大提琴
大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它是甚为人们喜爱的独奏乐器。作为独奏乐器来说，它的地位仅次于钢琴与小提琴。
大提琴是由古代的膝琴演变而来的，自16世纪以来即流行于世，但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。经过许多年的实践与改革才算告一段落。现代大提琴高约48英寸，具有深厚动人的音色。
大提琴四根弦的音高比中提琴低八度（C—G—d—a），乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表。它的奏法与中、小提琴不同，是夹在两腿之间演奏。大提琴的第一根a 弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦（G、C）低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，在高音区时能用姆指把位演奏。至于演奏技巧，由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同，因而各有难易。
自17世纪大提琴家多曼尼科?加布里埃利写了第一首大提琴独奏曲以来，陆续有人为大提琴创作乐曲。18世纪时，维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲，后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。
至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克及柴科夫斯基等写了大量大提琴独奏曲、协奏曲与有大提琴声部的室内乐，使这一乐器的性能与技巧得到充分的发展与发挥。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴组曲、博克尼尼协奏曲、海顿的D大调与C大调协奏曲、勃拉姆斯为小提琴与大提琴谱写的a小调协奏曲、舒曼的协奏曲、德沃夏克的协奏曲、柴可夫斯基的《罗可可主题变奏曲》、圣桑的协奏曲等。
其他如拉洛、埃尔加、柯达伊、兴德米特等近、现代作曲家亦写了许多优秀的大提琴乐曲，深受人们的喜爱。
湘教版八年级美术下册教案 第五课大提琴 曲堤中学李冬梅 教学目标： 1、认知目标：能够把握乐器造型的特点，领悟造型的独特魅力。通过乐器造型的分割重组学习，让学生了解绘画从具象到抽象的变化思路。 2、技能目标：能够运用一定的造型表现方法绘制新奇的视觉形象，对抽象绘画技巧产生初步的认识，培养其发散思维能力和个性表现能力。 3、情感目标：通过学习培养学生细心观察的习惯，充分认识“生活中处处存在美、关键要靠我们的眼睛去发现”。体会音乐与绘画的艺术共性与联系，体验求新求变的创作乐趣，形成抽象绘画的审美心理结构。 教学重点： 学生通过欣赏乐器的美，从乐器的形状中找到美感，再用分解构成的手法创作出新的美术作品来，尝试用视觉形象的符号语言表达对音乐的理解。 教学难点： 点线面创作要素的构成，抽象绘画的思维方式的培养，如何从乐器造型中发现美、概括取舍，以线为骨、以色为魂的方式组织表现抽象新奇的视觉形象。教学准备 教具：多媒体课件、各色卡纸、水性笔、乐器 学具：卡纸、剪刀、彩笔、胶水 教学过程： 一、创设情景，导入课题（倾听大提琴旋律之美）
播放且欣赏作品《天鹅》 师：同学们知道这是什么乐器演奏的吗？ 生：…… 师总结：“大提琴”，引出课题并且展示在大屏幕上。 二、制作抽象拼贴画 （一）讲述大提琴的结构特点： （展示欣赏大提琴和局部图片） 师：同学们，图片上是意大利著名的制琴师安东.史特拉底瓦里图在1737年制作的大提琴，几百年来，大提琴的造型未做任何修改，这足以证明大提琴的造型之美，接下来我们就一起看看它有一些什么特征？它的造型美在哪里？ 生：小组讨论，然后回答问题. 师出示大屏幕： 1.整体感受：外形：对称如葫芦，器乐中的“美男子”。 音色：浑厚丰满，演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的情感。 2.造型元素：直线与曲线结合，顶部是点线面的结合。 3.色彩：赭红色——沉着、古朴、怀旧 黑色——稳重、深沉 师总结：点线面色的组合。 （二）活动一：“分割组合” 1.欣赏毕加索作品《吉他》 师：演奏家用琴弹奏出动人的旋律，而有些绘画大师也借用乐器的造型以独特的形式语言表达自己的感受。下面我们一起欣赏毕加索的作品《吉他》。
