装形制的初具，其质料也逐渐完成了以纺织品替代兽皮的过渡。当时的服装，由上下分式的衣裳组成，初步形制为：上身着缝制袖筒，前开式的衣装，下体围遮障，防护性器官的裙裳。上衣下裳形制是中国古代最早的服装款式。
商代的衣形，主要由衣领，衣衽，衣袖，衣带组成。奴隶主贵族穿着的上衣、领、袖、下裙等部位均施以镶边工艺，已获得增固及美观的效果。
秦汉时期，男子除深衣外，以穿着袍服为尊。袍为有衬里或加絮的长衣。其形制以宽衣宽袖为多，一般袖口收缩紧窄，领以袒式为主，领袖等部位镶花边装饰。汉代的服饰，最初与民无禁。男女服装，仍沿袭深衣形式，不论单，绵，多是上衣和下裳分裁合缝连为一体，上下依旧不通缝，不通幅；外衣里面都有中衣及内衣，其领袖缘一并显露在外，成为定型化套装。汉朝的衣服，主要有袍，（）（直身的单衣）、襦（短衣）、裙。汉代因为织绣工业很发达，所以有钱人家就可以穿绫罗绸缎漂亮的衣服。一般人家穿的是短衣长裤，贫穷人家穿的是短褐（粗布做的短衣）。汉朝的妇女穿着有衣裙两件式，也有长袍，裙子的样式也多了，最出名的是“留仙裙”。
魏晋南北朝以来，由于北方各族入主中原，将北方民族的服饰带到这一地区。同时大量民族服饰文化也影响和同化了北方民族的服饰。妇女的日常衣服仍以上身着襦，衫，下身穿裙子。襦、裙也可作为礼服只内的衬衣衫。
隋唐时期，中国由分裂而统一，由战乱而稳定，经济文化繁荣，服饰的发展无论衣料还是衣式，都呈现出一派空前灿烂的景象。隋唐时妇女的日常服饰是衫、袄、裙，多见是上身着襦、袄、衫，而下身束裙子。裙子以红色最流行，其次是紫，黄，绿色。妇女的日常服饰名目繁多，有如袄、衫、袍、腰巾、抹胸、裙、裤、膝裤、袜、鞋靴等。隋唐时期最时兴的女子衣着是襦裙，襦裙是唐代妇女的主要服式。在隋代及唐初，妇女的短襦都用小袖，下着紧身长裙，裙腰高束，并以丝带系扎，给人一种俏丽修长的感觉。隋唐女子好
打扮，从宫廷传开的“半臂”，有对襟、套头、翻领或无领样式，袖长及肘，身长及腰，以小带子当胸结住。因领口宽大，穿时坦露上胸，半臂历久不衰，后来男子也有这样穿着的。当时还流行长巾子，是用银华或金银粉绘花的薄纱罗制作，一端固定在半臂的胸带上，在披搭肩上，旋绕于手臂间，名曰披帛。
宋代服饰大致有官府，便服、遗老服等三式。宋朝的男装大体上沿袭唐朝样式，一般百姓多穿交领或圆领的长袍，做事的时候就把衣服往上塞在腰带上，衣服是黑白两种颜色。宋代的女装是上身穿窄袖短衣，下身穿长裙，通常在上衣外面在穿一件对襟的长袖小褙子，很像现在的背心，褙子的领口和前襟，都绣上漂亮的花边。宋代妇女的穿着与汉代妇女相似，都是瘦长，窄袖，交领，下穿各式长裙，颜色淡雅。
元代是蒙古人近关统治中原的时代。其服饰既袭汉制，又推行其本族制度。当时的妇女服饰，富贵者多以貂鼠为衣，带皮帽。一般则用羊皮等做衣冠材料。当时的袍式宽大而长，常作礼服之用。元末，因贵族人家以高丽男女的装束为美，又流行起衣服，靴，帽仿高丽样式。元代衣服与周代近似，衣袖较紧、窄，下身较短，衣长至膝下，造型像百褶裙。“比肩”“比甲”也是常服。
明清时期，明代以汉族传统服装为主体，清代则以满族服装为主流。明代男子的服装一般有，罩甲，袍服等式。罩甲为一种衣长至膝的背心式外罩服装。有对襟与大襟两式，一般士庶及杂役等只准穿大襟式，对襟衣式则为官宦等穿着。这一时期的袍服，外形与唐宋形式大体无异。为文人学士及庶民百姓的主要服装，袍的服色因禁黄、紫、以青、黑色为主。明代贵族妇女的服饰，也沿袭唐宋传统，分为礼服及常服两类，衣式繁细而谨严。大袖衫为帝王后妃的主要服装，特点为袖形宽博，有盘领及对襟等式，以对襟衣式为多，服色以衣服为贵。在其重要的礼仪场合，大袖衫配以凤冠，霞帔穿着。衫，袄、襦与掩足长裙配套穿着，仍为明代妇女的主要装束。明代妇女穿着裤装已不多见，裙装以传统的多幅裁制，腰间折褶装饰为主要形式。贵族妇女裙装的色彩绣纹丰富富贵，民庶妇女则以淡雅为主。这一时期妇女的领襟等处已开始用扣系结，而扣式的出现，摆脱了中国服饰哟个带束系的传统，应用于女装之中，更增添了女性端丽，纤巧的风韵。清代服制中的衣式以袍服为主，应用广泛。清代一般男子的服饰有袍衫、马褂、马甲、裤装及各类便帽、鞋靴等。袍衫为长筒式、右衽大襟，下开叉，冬季夹袍内纳以棉絮御寒。在袍衫外，一般多加罩马褂或马甲。马褂为短褂式上衣，长仅至脐、部，衣袖形分为氏、短、宽、窄等式。襟有大襟，对襟，缺襟，琵琶襟之别，多为圆领或立领，质料因不同季节有绸缎、呢、皮毛等，一般多用天青，深红，酱紫，深灰等色。满族妇女的典型服装为衣裳连属的旗人长袍，即旗袍。清代旗袍呈筒形轮廓，清初较为宽博，以后趋于合体，袖长至腕，袍长至足，袍身两侧常开衩，合锁右衽，领高时有变化，无领时戴一条长领巾做装饰。满族妇女常在旗袍外加坎肩。坎肩的样式有对襟，大襟，一字襟，琵琶襟及斜而直下襟等，坎肩的交襟处及边缘多镶绣觉阔繁缛的边饰。
什么是形式美法则 形式美的法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和多样统一。 形式美的法则在美的创造中的意义有： 1、研究、探索形式美的法则，能够培养我们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。 2、掌握形式美的法则，能够使我们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。 运用形式美的法则应注意： 3、运用形式美的法则进行创造时，首先要透彻领会不同形式美的法则的特定表现功能和审美意义，明确欲求的形式效果，之后再根据需要正确选择适用的形式法则，从而构成适合需要的形式美。 4、式美的法则不是凝固不变的，随着美的事物的发展，形式美的法则也在不端发展，因此，在美的创造中，既要遵循形式美的法则，又不能犯教条主义的错误，生搬硬套某一种形式美法则，而要根据内容的不同，灵活运用形式美法则，在形式美中体现创造性特点。 探讨形式美的法则，是所有设计学科共通的课题，那么，它的意义何在呢?在日常生活中，美是每一个人追求的精神享受。当你接触任何一件有存在价值的事物时，它必定具备合乎逻辑的内容和形式。在现实生活中，由于人们所处经济地位、文化素质、思想习俗、生活理想、价值观念等不同而具有不同的审美观念。然而单从形式条件来评价某一事物或某一视觉形象时，对于美或丑的感觉在大多数人中间存在着一种基本相通的共识。 在西方自古希腊时代就有一些学者与艺术家提出了美的形式法则的理论，时至今日，形式美法则已经成为现代设计的理论基础知识。在设计构图的实践上，更具有它的重要性。 形式美法则主要有以下几条： 和谐 宇宙万物，尽管形态千变万化，但它们都各按照一定的规律而存在，大到日月运行、星球活动，小到原子结构的组成和运动，都有各自的规律。爱因斯坦指出：宇宙本身就是和谐的。和谐的广义解释是：判断两种以上的要素，或部分与部分的相互关系时，各部分所给我们的感受和意识是一种整体协调的关系。和谐的狭义解释是统一与对比两者之间不是乏味单调或杂乱无章。单独的一种颜色、单独的一根线条无所谓和谐，几种要素具有基本的共通性和溶合性才称为和谐。比如一组协调的色块，一些排列有序的近似图形等。和谐的组合也保持部分的差异性，但当差异