大提琴音乐欣赏 大提琴是管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它也是非常为人们所喜爱的独奏乐器。 应用谱号：低音谱号、次中音谱号或高音谱号。 发展历史 大提琴的历史可以追溯到16世纪末，是一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”（Viola de gamba）的15世纪的乐器演变而来。维奥尔琴的体积不像大提琴那么大，弧形也不那么明显，但演奏时可以夹在两膝之间，像大提琴那样用弓拉奏。 大提琴最初在意大利语中被拼作Violoncello，后来逐渐简写为Cello。大提琴以其热烈而丰富的音色著称，是交响乐队中最常见的乐器之一。适合扮演各种角色：有时加入低音阵营，在低声部发出沉重的叹息；有时则以中间两根弦起到节奏中坚的作用。大提琴最为辉煌的时刻，要数作曲家赋予其表现如歌的旋律的使命。整个大提琴组奏出的美妙的旋律，足以令交响乐队中的任何其他乐器都相形见绌。 乐器特色 属提琴族乐器里的下中音乐器，音色浑厚丰满，具有开朗的性格，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情。 代表人物：马友友 他广泛而多元的音乐事业，不难理解其不断寻求与听从不同的对话方式，以及对个人的艺术成长求新求变的态度。无论是演奏新乐曲或大家耳熟能详的曲目、和好友一同演出室内乐、与年轻的音乐家及听众接角、探索西方古典传统外的文化及音乐型式，马友友努力从中找寻能激发想像力的元素。 马友友紧凑的音乐会行程，包括与全球知名乐团协奏演出、个人独奏会及室内乐等。与不同的演奏家合作都能为他带来不同灵感，合作过的音乐家包括艾克斯、巴伦波因、爱森巴哈、潘蜜拉-法兰克、柯汉(Jeffrey Kahane)、Young Uck Kim、拉雷多、巴比-麦菲林、艾格-梅耶、摩里斯(Mark Morris)、欧康纳、彼德-塞尔金、史坦、史托兹曼、史塔特(Kathryn Stott)等。借着与音乐家之间的互动，超越单一音乐风格的界限。他最大的目标就是将音乐化为一沟通的语言，跨越世界不同种族，拉进人与人之意距离。为达成此目的，他更投身研究国乐、中国传统乐器、非洲卡拉哈利的丛林音乐等。 为发展大提琴演奏曲目，马友友时常演奏20世纪较不为人知的大提琴曲，许多现代作曲家皆为他量身订做新乐曲。曾为多位作曲家的新作首演，其中包括艾伯特(Stephen Albert)、丹尼波尔(Richard Danielpour)、哈比森(John Harbison)、柯希纳(Leon Kirchner)、李伯森(Peter Lieberson)、卢塞(Christopher Rouse)、盛宗亮、谭盾、约翰-威廉斯等。这些不仅是为他而写的作品，马友友在作曲家的创作过程也扮演重要角色。 马友友最主要演奏乐器是Domenico Montagnana 1733，这是一把在威尼斯组装的大提琴，要价250万美元，拥有270年以上的历史，暱称为Petunia，马友友曾有一次将它遗留在纽
大提琴考试曲目要求 说明: 1.考生应听取指导教师意见,根据自己的实际水平,选择级别,准备考试;应注意加强基础训练。 2.除练习曲外,一律背谱演奏。 3.考试曲目分为两套,考生任选其中一套演奏,不得跨套 六级: 第一套曲目: 1.音阶:F大调和d小调三个八度及琶音自选一条 2.练习曲:施乐德编170首练习曲第71首(作者:弗朗肖姆) 3.乐曲:科来里《d小调奏鸣曲》第一、二乐章 巴哈《G大调协奏曲》第一乐章 宋涛《红河的孩子》(《大提琴教程》乐曲第一册王连三、宋涛编)第二套曲目: 1.音阶:A大调和#f小调三个八度及琶音自选一条 2.练习曲:施乐德编170首练习曲第130首(作者:库玛) 3.乐曲:万蒂尼《F大调奏鸣曲》第一乐章 克林格尔《d小调小协奏曲》第一乐章 舒曼《梦幻曲》(《大提琴教程》乐曲第一册王连三、宋涛编)七级: 第一套曲目: 1.音阶:bE大调和c小调三个八度及琶音自选一条
2.练习曲:施乐德编170首练习曲第134首(作者:施乐德) 3.乐曲:马尔哲罗《G大调奏鸣曲》第一、二乐章 巴哈《c小调协奏曲》第一乐章 达维多夫《浪漫曲》(《大提琴教程》乐曲第一册王连三、宋涛编)第二套曲目: 1.音阶:E大调和#c小调三个八度及琶音自选一条 2.练习曲:施乐德编170首练习曲第138(b)(作者:米尔克) 3.乐曲:萨玛提尼《G大调奏鸣曲》第一、二乐章 海顿《C大调协奏曲》(1)第一乐章 鲁宾什坦《旋律》(《大提琴教程》乐曲第二册,宋涛编) 八级: 第一套曲目: 1.音阶:bA大调和f小调三个八度及琶音自选一条 2.练习曲:施乐德编170首练习曲第158首(作者:波尔顿) 3.乐曲:台沙里尼《F大调奏鸣曲》第一、二乐章 戈恩斯《a小调协奏曲》第一乐章 圣一桑《天鹅》(《大提琴教程》乐曲第二册,宋涛编) 第二套曲目: 1.音阶:B大调和#g小调三个八度及琶音自选一条 2.练习曲:施乐德编170首练习曲第152首(作者:米尔克) 3.乐曲:爱格尔斯《g小调奏鸣曲》第一、二章
《大提琴》教案 教材：义务教育课程标准实验教科书《美术》(湘版)教材八年级下册第5课 一、导入 播放大提琴独奏曲《海顿主题变奏曲》，使学生进入一个提琴音乐的氛围，欣赏两分钟。 提问：同学们听完这段大提琴演奏曲后，有什么感受?大提琴的音色特点有哪些? 同学们回答后实行总结：大提琴的音色悠扬，琴弦的音色含情，旋律动人。特别人性和自然，能较好地反映人的情感。 大提琴的四根琴弦，具有四种特点。第一根琴弦a弦，发音华丽，富于歌唱性；第二根弦d 弦，音色朦胧；第三、第四根弦，G弦C音色低沉响亮。所以，大提琴是近代管弦乐队不可少的次中音和低音乐器。 二、欣赏分析大提琴的构造和造型 利用电脑和大屏幕，欣赏大提琴的造型。让学生自由讨论后回答大提琴的特点有哪些?学生回答后总结： (1)造型华丽高贵，大方适度，色彩漂亮雅致。 (2)具有优美的曲线和弧面，造型显得柔美。 (3)有粗细的直线，直线的琴杆和琴弦，使提琴的造型柔中有刚。 (4)大提琴的比例感很适当，点、线、面均衡，显得造型完美，素有乐器中的美男子之称。 三、解构艺术造型的特点 所谓的解构艺术造型，就是打破原有的形状和形体，然后重新组合，构成新的形状和形体。例如：1994年中国北京举行一个盛大的文艺晚会，中央电视台实况转播，其中一个国外的美术大师现场表演艺术创作Ｒ帐跫野鸦计淘诘厣希髦盅丈愕乖诨忌希缓竽闷鹨话哑恋拇筇崆伲吒呔俟范ィ芰ο虻孤筒实幕荚蚁氯ァＧ儆ι椋筒史山Γ疑约诱恚桓毕执囊帐踝髌范偈辈恕Ｌㄏ乱黄净逗簦饩褪抢梅纸夤钩傻囊帐踉煨驮斫写醋鞯摹?BR>解构艺术造型，其特点就是打破陈规，不受原有形象
的束缚，重新组合形成新的形象。这种造型手法，具有很大的不可预测性，能够产生偶然性和新奇感。 实行解构艺术造型训练，能够启发智慧，激发人的潜能，使艺术的思维更加活跃，使受训练的学生思想解放和更加敏捷，会对日常生活中的艺术形式有更多的发现和创意。 四、利用电脑展示解构艺术造型的作品 1．利用大提琴的造型，实行分解构成。 图：《提琴时代》《花的旋律》 2．利用圆号的造型，实行分解构成。 图《圆号新形象》《提琴与圆号》 3．利用蝴蝶的造型，实行分解构成。 图：《蝴蝶新组合造型》 4．利用鱼的造型，实行分解构成。 图：《多条鱼组合构成》 5．利用大提琴、圆号、蝴蝶、鱼的造型实行综合分解构成。 图：《自然交响乐》《圆号梦想曲》《一起为鱼儿伴奏》《大提琴时代的士高》 课堂练习 利用大提琴、圆号、鱼、蝴蝶的图案，实行分解构成练习。 (每位学生发一份图案资料，学生利用资料剪贴、拼接实行造型练习) 要求 一、分割的形状不能太碎，要尽可能保持大提琴、圆号、鱼、蝴蝶造型的特点。 二、重新组合构成画面时，注意构图的均衡、大小、轻重感，点线面有机的结合。
【音乐欣赏】大提琴曲 《缠绵往事》 Jacqueline du Pre 杰奎琳·杜普蕾 演奏的惊世遗作 手动换页