中国古代服饰得变迁 服饰就是人类特有得文化现象。中华民族得服饰文化就是一个具有悠久历史﹑丰富积淀﹑绚丽多彩得艺术宝库。中国服饰文化就是中国文化得重要组成部分,就是华夏先民得以生存得条件之一,在人类发展得历史长河中同样占有重要地位。中国曾经就是享誉世界得衣冠大国,在漫长而浩瀚无垠得世界服饰文化长河中,它也曾经辉煌过,它所闪亮得光辉,曾经照亮自己,也照亮世界,因此,中国古代服饰得变迁就是中国古代历史不可或缺得重要一页。 遥远得古代,人类穴居野处,过着原始生活。那时,人们只知道用树叶草葛遮挡烈日,防止虫蛇得啃咬,风雨得侵袭,保护身体。或者就是为了猎获野兽,把自己伪装成猎物得模样,提高狩猎效果。 约在五六千年前,中国原始社会得母系氏族步入繁荣阶段,原始得农业与手工业开始形成。麻衣得出现就是人类发展史上一个崭新得开端,也就是人类社会进步得一个重要标志。中国发明饲养蚕与纺织丝绸就是相当早得。到了殷商时期,人们已熟练掌握了丝织技术。
进入阶级社会以后,我国服饰同社会得经济基础﹑政治制度﹑思想意识﹑风尚习俗﹑审美观念等得关系越来越密切。它得发展与变迁,总要受到各种社会条件得影响与制约。 中国得冠服制度,大约在夏商时期初步确立,至周代趋于完善。夏商周时期,冠服制度已成为体现统治阶级意志﹑分别等级尊卑得东西,标志着权力与等级得冕服与官服以及各种饰品逐渐成为服饰发展得主流。到了春秋战国时期,冠服制度进一步纳入“礼治”范围,成为礼仪得表现形式,充分反映着封建得等级制度。 战国时期,穿着胡服一时相沿成风,以致形成中国古代服饰史上第一次得大变革。秦统一中国后,建立个各项制度,其中包括衣冠制度。汉代秦之初,大体上沿袭了秦制,但现成了佩绶制度。
形式设计美学的基本规律是什么 所谓规律就是带有普遍意义的知道原则，是放之四海而咸宜动。它具有哲学意义，或者我们可以称之为设计 哲学。对所有应用设计都具有指导意义。当然产业设计也不例外。 众所周知，哲学的辨证唯物主义熟悉论以为：对立的同一规律是人类社会和自然界一切事物的基本规律，它同 样适用于形式设计。但是形式设计不能原封不动的套用这个规律它具有自身的个性和特点。从形式美学角度出 发，相当于一般哲学而言，它的范围是有限的，没有一般哲学那样的广阔领域，同时它的研究对象的形态是静 止的，不比一般哲学那样无所不在和丰富多彩。因此它主要任务是研究静态形式下的各造型形式要素间的既有 区别又有联系的相互关系上面。即形式的对立表现在形式要素间的区别之中；而形式间的同一则表 现在形式间的联系之中。进一步说 , 即形式间的对立表现在形式间的相异关系中；形式间的同一则表现在形式 间的相同或相似的关系中。同时，在这个关系中，形式中的相异是尽对的，无条件的，（由于客观上形式诸 要素就是多样和相异的），而形式诸要素之间的同一则是需要一定条件的，因此，如何使形式中诸要素成为 同一关系，就成为研究形式设计的主要题目了。 综上所述，概括地讲，形式设计的基本规律就是：形式诸要素间有机的异同整合。所谓有机，即要求形式设 计的构成必须有明晰的体系；同时要具有各构成要素间的异同关系。再进一步说 , 形式设计整合各形式要素间 的异同关系 . 可以说 , 构成完美形式设计的过程和手段就是靠这个办法实现的 .( 参看图例分析 ) 形式设计有哪些原则 ? 形式设计规律是指导总体设计的纲领 , 而设计原则是指设计过程的具体要领，他们之间是“纲目关系” , “纲举目张“这个“目”就是形式设计中必须遵守的三原则。 一、整体构想原则 当选定构成形式主题时，首先要思考的就是宏观形式构成结构，且不可掉进对部分和细部的爱好和偏爱中往， 时时处处都必须念念不忘整体的设计观念。忽视整构想的主要倾向是设计的盲目性。往往是对某些局部感爱 好，以至越陷越深，喧宾夺主。另一中倾向就是在设计过程中对有些局部设计的“靓点”与整体关系相背离 也舍不得割爱，这种习惯是最不应该要的。可以这样讲，任何设计只要整体把握好了，基本上就可以打70 分了，相反地，尽管你的局部乃至细部做的都很好，但与整体相对立这个设计最多能打 50 分。因此说整体构想原则是形式设计中必须牢记的重中之重。（图 1） 图 1 整体、局部、细部、关系简图 二、相反相成的原则 以往在说到形式美法则时，常称之为“同一而有变化”实在这种提法是不正确的。由于所谓变化并未反映哲 学上的对立同一中的对立概念，由于变化只是个量的概念，并未反映变化到什么程度，即没有反映质的转化。
中国古代服饰的变迁 服饰就是人类特有的文化现象。中华民族的服饰文化就是一个具有悠久历史﹑丰富积淀﹑绚丽多彩的艺术宝库。中国服饰文化就是中国文化的重要组成部分,就是华夏先民得以生存的条件之一,在人类发展的历史长河中同样占有重要地位。中国曾经就是享誉世界的衣冠大国,在漫长而浩瀚无垠的世界服饰文化长河中,它也曾经辉煌过,它所闪亮的光辉,曾经照亮自己,也照亮世界,因此,中国古代服饰的变迁就是中国古代历史不可或缺的重要一页。 遥远的古代,人类穴居野处,过着原始生活。那时,人们只知道用树叶草葛遮挡烈日,防止虫蛇的啃咬,风雨的侵袭,保护身体。或者就是为了猎获野兽,把自己伪装成猎物的模样,提高狩猎效果。 约在五六千年前,中国原始社会的母系氏族步入繁荣阶段,原始的农业与手工业开始形成。麻衣的出现就是人类发展史上一个崭新的开端,也就是人类社会进步的一个重要标志。中国发明饲养蚕与纺织丝绸就是相当早的。到了殷商时期,人们已熟练掌握了丝织技术。
进入阶级社会以后,我国服饰同社会的经济基础﹑政治制度﹑思想意识﹑风尚习俗﹑审美观念等的关系越来越密切。它的发展与变迁,总要受到各种社会条件的影响与制约。 中国的冠服制度,大约在夏商时期初步确立,至周代趋于完善。夏商周时期,冠服制度已成为体现统治阶级意志﹑分别等级尊卑的东西,标志着权力与等级的冕服与官服以及各种饰品逐渐成为服饰发展的主流。到了春秋战国时期,冠服制度进一步纳入“礼治”范围,成为礼仪的表现形式,充分反映着封建的等级制度。 战国时期,穿着胡服一时相沿成风,以致形成中国古代服饰史上第一次的大变革。秦统一中国后,建立个各项制度,其中包括衣冠制度。汉代秦之初,大体上沿袭了秦制,但现成了佩绶制度。
形式美法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和多样统一。研究、探索形式美的法则，能够培养人们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。掌握形式美的法则，能够使人们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。 美学分割又称黄金分割，最早见于古希腊和古埃及。黄金分割又称黄金率、中外比，即把一根线段分为长短不等的a、b两段，使其中长线段的比（即a+b）等于短线段b对长线段a的比，列式即为a：（a+b）=b：a，其比值为0.6180339……这种比例在造型上比较悦目，因此，0.618又被称为黄金分割率。 黄金分割长方形的本身是由一个正方形和一个黄金分割的长方形组成，可以将这两个基本形状进行无限的分割。由于它自身的比例能对人的视觉产生适度的刺激，他的长短比例正好符合人的视觉习惯，因此，使人感到悦目。黄金分割被广泛地应用于建筑、设计、绘画等各方面。 在摄影技术的发展过程中，曾不同程度地借鉴并融汇了其他艺术门类的精华，黄金分割也因此成为摄影构图中最神圣的观念。应用在美学上最简单的方法就是按照黄金分割率0.618排列出数列2、3、5、8、13、21……并由此可得出2：3、3：5、5：8、8：13、13：21等无数组数的比，这些数的比值均为0.618的近似值，这些比值主要适用于：画面长宽比的确定（如135相机的底片幅面24mmX36mm就是由黄金比得来的）、地平线位置的选择、光影色调的分配、画面空间的分割以及画面视觉中心的确立。摄影构图通常运用的三分法（又称井字形分割法）就是黄金分割的演变，把上方形画面的长、宽各分成三等分，整个画面承井字形分割，井字形分割的交叉点便是画面主体（视觉中心）的最佳位置，是最容易诱导人们视觉兴趣的视觉美点。 形式美是一种具有相对独立性的审美对象。它与美的形式之间有质的区别。美的形式是体现合规律性、合目的性的本质内容的那种自由的感性形式，也就是显示人的本质力量的感性形式。形式美与美的形式之间的重大区别表现在：首先，它们所体现的内容不同。美的形式所体现的是它所表现的那种事物本身的美的内容，是确定的、个别的、特定的、具体的，并且美的形式与其内容的关系是对立统一，不可分离的。而形式美则不然，形式美所体现的是形式本身所包容的内容，它与美的形式所要表现的那种事物美的内容是相脱离的，而单独呈现出形式所蕴有的朦胧、宽泛的意味。其次，形式美和美的形式存在方式不同。美的形式是美的有机统一体不可缺少的组成部分，是美的感性外观形态，而不是独立的审美对象。形式美是独立存在的审美对象，具有独立的审美特性。
美术鉴赏——对美的认识 在姹紫嫣红的春日，去领略繁花似锦的美景；在苍翠葱郁的夏日，去游览如画般的山水；在硕果丰收的秋日，去捕捉丰收的喜悦，去拾得满地金黄；在银装素裹的冬日，去感受大自然的静谧，领悟不尽的神奇……这都是人们对美的认识的表现。美的认识在本质上是一种感性与理性统一复杂的心理活动，具体地说，美的认识是审美主体在对审美客体进行的感受、体验、鉴别、领悟、评判和再创造的过程中，得到的悦耳悦目，悦心悦意，悦志悦神的审美享受。而高雅健康的审美享受又总是和道理情操等方面的审美教育有机结合的。 美的本质问题提出至今已有二千多年，经历了曲折的发展历程。传统美学主要回答了“美是什么”。马克思主义美学提出“美是人本质力量的对象化”这一美本质命题，对传统美学进行了总结。然而这一命题方式本身的缺陷使传统美学面临危机。当代分析美学应运而生，对传统美学进行消解，彻底否定了美本质。分析美学一方面解决了传统美学的危机，另一方面又否定了美学，使美学有走向灭亡的危险。美学研究只有站在历史唯物主义和辩证唯物主义的哲学、美学高度，以马克思主义美学为指导，同时吸纳各美学流派的积极方法和研究成果，才能使美本质研究取得实质性进展。 一、美是人的本质力量的对象化。 传统美学美本质研究滥觞于柏拉图，只是把美本质抽象地、机械地揭示了马克思主义站在历史唯物主义和辩证唯物主义的高度，对传统哲学进行了扬弃，批判地继承并发展、改造了唯心主义和旧唯物主义的哲学思想，创造了科学的、辩证的、历史的、唯物的马克思主义哲学。马克思主义美学就建立在这一哲学思想之上。马克思主义美学从人类的物质实践中把握意识与存在、精神和物质的相互转化关系，从人、人的本质中把握美和美的本质，从人的类本质、类命运中看待美和美的本质，为全面深刻地把握美的本质提供了理论指导和方法，使美本质研究视野进一步开阔，取得了前所未有的研究成果。 传统美学正是基于这样一种哲学观念所界定的先验的美作为衡量艺术的标准，因此在艺术发展多元化的今天面临着其自身形态无法解决的契机。以维特根斯坦为首的分析美学从其分析哲学出发，认为当代西方美学所面临的危机，用现存的美学方法和观念根本无法解决，只有跳出传统美学的思维定势，打破传统美
论中西绘画媒介异同对审美影响摘要；中西方的绘画媒介的异同导致人们对其审美观念不同，西方人考虑问题理性的因素比较多，而中国人考虑问题以人的思想知道比较多，所以西方人在绘画媒介上追求贴近生活和大自然。而中国画以水墨媒介，强调的是意境，是画家意识中的东西。 关键词；媒介，油画，水墨，色彩，审美。 什么是绘画媒介? “艺术媒介是构建意象物态化产品的感性形式的要素材料，已经是心灵化了的东西。”①从这个角度来理解，绘画媒介包括两层含义：一是绘画媒介是绘画作品的感性形式的要素材料，包括创作作品的材料、作品的构图、色彩与线条等形式要素的组合；二是绘画媒介是一种艺术符号，它是熔铸了画家精神与情感的艺术传达的载体，因此，对绘画媒介的选择体现了画家的特质与画风。不同的媒介对绘画形式上所产生的审美也是不同的。 西方的绘画媒介一水彩（粉），油画颜料为主。