夜已经沉睡 柔柔的琴弦在缓缓地诉说勾起我悠悠的曾经时光那是一份珍藏心底 总想回忆又生怕触及的暖暖的隐隐的疼 思绪如烟似雾乘风而来随风而逝 其实我也知道很多的开始在它的开始就注定了结局但我不明白 我用丝丝柔肠编织的梦幻留下的却是无尽的忧伤岁月在我额头无情地流淌 你依稀的身影 如同天边的星星 在我的脑海里飘移 清晰了又模糊模糊了再清晰每个昼夜不知道有多少个轮回往事缱绻缠绵 好似没有伴侣的咖啡 在那淡淡的苦涩的尽头 燃烧的是烈烈的甘醇 原以为短暂的缠绵早已被尘封哪知道她经不起丝毫的触碰. 诗歌《缠绵往事》
这首诗如泣如诉缠缠绵绵地解读了大提琴曲《缠绵往事》的内涵。然而，我始终认为，再好的诗歌也解释不清音乐的本质和内涵。https://www.doczj.com/doc/ad6502223.html,/viewthread.php?tid=5888618 我一直认为，音乐她只属于旋律，永远也不属于歌词。歌词再好也解释不清音乐的真谛。尽管一首好的歌词就是一首好的诗歌。诗歌是有字的音乐，而音乐是无字的诗歌。因此，我认为诗歌和歌词与音乐总有一段神秘看的见又挨得很近距离和尺度。而诗歌与歌词又总有一种想贴近音符的感觉。 《缠绵往事》这首的大提琴曲是谁作的我也不清楚。据说这首大提琴曲就隐藏在神秘园的第四辑中，它的别名叫《静默之声》。这首大提琴曲我听了无数次，每次听，心里总有一种神秘的幻觉和深邃的意境。那舒缓而绵长的琴音一直在耳畔萦绕，听着这种缠绵的旋律，我的眼前仿佛出现蔚蓝的大海，在海风温柔的吹动下，波浪缓慢而悠长地推向岸边，向人们的心灵深处涌动。 我坐在沙发上，在暗淡紫红的灯光下，头靠沙发闭着双眼，静
凄婉绝美大提琴曲殇版 The latest revision on November 22, 2020
凄婉绝美的大提琴曲《殇》，经典收藏版这首《殇》低沉回旋、孤寂、苍白、虚弱、呻吟，有着无尽的悲哀，很多电视电影里都选用过。来自台湾的陈冠蒲就曾翻唱过，并作为电视剧《穿越时空的爱恋》片头曲——太多。最经典就是被作为电影《倩女幽魂》中的插曲，大提琴低音部分的浑厚深沉，震撼于它的哀和死，与影片情节完美融合，也成就了这部影片。这首《殇》是来自英国的天才大提琴家杰奎琳·杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的作品，她十一岁时就嬴得the Suggia Award，成为全英国最受瞩目的演奏家。她琴技超群，然而生命短暂，终年42岁。据说匈牙利大提琴家史塔克有次乘车，听见广播里正播放大提琴曲，便问旁人是谁演奏的，旁人说是杜普蕾。史塔克说：“像她这样演奏，她肯定活不长久。”可见杜普蕾是用生命来演奏她的作品的。感伤的旋律，柔柔轻拨是心痛的驿动，是心愁的缓泻，大提琴是弓弦乐器中的低音乐器，它的音色具有人声的歌唱美，，大提琴的高音区开朗、壮丽，有如男高音的气质，中音区丰满、坚实，低音区是浑厚、深沉，特别喜欢大提琴低音部分的浑厚深沉，更震撼于它的哀和愁，大提琴-乐器中的美男子。在零星清脆的竖琴伴奏下，大提琴如泣如诉感伤的旋律令人唏嘘，弥漫的哀怨、凄婉的倾诉，感觉人生有太多的无奈，太多的悲欢离合了。这就是大提琴的魅力所在，坚强而不息。就好像我们选择了自己的路一样，哪怕跪着也要走完. 杜普蕾的一生虽然短暂，但是她对古典乐的贡献不可磨灭，她的一生还被拍成电影《狂恋大提琴》，另外还有她的专题纪录片《Who Was Jacquline du Pre》，详细描述了她的一生。杜普蕾一生中拥有三把名琴，其中一把是现代制作师的作品，两把则是史特拉第瓦里古琴，其中大卫朵夫如今则为马友友所有。
大提琴演奏呼吸分析论文 摘要：呼吸在演奏大提琴中起着一定的作用。呼吸动作对演奏中的情绪变化、音乐表现也有着密切关系。正确的呼吸有助于肌肉和心理放松，对提高和发挥演奏技巧有极其重要的作用。在大提琴演奏中只有做到正确划分乐句，合理运用呼吸，才能把音乐作品演绎得淋漓尽致。 关键词：大提琴演奏呼吸音乐 我们知道呼吸是生命的基础，没有呼吸人类将无法生存。在音乐作品中，会有或长或短的乐句，在乐句中间会有停顿与相连的问题。这里的停顿与相连的问题就是我们所说的呼吸。音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子的长短之分，有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有些学生在大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸的问题。一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，致使学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，从而给人一种上气不接下气的感觉，缺乏层次感，也缺少了作品应该表达的思想感情。 一、正确划分乐句是音乐呼吸的基础 划分乐句是为了理解乐句，理解乐句是为了理解乐曲。一篇，只有懂得了每句话的意思，才能理解全篇的意思。同
样，一首乐曲，演奏者只有懂得了每个乐句的含义，才能领悟全曲的含义，分清了乐句，就能体会到各句之间的关系。下面我们就简单地分析一下怎样划分乐句。 第一，也是最重要的，就是对作品要反复认真地体味、感受，从心理上接纳每一个音和每一个句子，了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。培养这种良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。这一点在歌曲中是比较容易理解的。特别是那种结构方整性的歌曲，比如四句歌词对应着的四个乐句，句与句之间都有明显的呼吸。而器乐曲中乐句也有的类似歌曲，分句比较清楚，容易理解，但有的就不那么一目了然了，这就是“器乐化”的乐句。但无论如何，所有旋律实际存在着乐句的构成。我们若细心研究分析，从作品创作的时代背景到作品创作的风格特征，从作曲家的创作特征到作者的创作原因，再加上反复的聆听感悟，做到了这些再去理解乐曲便不再是难事了，这是正确划分乐句的第一步。 第二，与的句子不同，一个乐句有多种的划分方案是完全可能的，而且这几种方案都有其道理，可以说是成立的。但客观地说，它们之中只会有一种是最能令听众满意的方案。这个时候就要演奏者细心比较这几种划分法，用心体会它们的细微差异，才能选择出在听觉和感觉上最满意的一种。 第三，要特别注意远距离的音以及顿音、跳音、被休止
卡米尔·圣-桑是十九世纪法国著名音乐家和民族乐派杰出的代表人物。 这首我们熟悉并为之感动的优雅、温柔的大提琴曲，它出自圣桑的管弦乐《动物狂欢节》第十三首。 圣桑采用了以两架钢琴为大提琴伴奏的演奏形式，这首乐曲是G大调，全曲分三部分。这是整个组曲中唯一的一首抒情乐曲，后来成为大提琴独奏名曲。钢琴表示清澈的湖水，大提琴优美迷人的旋律，描写天鹅高贵优雅的神情。 它不仅是一首大家所熟悉的脍灸入口的名曲，也是作者在这部作品中唯一允许在他生前叫人演出的乐曲，被视作圣桑的代表作品，这首大提琴曲被改编成各种乐器的独奏曲，甚至被改编为芭蕾舞《天鹅之死》。 该曲是由G大调、6/4拍子、由单主题发展而成的三部曲式。 乐曲一开始，钢琴以清澈的和弦、清晰而简洁地奏出犹如水波荡漾的引子，在此背景上，大提琴奏出旋律优美的主题，描绘了天鹅以高贵优雅的神情，安详浮游的情景。 中间部分由第一部分主题固定发展而成，犹如对天鹅优雅而端庄型象的歌颂，把人带入一种纯洁崇高的境界。 第三部分，钢琴以优美的琴音表现出天鹅游荡于水面时，水面波动、天鹅高雅悠闲。全曲在最弱奏中逐渐消失。 在这乐曲里，如果大提琴代表了天鹅，钢琴就是那波光粼粼的湖水，美丽的天鹅公主在湖水里载沉载浮，期待着王子的到来。 在西方，有一种传说，天鹅临死之前，必唱一首动人的歌，这首曲子也有这种意境。它让我常常想起英国诗人、著名的意象派大师弗林特的名作《天鹅》，其中的两句——“天鹅游入我忧伤的漆黑深处，衔着一朵白玫瑰般的火焰。”这是一种印象深刻的、难忘的忧伤。弗林特《天鹅》在百合花的荫影下，在金雀花和紫丁香倾泻在水面的金色、蓝色和紫色下，鱼影颤动。在又绿又冷的草叶上，天鹅的脖子彷佛显出涟漪荡漾似的银色，天鹅嘴里彷佛是暗淡的铜色，朝着黝黑的水深处，在那一座座拱门下，天鹅缓慢地游动。天鹅游入那座黑色的拱廊，天鹅游入我忧伤的漆黑深处，衔着一朵白玫瑰般的火焰。 领悟教材把握重点 1、教学内容及教材分析：本课共三首描写天鹅的乐曲。第一首：选自人教版教材第七册第三课，由法国作曲家圣—桑作曲的大提琴独奏《天鹅》；第二首是大家都很熟悉的《四小天鹅舞曲》；第三首是芭蕾舞剧《天鹅湖》的场景音乐《天鹅》。