水彩画是以水调和了水彩颜料绘制成的画作。水彩颜料一般都很透明，用胶水调制而成。水彩画主要是借助水来表现色调浓淡和透明度，利用质地结实、吸水性适中的画纸和水彩颜料的掩映和渗融的作用，体现一种透明、明丽、轻盈、滋润和淋漓的艺术效果。绘画历史上比较著名的水彩画家有泰纳、康斯泰勃尔等，这些以水彩为媒介的绘画，给人以清新，自然的感觉，感觉世界非常的柔和，舒适，真实，生活在这然的环境下是莫大的幸福。其实油画媒介给人的感觉也是差不多的，厚重，真实，能表现出实实在在的东西。中国的水墨，飘逸，流畅，由画出诗，由诗而画，中国古代的文人墨客，以画来抒发自己心中不畅或者是仕途不顺，借画抒情，都是以意而画，由请而画。英国美学家鲍山葵在《美学三讲》中谈到：艺术家的“受魅惑的想象就生活在他的媒介的能力里，他靠媒介来思索，来感受。媒介是他审美想象的特殊身体，而他的审美想象则是媒介的唯一特殊灵魂。”事实上，对于一个艺术家而言，他首先打交道的就是物质材料，每一种艺术都有它特殊的物质材料。在不同的时代，因其技术的不断进步，人们可能使用完全不同的材料。艺术家对待物质材料的态度与一个普通人是不太一样的。他注重的不是物质的功能方面，而是它的审美方面，他认识的研究各种物质材料的性能，目的是从中提取适合作审美表现或艺术表现的媒介。在其“具象”的艺术作品中，构成其作品的物质材料性质
人体美的概念和形式美法则 形式美法则 ●人体美天然地汇集了所有形式美的法则，诸如对称、 匀称、均衡、节奏、和谐、整体、多样性统一等形式美的法则。 ●黄金分割定理：是由古希腊毕达哥拉斯学派所发现， 从数学关系去探讨美的规律，并认为美就是和谐与比例，按照这种比例关系就可以组成美的图案，1.618:1或近似等于8:5的关系. 在人体以肚脐为分割下半部与上半部的比例关系，恰是8：5的关系； ●早在5世纪. Leonardo De Vince就把颅面部横分成 二等分 ●上半部是从颅顶到鼻根部，下半部从鼻根部到下颏 部，这两部分的高度应该相等， ●两眼之间的距离为一个眼的宽度， ●鼻翼的两外侧缘不超过两内眦的垂直线。 ●口角的两侧缘恰好在两角膜内侧缘的垂直线上， ●面部正面可纵行分为四等分 从面部中线和其左右通过虹膜外侧缘及面部外侧角做垂线纵向分割成四个相等的部分 也有人将面部做五眼分法，即在眼睛水平线上，左右耳孔之间的距离正好等于五个眼的宽度. ●右边的牙齿咀嚼，因此右半边的咀嚼肌和下巴骨发 达，给人以健壮的感受。相比之下，左半脸给人以匀称和温柔感，流露着爱情和体贴。 ●由于左脑掌管思维和语言，支配人体右半侧 ●右脑掌管感情和视觉，支配人体左半侧，所以，多数 人左半脸表情机敏。从而使得左半脸更富丰富的表情 ●Leonardo认为八头身（即身长是头高的8倍）的身 材，且以两侧髂骨最高点连线将身体分为上下相等的两段才是健康男女青年理想的身材. ●测角学说、常用以鼻尖点和颏下点的直线为基准，这 条线可以用来观察嘴唇的突出度 ●鼻尖唇-颏下点基本为一直线时，被认为是美人的标 志之一。 美学新标准 ●对脸部也做了精确的数学分析。美国心理学家卡尼如 默经过研究，提出了下列6条通用标准： 1、眼宽为脸宽的3/10； 2、下颏长度是脸长的1/5； 3、眼中心至眉毛的距离是脸长的1/10； 4、正面可见的眼球纵向长度是脸长的1/14； 5、鼻子所占面积应为整个脸部面积的5%以下； 6、嘴的宽度应是嘴部脸宽的50%。 ●眉毛的外侧缘向上外微微翘起才显得年轻、有朝气， 否则就毫无生气.在平视时上睑缘与瞳孔上缘齐平， 下脸缘则与角膜下缘齐平，但是对于老年人则不适 宜. ●人体是这世界上最杰出的艺术品，从面部到身体都遵 循黄金分割率。以人的面部来说 ●脸的宽度和长度比值为0.618时，为最完美的脸型； ●上身长和下身长的比值为0.618时，是最协调的身 材。 ●我们的牙齿、耳朵、宽度和长度的比值也都近似 0.618。 ●在人体内， ● 1.消化道长9米，乘以0.618后正好为5.5米， 是承担消化吸收任务的小肠的长度。美国牙科学博士 杰弗逊表示：“这个比例不仅仅关乎审美，也关乎健 康。” ● 2.面部过长的人普遍容易有呼吸方面的问题，因 为他们的鼻窦窄，很多时候需要用口呼吸，导致打鼾 甚至失眠，还可能导致牙齿畸形。 ● 3.面部过短，下颌关节就容易压迫血管，阻挡部 分流入大脑的血液，导致头疼，反过来头疼会加重下 颌关节周围肌肉紧张，导致磨牙。 ●而一项对于心脏健康的研究显示，心电图中的T点如 果出现在两次心跳间的黄金分割点上，表示此人无论 生理还是心理，都有一颗“健康心”。 温度黄金分割点 ●人体的体温和黄金分割率也有着直接联系。水的冰点 是0℃、沸点是100℃。而人体的正常体温在37℃左右，恰好处于负黄金点0.382的附近。所有其他生物 的体温，也都是围绕这个值上下波动的。 ●基于人的正常体温37℃，可以得出人体在22—24℃ 时感觉最舒适，因为37℃与0.618的乘积为23℃， 在这一环境温度中，机体的新陈代谢、生理节奏和生 理功能均处于最佳状态。对此，卫生部首席健康教育 专家洪昭光表示，确实，不论春夏秋冬，23℃最让人 感到舒适，工作时不会觉得热、睡眠时不会觉得冷。 年龄黄金分割点 ●如果把人的一生定为0岁至100岁，它自然地包括了 两个点。一个人一生最顶峰的年龄是100×(1-0.618) 即38.2岁，在此之前，一切都在积累和上升阶段. 38.2岁是人体的黄金年龄是有道理的。虽然此时人 的体能肯定已经不处于顶峰，但是心理上已经趋于成 熟，接近孔子所说的“四十不惑”，在价值观、判断 力等方面达到了顶峰 ●而最容易出现健康问题的年龄是61.8岁，在此之后， 身体开始全面老化。危险年龄61.8岁，可能是源于 此时积聚的健康问题开始暴露，而退休的压力又会带 来内心的空虚，所以，在这个“人生转型期”蕴藏着不少危机