重点欣赏第一首。这是管弦乐组曲《动物狂欢节》中流传最广的一首乐曲，描绘了洁白高雅的天鹅在碧波涟涟的湖面上悠然漫游的优美形象。用两架钢琴伴奏表现清澈明丽、波光粼粼的湖面。 2、教学目标：通过三首“天鹅”音乐的欣赏，启发学生联系自己的生活经验和已有的音乐知识来感受同一主题却不同性格、形象、意境的三首乐曲，提升音乐审美情趣，让学生在感受美的基础上创造美，从而获得感受与鉴赏、表演、创造及交流合作的能力。 3、教学重点：调动多种感官感受、理解大提琴独奏曲《天鹅》的情绪和意境。 4、教学难点：用各种艺术表现形式表达自己对《天鹅》音乐的独特感受与见解。 5、教学准备：多媒体课件、大提琴、天鹅头饰若干、水彩笔、画画纸、检测表格四张。 二、精选教法让学生想学 高尔基说过：“在听赏音乐时得用自己的经验、印象和知识去补充……”“兴趣是最好的老师。”教育心理学认为：学习者能同时开放多个感知通道，比只开放一个感知通道（如听）能更准确有效地掌握学习对象。为了实现本堂课的教学目标，我采用了“借助动觉，展示听觉体验”的方法。动包含了：动口回答问题、动脑想像意境形象、动体态模仿天鹅舞、动手描出天鹅画，最终使学生动情（表现在上课的兴趣及对天鹅乐曲的喜爱），这是使学生从感知音乐到理解音乐、创造音乐的手段。因此，本堂课我精选了以下教学方法： 1、把生活融入课堂，激发感受与鉴赏的兴趣。 2、多渠道调动学生的多个感知通道参与运用于整个教学过程，使学生主动参与音乐教学，并获得独特感受与见解。 具体教法有：演示法、谈话法、讲授法、讨论法、律动法、描述法、绘画法共七种。 三、暗授学法让学生会学 根据小学生年龄小、注意力集中时间短、好动、愿意表现自我的心理特征，我设计了以下学法： 1、用听、想、看、说、动等多种形式体验音乐，交流互动，升华情感。 2、用画、舞、颂等艺术表现形式表达各自对《天鹅》的独特感受与见解。 这些方法能使学生的心理得到满足，同时各显其能：能画的画一幅《天鹅》画，能舞的跳一段《天鹅》舞，能写的写一首《天鹅》颂，并能使学生扬长避短，充分表达自己对音乐的感受。
大提琴的学习年龄几岁开始比较好 下面为大家介绍大提琴学习年龄，感兴趣的朋友们一起来看看吧!大提琴学习年龄多大开始学大提琴，主要看想不想干专业，现在小孩3岁就有学了。 年纪大的我看过五十多开始学的，作为大提琴爱好者是没有年龄限制的，50多岁一样学的会。 并且50多岁由于时间充裕，大提琴学的好的，还挺多的。 你要想干专业的话10岁之前就一定要学了，越早越好。 作为业余爱好，目前北京还是20多岁，30多岁学大提琴的多。 大提琴从4岁到60岁都可以学，前提是喜欢大提琴。 有三四年拉大提琴的积淀，在学校、公司、社区年会、联欢会、表彰会上，演奏大提琴，问题不大的。 很多成年人学大提琴都是从零开始学的，就是不懂乐理，没有任何音乐基础。 在大提琴的教学中，老师都会把五线谱的知识，教给学生的，不论是成年人还是小朋友，从零开始学大提琴都没有问题。 关于大提琴的知识大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。 在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。 它是甚为人们喜爱的独奏乐器。
作为独奏乐器来说，它的地位仅次于钢琴与小提琴。 大提琴是由古代的膝琴(Viola de gamba)演变而来的，自16世纪以来即流行于世，但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。 经过许多年的实践与改革才算告一段落。 现代大提琴高约48英寸，具有深厚动人的音色。 大提琴四根弦的音高比中提琴低八度(C—G—d—a)，乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表。 它的奏法与中、小提琴不同，是夹在两腿之间演奏。 大提琴的第一根a弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦(G、C)低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。 