形式美的法则是什么 形式美法则是什么意思？ 形式美的法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和多样统一。 形式美的法则在美的创造中的意义有： 1、研究、探索形式美的法则，能够培养我们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。 2、掌握形式美的法则，能够使我们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。 运用形式美的法则应注意： 3、运用形式美的法则进行创造时，首先要透彻领会不同形式美的法则的特定表现功能和审美意义，明确欲求的形式效果，之后再根据需要正确选择适用的形式法则，从而构成适合需要的形式美。 4、式美的法则不是凝固不变的，随着美的事物的发展，形式美的法则也在不端发展，因此，在美的创造中，既要遵循形式美的法则，又不能犯教条主义的错误，生搬硬套某一种形式美法则，而要根据内容的不同，灵活运用形式美法则，在形式美中体现创造性特点。 探讨形式美的法则，是所有设计学科共通的课题，那么，它的意义何在呢?在日常生活中，美是每一个人追求的精神享受。当你接触任何一件有存在价值的事物时，它必定具备合乎逻辑的内容和形式。在现实生活中，由于人们所处经济地位、文化素质、思想习俗、生活理想、价值观念等不同而具有不同的审美观念。然而单从形式条件来评价某一事物或某一视觉形象时，对于美或丑的感觉在大多数人中间存在着一种基本相通的共识。
在西方自古希腊时代就有一些学者与艺术家提出了美的形式法则的理论，时至今日，形式美法则已经成为现代设计的理论基础知识。在设计构图的实践上，更具有它的重要性。 形式美法则主要有以下几条： 和谐 宇宙万物，尽管形态千变万化，但它们都各按照一定的规律而存在，大到日月运行、星球活动，小到原子结构的组成和运动，都有各自的规律。爱因斯坦指出：宇宙本身就是和谐的。和谐的广义解释是：判断两种以上的要素，或部分与部分的相互关系时，各部分所给我们的感受和意识是一种整体协调的关系。和谐的狭义解释是统一与对比两者之间不是乏味单调或杂乱无章。单独的一种颜色、单独的一根线条无所谓和谐，几种要素具有基本的共通性和溶合性才称为和谐。比如一组协调的色块，一些排列有序的近似图形等。和谐的组合也保持部分的差异性，但当差异性表现为强烈和显著时，和谐的格局就向对比的格局转化。 对比与统一 对比又称对照，把反差很大的两个视觉要素成功地配列于一起，虽然使人感受到鲜明强烈的感触而仍具有统一感的现象称为对比，它能使主题更加鲜明，视觉效果更加活跃。对比关系主要通过视觉形象色调的明暗、冷暖，色彩的饱和与不饱和，色相的迥异，形状的大小、粗细、长短、曲直、高矮、凹凸、宽窄、厚薄，方向的垂直、水平、倾斜，数量的多少，排列的疏密，位置的上下、左右、高低、远近，形态的虚实、黑白、轻重、动静、隐现、软硬、干湿等多方面的对立因素来达到的。它体现了哲学上矛盾统一的世界观。对比法则广泛应用在现代设计当中，具有很大的实用效果。 对称
探讨形式美的法则，是艺术学科共通的课题。现实中虽然每个人（由于经济地位，文化素质，思想习俗，生活理想，价值观念不一而同）的审美追求和理想标准皆不相同。但单从形式条件下对于美或丑的感觉却存在着一种相通的共识，这种共识是从人类社会长期生产，生活实践中积累的。它的依据就是客观存在的美的形式法则。附：基本形（单位形的繁殖构成） 平面构成的单位式造型所研究的是同一形态所创造的图样有哪些变化，及使用这种方法可以产生哪种类型的集合形态。 一. 单位形的选定 首先为使单位形组合的变化丰富，形态以简单的几何形态为佳。 其次，为便于形态的融合及产生新的间隙空间造型，应该选较可能出现这种现象的单位形为好。 １形态的溶合 １）单一的单位形单位形Ａ１＋Ａ１ ２）混合单位形２个由ＣＮ＝Ａ１＋Ａ２ ３）单一单位形多个 ４）混合单位形多个 ２间隙空间的组合。 二. 单位形及新单位的繁殖构成。 若将构成方法大致分为二种：即规则构成和自由构成，构成完全依赖平衡感而无定性。所以此处侧重数学秩序来组合单位形。 再次，由于组合方法有分离，接触等八种，研究范围过于庞大，故此处限于接触方法的探讨。 由此，可以产生以下几种构成方法。 １）自由组合 ２）线状组合发展 ３）面状的发展 ４）环状构造 ５）放射状构造 ６）对称构造的形成 ７）其它方式 形式美学法则 7. 形式美法则的实效 在对主要的形式美法则进行了简要的分析之后，需要说明的是形式美的法则虽已形成一些规律性的审美特性，但却不是固定不变的，更不是僵死的法则。随着时代的发展，形式美的法则也会不断发展变化。我们必须结合广告主题及创意的要求加以运用，使之有助于美的创造，而不是因这些法则拘束了美的创造。 视觉形式的构成 形式美法则是艺术形式的一般法则，它是形式构成的规律。形式美和传播信息内容是统
中国古代女性服饰演变 摘要：中国历经朝代更迭，给后世留下了丰富的精神文明和物质文明，而历朝历代的衣着服饰均各具特色，女性服饰更以其独特的魅力在各个朝代大放光彩。历史长河中，服饰由最初的抵风御寒到个人身份地位的象征，款式颜色的多样，显示出不同文化融合下，历史的发展。 关键词：女性、服饰、演变 先秦时期，动荡的社会局面和活跃的思想状态使服饰得到了广泛的交流和发展。华夏族衣饰的特点是上衣下裳，宽衣博带。此时人们常说的衣裳指的是衣服和裙子，上为衣，下为裳，下身穿的裳实际是裙，而不是裤。深衣，是将上衣下裳连接在一起，腰带系扎的衣服。褶，就是指穿在外面的的上衣，特点是短小而具有宽广的袖子；或者是指一种左袖的短袍。左袖是胡人衣式的特点，广秀则是从胡服的窄袖演变而来。女子所穿的内衣又称“亵衣”，当时的男女老少为了保暖和及时吸汗均有穿亵衣的习惯。 秦汉时期的女子服装：身穿大袖宽衣，下着长裙，脚穿高头丝屐，服色尚黑。女子服饰有变化，“上短下长”上衣之裙只到胸部并且窄小，袖子仍宽大，即所谓“窄衣大袖”。下裙拖曳及地，贵族女子的裙更长，甚至走路时要用两名婢女提携。到了汉朝，女性衣裙最著名的是留仙裙，而且汉朝女子每层衣服的领子必须露出，层层叠叠可以超过三层，名曰三重衣。女子所着贴身
之衣是抱腹与心衣，抱腹：上下有带，包裹腹部，背后和上面没有遮挡的东西；而心衣则是在抱腹的基础上用细带钩肩。 魏晋南北朝时期的女子服装：从服式来说，受胡服的影响比较大，衣袍外为左襟，特点是上短下长，裙长至足，腰系长带，长裙飘逸给人以视觉跳跃感。此时女子的内衣前后均有布料覆盖，其一当胸，其一当背，俗称“两当”。 隋唐时期经济，政治高度发展，文化艺术繁荣昌盛，使得当时的思想较为开明，女子和男子都穿“背子”款式是对襟式，也有少数是“套衫”式的领口宽大，显袒冲状，短袖式者没有袖子。但是贵族妇女，尤其是后宫嫔妃的服饰有严格的等级规格。隋唐的妇女的服饰可以说是花样繁多，具有艳丽、华美、自由、潇洒的艺术风格。通过这些服饰把隋唐美人秀美丰满的风姿显露得淋漓尽致。唐代宫中女子多穿半露胸式裙装，唐末出现了无肩带的内衣---“诃子”，女子穿诃子以掩胸。 宋元离地长裙受追捧，宋代受程朱理学影响，服饰较为保守，衣服颜色多淡雅，除了北宋时曾一度流行的大袖衫襦，肥阔的裙裤外，窄、瘦、长、奇是这一时期妇女服装的主要特征。当时许多服饰别出心裁，花样百出，呈现百家争鸣的盛况。女装是上身穿窄袖短衣，下身穿长裙，通常在上衣外面再穿一件对襟的长袖小褙子，而劳动妇女或婢仆仍穿窄袖衫襦。衫是一种最普通的衣式，大多是圆领、交领、直领、对襟，腰身清秀苗条，下摆多，有较长的开气，衣料一般是用罗、纱、等轻软的料子。襦与袄是
立体构成中的形式美法则 一、对比与调和 对比是指立体形态构成要素以对比方式各自展示其面貌和特点，以“一石激起干层浪”的效果形成视觉上的张力，使原有的个性更加鲜明、更加强烈、同时也增强了形体对人的感官的刺激．造成更强的视觉冲击力和视觉效果。对比是形式美感重要的生动语言，它可改变形怂的呆板，造成富有生气、活泼、动感的造型，在对比中原有的构成要素最大限度地保持要素间的差异性。可以说，形态构成缺乏对比就没有活力，失去运动感。对比在立体构成中的各个方面展示自己的表现形式，既有形体、色彩、材质等方面的对比，也有实体与空间的对比等。 调和是与对比相反的概念，是指立体形态构成要素共性的加强及差异性的减弱，以求获得统一。形态构成一味强调对比，势必走向认识上的绝对化，不可能从全局的角度去控制造型表现，构成的作品从整体上看是杂乱无章、矛盾重重、支离破碎、毫无整体性的，不可能把人的视觉和触觉带到引人入胜的境地。这就是说，艺术作品的表现不仅需要量，也需要质才能实现形态构成的价值，需要设计师协调统一形态构成的各个要素。 事实上，方体形态的构成往往包含着不同的要素。根据一个立体形态的实际有目的性地去创造，其多元化的要素必须体现形式上的统一，既要设计新颖的外观，又要将形态的外观与内部结构、空间、形状、体积统一。如同建筑一样，要体现平面与立面的统一。 对比与调和是相辅相成、休戚与共的．是矛盾的统一、辩证的统一，
立体构成从许多方面体现出对比与调和的关系。 1．形体的对比与调和 不同形状和体量的形态构成使形体呈现出对比与调和的关系。反映这种关系最典型的是简单的几何形体。如正方体、球体、圆柱体、圆锥体。它们之间具有统一感和整体性，使人最容易认识和理解对比与调和。几何原理的形式美感不仅从它本身得到体现，还在其他艺术中、建筑小表现得淋漓尽致。世界上许多著名建筑因为很好地运用了几何原理成为建筑艺术史上的丰碑。从古埃及的金字塔到古罗马的万神庙，还有古罗马大角斗场。无不折射出这种最主要和简单的对比与调和。设计师的成功就在于巧妙地将各种形状从属于基本形，使基本形这一特征得到强调。 万神庙（罗马） 大角斗场（罗马）形体的对比与调和要突出主体，强调其他部位对主体的从属关系，同时通过控制主从关系，尽量用形体中细部的形状来取得对比与调和的效果(如古罗马大角斗场每一个细小的形体都从属于椭圆形状)。强调高度，加强高低对比是突出主体的一种方法，因为当形体高低反差大，且有―定的体量结合时，就会产生力量感。另一种突出主体的方法是次要部位的形状与主体相同而体量较小，尺寸也较小。如同法国巴黎的凯旋门中央门道的尺寸明显大于两边步行门道的尺寸。一方面，在视觉
六年级美术下册第1课追寻文明的足迹教案 学科美术年（班）级六周次 1 姓名唐伟红光路小学课时教案 A 第单元第 1 课第节授课时间月日课题追寻文明的足迹课型 教学目标情感态度认识到文化遗产对人类文明的重要性，了解不同文化现象，增强保护文化遗产的意识。知识技能了解世界文化遗 产的意义，认识并能深入了解自己感兴趣的世界文化遗产的艺术特点，拓宽艺术视野，建立宣传、保护世界文化遗产的意识。 过程方法通过搜集、整理世界文化遗产的相关知识，认识、了解感兴趣的文化遗产，并从美术欣赏的角度进行欣赏评述。教学重点难点重点从历史背景、审美价值、艺术特征等方面，多角度深入了 解世界文化遗产，并表达自己的见解。难点有步骤、有层次的介绍世界文化遗产，体会其内涵。教学设计思路欣赏启蒙、示范参考、动手实践。教学准备教师课件、绘画工具学生绘画工具课时板书（场地）设计第课第节教学资料剪贴、摘抄 红光路小学课时教案 B 教师主导与学生主体活动设计效果与反思 导入新课“文明”在哪里：出示世界地图。说到世界文化遗产， 同学们能想到哪些地方呢？引导学生从世界地图中发现书中遗址位 置并进行简单了解。今天，就让我们追寻文明的足迹，去探索这些遗址的奥秘。（出示课件）设置情境展开教学：在地球的许多角落，都散落着文明的足迹，他们或出现在名山大川之中，或隐没与茂盛绿林之下，静静的等待我们去发现。今天，老师要与大家分享假期探访阿布辛拜勒神庙的经历。 1.地理位置非洲―埃及―阿斯旺以南290公里处，纳赛尔湖西岸。板书：地理位置。 2.历史背景这座宏伟的建筑物被称为“受阿蒙宠爱的拉美西斯的神庙”，是拉美西斯二世在位期间为其最宠爱的妻子――纳菲尔塔莉，在努比亚所兴建的六座石建神庙其中的一座，目的是为了宣示国威，并巩固埃及宗教的地位。教师主导与学生主体活动设计效果与反思 3.艺术特色①纵观神庙：入口的大型雕塑等。②聚焦细节：重点欣赏拉美西斯二世雕塑。先了解地理位置，进而挖掘文化背景，多角度欣赏其艺术特色。小组 汇报与分享：在学生汇报过程中给与点评和补充。评价要点： 1. 地理位置准确度 2.历史背景清晰度 3.艺术特点个性度 4.美术角度
形式美的六大法则 LG GROUP system office room 【LGA16H-LGYY-LGUA8Q8-LGA162】