它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，在高音区时能用姆指把位演奏。 至于演奏技巧，由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同，因而各有难易。 自17世纪大提琴家多曼尼科·加布里埃利(Domenico Gabrielli)写了第一首大提琴独奏曲以来，陆续有人为大提琴创作乐曲。 18世纪时，维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲，后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。 至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如海顿、莫
巴赫无伴奏大提琴组曲乐评 巴赫的六组无伴奏大提琴组曲是无伴奏乐曲中最早闻名于世的典范，在音乐结构、艺术魅力和思想深度上都举世无双。我们一起来看看相关乐评吧。 巴赫无伴奏大提琴组曲乐评 周末赖在床上,灰蒙蒙的阳光还是不留情面穿透了淡色窗帘,突然想听点巴赫,随手翻出斯塔克的巴赫的大六,这是他晚年录制的一版,醇厚的大提琴伴着春日的阳光。 斯塔克晚年的大六速度较65年的水星(Mercury)来的慢。水星版的录音较晚年版的录音偏冷,也快。当然细节也较丰富,这二版录音我都有。在这里斯塔克的演绎是那种稍暖,犹如君子之交淡似水的意思。整体的演奏旋律起伏不大有些慢乐章,前奏曲和萨拉班德的整体处理的甚至有些“支离破碎”内在的分句短促,不够连贯。快速的舞曲乐章也没有那种欢快或者很强的律动,不知道是技巧下降还是为了深度研磨挖掘营造出的效果。这个版本不似法系富尼埃和让德隆的“温文尔雅”,也没有卡萨尔斯的博爱般浓郁的人文精神,总体风格依旧延续60年代版的冷,不过比那版稍暖,第六号组曲D大调晚年版本竟然比水星版多出9分多。这种暖的感觉恐怕是因为速度的处理和慢乐章分句内在的不连贯导致的。 在来说说老罗(Rostropovich)的大六, 这个EMI公司的录音上
市之后不久就被评为三星，带不带花忘了。老罗的演绎就和斯塔克处于两个极端,老罗的大六乐句旋律起伏强烈,充盈着冲突的张力和对比,短句气息连贯,处处浸透着斯拉夫民族的热情洋溢,甚至可以听到老罗演奏时候随着乐句急促的呼吸声,有些乐句带有压迫感或者窒息感,随着旋律和节奏心潮律动起伏。有些乐句甚至是比较较劲的,一个浪漫主义风格的巴洛克作品演绎,甚至有这样的评价,说有点像老罗醉酒之后的演绎。比较Bohemian式的演绎。色彩斑斓恣肆….. 斯塔克的大六感觉是演奏家与大提琴在君子般的娓娓交谈,语气平缓,但不缺少长辈的威严。水星版的封面是现存大六版本中本人看着最舒服的一帧 老罗的版本有点像是激情肆意的波细米亚艺术家与大提琴疯狂的鱼水之欢,时而高山时而低谷时而缠绵私语时而黯然神伤。呼吸急促大汉淋漓….心潮彭湃后气息平顺…. 巴赫的大六不愧是一部经典的大提琴作品,就我看来,斯塔克和老罗占据着二个极端,各有媚惑之处,不能总是君子淡淡,也不能总是情感肆意汪洋。喜欢哪个还是按自己的心情和好恶来选择吧。 巴赫无伴奏大提琴组曲乐评 这是我古典的入门唱片，虽得之偶然，甚幸也。 “bach其实就在那里，没有过分的情感”，在我看来也许是对此片最好的褒扬。 如果说人生有高潮与低谷，那么低谷犹如在冥河中裸泳，高潮好似在云中漫步。何以鉴别，如认为大无甚为欢乐，此刻应当身处逆境，
大提琴独奏：Julian Lloyd Webber 钢琴伴奏：John Lenehan, Pam Chowhan, Richard Rodney Bennett 录音时间：1993.10 录音地点：伦敦亨利·伍德音乐厅 压缩比率：320 kbps (新增APE 无损压缩格式，分轨压制) 专辑介绍： 此专辑是朱利安·劳埃德·韦伯（Julian Lloyd Webber，即著名的音乐剧作曲家安德烈·劳埃德·韦伯的弟弟）为自己的儿子大卫出生（1992.4.25）而录制的一张大提琴摇篮曲专辑。其中包括朱利安自己创作的小品（第一轨），舒曼的《梦幻曲》、舒伯特、德沃夏克、斯科特、勃拉姆斯等作曲家的摇篮曲等。