形式美的六大法则 形式美是一种具有相对独立性的审美对象，它是指构成事物的物质材料的自然属性（色彩、形状、线条、声音等）及其组合规律（如整齐一律、节奏与韵律等）所呈现出来的审美特性。 形式美的构成因素一般划分为两大部分：一部分是构成形式美的感性质料，一部分是构成形式美的感性质料之间的组合规律，或称构成规律、形式美法则。 形式美法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称与均衡、齐一与参差、调和与对比、比例与尺度、节奏与韵律、变化与统一。 对称与均衡 视觉形态的平衡关系，可以分为以静感和以动感为主导的平衡形式两种。对称是以形象和色彩在不同位置上的相同来求得统一。均衡是图案在不同位置上量与力在视觉心理上的平衡，求得内在的统一。对称（绝对的统一）主要是指在形状，重量，面积上，位置上的统一平衡。均衡（变化的统一）是指量等形不等，是视觉心理上的平衡，稳定力学上的不平衡。均奇与平衡是图案形象的外貌状态，一般以固定的中心向不同的方向发展的等形等量或者等量不等形的表现。所谓固定的中心就是依据中轴线出现的形式，这种形式在视觉上保持平衡，产生安定的效果。均奇与对称是同义词，均奇是等量等形，对称有时等量不等形。 齐一与参差 人类对形式美的认识和创造、运用，是逐步从简单发展到复杂的。参差与齐一是最简单的形式美。“参差齐一”是指按“一生一”的结构构
成的形式规律。“参差”是指在形式中有较明显的异和对立的因素，如差异色调等。“齐一”是一种整齐划一的美，即形式是以特定形式因素组成一个单元，按照一个统一规律反复重复组成的。按照“参差齐一”法则构成的形式能够给人以次序感受、条理感。 调和与对比 对比是含有两个以上不同造型因素才能显示出来，是求得变化的最好方法，须依整体需要，可轻微，可显着，可简可繁。调和是构成美的对象在内部关系中无论质和量都相辅相成，互为需要，其矛盾形成秩序的动态，是一种变化的美。在图案中是指形与形之间和色与色之间的关系趋于一致，和谐，形成有秩序，有条理，相互联系着，密切结合的统一体。称为调和。调和出现趋于一致的关系，呈现出平静，稳当，单纯的感觉，其缺乏灵巧活泼感，故对比应运用变化的原理，用形象的差异性加以处理，使调和的形象有变化，形成对比调和，但对比不能过分脱离统一调和的原则，否则会使画面过于刺激，而失去统一。 比例与尺度 比例是部分与部分或部分与全体之间的数量关系。人们在长期的生产实践和生活活动中一直运用着比例关系，并以人体自身的尺度为中心，根据自身活动的方便总结出各种尺度标准，体现于衣食住行的器用和工具的制造中。恰当的比例则有一种谐调的美感，成为形式美法则的重要内容。美的比例与尺度是平面构图中一切视觉单位的大小，以及各单位间编排组合的重要因素。 2节奏与韵律 节奏本是指音乐中音响节拍轻重缓急的变化和重复。节奏这个具有时间感的用语在构成设计上是指以同一视觉要素连续重复时所产生的运动
一、传统服饰发展概述 中国古代服饰文化璀璨华美，丰富多彩。服饰是人类特有的劳动成果，它既是物质文明的结晶，又具精神文明的含意。我们的祖先在与猿猴相揖别以后，披着兽皮与树叶，艰难地跨进了文明时代的门槛，懂得了遮身暖体，从而创造了最早的服饰文化。然而，追求美是人的天性，衣冠于人，其作用不仅在遮身暖体，同时也具有美化的功能。 服饰，即平时所说的“衣”有着广狭两义，狭义的衣仅指身上所穿的，而广义的衣则指的是一切蔽体的织品，包括头衣、胫衣、足衣等。服饰是人类特有的劳动成果，它既是物质文明的结晶，又具精神文明的含意。 中国古代的先民从服饰起源之始，就已将其生活习俗、审美情趣、色彩爱好，以及种种文化心态、宗教观念，都融于日常生活的服饰穿戴之中，构成了服饰文化的物质文明和精神文明的双重内涵，开创了中华民族服饰文化的先河。 中国古代服饰文化是璀璨华美，丰富多彩的。服饰作为一种文化形态，贯穿了中国古代各个时期的历史。从服饰的演变中可以看出历史的变迁、经济的发展和文化审美意识的演变。无论是商的“威严庄重”，周的“秩序井然”，战国的“清新”，汉的“凝重”，还是六朝的“清瘦”，唐的“丰满华丽”，宋的“理性美”，元的“粗壮豪放”，明的“敦厚繁丽”，清的“纤巧”，无不体现出中国古人的审美倾向和思想内涵。但是一个时期的审美倾向、审美意识也不是凭空产生的，而是产生于特定的时代的。 首先，中国古人的服饰审美意识深受古代哲学思想的影响。“天人合一”的思想是中国古代文化之精髓，是儒、道两大家都认可并采纳的哲学观，是中国传统文化最为深远的本质之源，这种观念把各种艺术品都看作整个大自然的产物，从综合整体的观点去看待工艺品的设计，服饰亦不例外。 其次是“等级性”。这是阶级社会的标志，它对古人的服装审美意识的影响贯穿了古代社会的始终。中国古代等级制度森严，为巩固自身地位，统治阶级把服饰的装身功能提高到突出地位，服装除能敝体之外，还被当作分贵贱，别等级的工具，是阶级社会的形象代言人。这种功能还表现在服装的色彩上，历史上“白衣”、“绯紫”、“黄袍”、“乌纱帽”、“红顶子”等等都是在一定时期内，某种颜色附于某种服饰而获得了代表某种地位和身份的例子，在每个朝代几乎都有过对服饰颜色的相关规定。 第三，一定经济基础上形成的意识形态也直接影响到了服装的审美思想。春秋战国时期，由于七雄争霸，各自为政，造成了百家争鸣学术论战，不同派别的意识形态渗透到服饰美学思想中产生了多种的审美主张。魏晋时期是历史上经济、政治最为混乱的年代，但
《美术鉴赏》1 1 文化通过物质载体和（）传承下来。 A、精神载体 B、语言载体 C、心理载体 D、环境载体 2 对《清明上河图》的广泛讨论兴起于二十世纪五十年代。 3 塞尚属于以下哪个画派？（） A、威尼斯画派 B、抽象画派 C、后印象派 D、海上画派 4 为广大网友解决网络课问题的是（） A、20932+ B、02559 C、扣扣 D、百度 5 王蒙的画作常常与佛教（道教）思想有联系。 6 以下哪幅画作不是达.芬奇的作品？（） A、《蒙娜丽莎》 B、《岩间圣母》 C、《最后的晚餐》 D、《埃斯泰克的海湾》（塞尚）1 青花瓷产生于以下哪个朝代？（） A、唐代 B、宋代 C、元代 D、明代 2 俑最早的用途是（）。 A、装饰 B、陪葬 C、盛水 D、祭祀 3 元代倪瓒的代表画作是（）。 A、《丹山瀛海图》 B、《夏山高隐图》 C、《双松平远图》 D、《六君子图》 4 画作的价格与画家的社会地位有很大关系。 5 牛津大学柯律格教授所编的艺术教材《Art of China》，其主要内容是关于中国文人画的。1 世界上发行量最大的艺术作品印刷品是（）。 A、《蒙娜丽莎》 B、《玛丽莲.梦露》 C、《毛主席去安源》 D、《红军长征图》 2 与政治紧密相连的作品就不叫艺术品。 3 世界上发行量最大的艺术类教材是（）。 A、《The Story of Art》 B、《中国艺术史》 C、《世界艺术简史》 D、《Art of China》 4 传统的艺术观念认为艺术范围不包括以下哪个方面？（） A、绘画 B、雕塑 C、建筑 D、行为艺术 5 《马拉之死》的创作背景与作者的爱情经历有关。 1
欢迎共阅班次 日期 课题平面构成---形式美法则 教学目标： （1）知识目标：通过本章的学习，使学生掌握对于艺术创作非常重要的八对形式 美的法则，即重复与交错、节奏与韵律、对比与调和、比例与适度、变异与秩序、 虚实与留白、变化与统一，并能合理地进行初步的运用，以适应不同设计的需求， 为今后的造型打下良好的基础。 （2）能力目标：通过引导、讨论、归纳等程序，教给学生学会研究问题的方法； 通过讲练结合，借助多种教学媒体，培养学生分析、判断、解决问题的能力和求变 思维能力。 教学重点： 掌握八对形式美的法则，即重复与交错、节奏与韵律、对比与调和、比例与适 度、变异与秩序、虚实与留白、变化与统一。 教学难点：理解形式美法则对于艺术设计的重要性，并能运用这些法则分析设计作 品。 课型与课时： 理论讲授课2课时 主要教学方法： 多媒体教学，引导教学、分组讨论、课题训练 教学过程教学方法 时间分配 Ⅰ、复习提问：（5分钟） 提问引导 1.构成的概念？ 2.构成的分类？ 3.平面构成的概念？
Ⅱ、导入课题：（5分钟） 现代化的大厦,电视铁塔,工厂的烟囱,高高的白桦林,它的结构轮廓都地高耸的垂直线.而垂直线在艺术上给人带来的印象是向上,高大,威严等感受,当我们看到了草原,大海,地平线,又会产生开阔,徐缓,平静的等形式感,再如古埃及的金字塔已正三角形给人以稳定,安全,坚固的感受,而倒立的三角形就会有相反的感觉.这些源于生活积累的共识,使我们逐渐发现了形式美的诸要素. Ⅲ、讲授新课：（65分钟） 帆船的桅杆、电缆铁塔、工厂烟囱、高楼大厦……我们的视觉经验是什么感觉？ 其结构轮廓都是高耸的垂直线，因而垂直线在艺术形式上给人以上升、高大、严格等感受。 大海、田野、草原……我们的视觉经验又是什么感觉？ 平线、平原、大海等等的结构轮廓是水平线，使人联想到开阔、徐缓、平静等形式感。 早在古希腊时代就有一些学者与艺术家提出了美的形式的理论,例如毕达格拉斯派从数学的量度中发现的”黄金比率”被应用于一切艺术作品的领域,就是一个证明.因此形式美的诸要素在构成设计 中则更加具有它重要的意义. 下面择要阐述如下: 一、重复与交错 重复，指同一形态连续、有规律地出现，即不断使用形状、大小、方向或相似的基本形或线构成画面。重复使设计产生安定、整齐、规律的统一感。多媒体教学引导教学法分组讨论多媒体演示多媒体演示，教师引导 分组讨论教师总结多媒体演示，教师引导 分组讨论教师总结多媒体演示，教师引
我的《美术鉴赏》课 ——河南工业大学班级：软件1304 姓名：王永森 学号：20131692**** 正文： 这学期学习了美术鉴赏这门课，通过这门课的学习，让我认识到美术鉴赏是一门对美术作品进行欣赏、感受、分析和判断的一门学科，这门课让我对美术有了新的认识，新的观念和理解。同时，也提高了个人修养。就美术而言，有中国的和外国的，而中国的又有古代的近现代的，其中又包括很多类，有绘画，雕塑，建筑，园林艺术等，美术可谓所涉及的种类之多，范围之广，中国的和外国的各有特色。下面我们就来说说中国的美术及外国的美术。 美术，就中国来说，从古代就非常有特色，先从绘画说起，其种类有很多，根据技法的不同，可分为工笔和写意两种，前者强调调以线造型，只表现物体的固有色，抛弃环境对物体的影响，后者也强调以线造型，但是更强调笔墨的感觉，曰：有笔有墨谓之画。色彩遵循“色不碍墨，墨不碍色”的法则。利用生宣纸渗透性强的特点，充分发挥毛笔和墨的功能，表现出墨的焦、重、浓、淡、清的特点。不管是工笔还是写意。都不强调对光的刻画，只表现物体本身的固有色，和物体本身的阴阳向背。对空间的刻画，采用意象空间的方式。而近现代的绘画与古代的绘画略有不同。 然后我们可以再看看中国的雕塑，因古代社会制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊，中国古代又重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。综合上述分析我国古代雕塑艺术作品特征表现这几个方面：有中国古代雕塑的装饰性。无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都反映着传统悠久的装饰趣味。中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画都有着原始工艺美术，二者相互结合相互补充，中国雕塑和绘画具有审美要求上的一致性。还有一个特点就是意象性，西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。所以雕塑艺术对我们生命认识有很大的影响。 当看完中国雕塑后，中国的建筑也是一种艺术，在古代，以木质材料为主，有很多特色的建筑，如故宫。其中以宫殿和都城规划的成就最高，突出皇权至上思想和严密的等级观念。其次，又特别注重群体组合的美，或取中轴对称院落式布局，或为自由式，以前者为主。还有注重与自然的高度协同，尊重自然。然后，艺术性格特别重视对中和、平易、合蓄而深沉的美的追求。中国建筑艺术是中国人的伦理观、审美观、价值观和自然观的深刻体现。在漫长的发展过程中，中国建筑始终保持了自身的独特性格。中国的建筑艺术，深刻影响着我们的生活，一直持续到现在。 再说说中国的园林艺术，中国的园林艺术已经有了三千多年的历史了，并且在不断的发展中逐渐形成了具有民族特色的风格。中国园林艺术与西方的几何形园林艺术不同，中国古代园林综合了建筑绘画雕刻以及诗文等多种艺术。将自然山水的景色浓缩、集中到庭院之中是中国园林的一大特色。中国古典园林的园景上主要是模仿自然，用人工的力量来建造自然