专辑充满了演奏家对于自己孩子的殷殷深情与博大父爱。专辑中的曲目不仅可以作为平时疏解心理压力的曲目，更可以作为孩子晚上入眠前的助眠功能音乐使用。本人作为大提琴专业出身，同时又是一个可爱孩子的父亲 专辑曲目: 01. Song for Baba 02. Kinderszenen, Op.15: No.7 Traumerei 03. Wiegenlied, D.498 04. Cancion de cuna para dormir a un negrito (Cradle Song) 05. Shepherd's Lullaby 06. Wiegenlied 07. Gipsy Melodies, Op.55 No.4: Songs My Mother Taught Me 08. Dream Sequence: a. Baby Let Me Take You Dreaming, b. Sleepyhead, c. Welcome To My Dream 09. Slumber Song 10. Lullaby, Op.57 No. 2 11. Slumber Song 12. Where Go The Boats 13. Chants d'Auvergne: Brezairola 14. A Little Song 15. Alice 16. Histoire de Babar le petit elephant: Lent at melancolique 17. Gentle Dreams 18. Mary's Lullaby 19. Dolly Suite: Berceuse 20. Wiegenlied, Op. 49 No. 4 21. Nursery Suite: Rock-a-bye, Baby/ Rocking Carol/ Golden Slumbers
◎讲 堂 38 ２００９－０７ 关于双音的左手技巧 ◎娜木拉 （承上期） 大提琴教学琐谈之七— 双音是左手技巧中非常重要的一个部分，双音的训练应该尽早开始，这对提高学生左手的技能有很大的帮助。能力强的学生，在初学一年左右就可以开始接触双音练习了。 然而真正的双音练习是指我们应用在音阶中的三度、六度、八度音阶双音，在宋涛教授编写的《大提琴音阶练习分集》中，第二章中就有此练习，这是从Ｃ大调开始的三个八度音阶。在练习这条音阶之前，前面的两个八度音阶的各个大、小调应该已经被学生掌握。双音音阶最好先从三度双音学起，三度双音有一定的难度，从一把位开始主要体现在每一组三度都有一次换把，每一个换把的三度双音把位大小的概念又不同，在练习时应该让学生明确的知道每一次换把的位置及把位大小概念。当进行至拇指把位指法时（第四把位Ｃ和Ｅ音，双音三度时），就是一个新的起点，学生必须了解每一个手指之间的准确距离，也就是音程距离。如果只凭左手手指一个音一个音去找，那就很浪费时间，更没有起到练习双音的真正目的。进行至第四把位开始就到拇指把位了，从这里开始共换三次把位就完成了三度Ｃ大调双音音阶。 而这最后三次换把位对学生来讲是一段比较艰难的过程。 三度双音的指法有几种，最有练习价值的要数大拇指和３指换１指和４指这种。因为从这种指法的形成来看，它在演奏进行当中对每一个手指都是有要求的。在训 练的过程中，手指依照有规律的次序进行，并且对每一个手指的独立性要求较高，通常３指、４指比较弱的学生，正好通过双音三度的练习来提高左手的能力，另一种指法是只用大拇指和２指、或只用１指和４指，不进行换指。这种指法相对音准更容易把握一些，学生会感觉手指用起来比较轻松，双音练起来也不那么难，但它的缺点是没有真正达到练习左手手指的独立性和把位概念的训练，比较可惜，我认为，学生在年龄较小的时候就开始训练双音，这是一件意义重大的事情，趁着学生年龄小，手指的训练和把位的概念正是形成一个良好习惯的时候，如果单纯从音准方面和手指舒服的感觉去练习双音，实际上是背离了我们真正练习双音音阶的目的。在许多大提琴名曲当中，有许多双音指法就是用手指交替的方法进行的，第二种用得比较少，碰到这种较难的乐曲片段，如果没有训练和练习过第一种指法的学生就很难掌握和驾驭这些在乐曲中需要解决的困难。 六度双音练习比三度双音练习要容易一些，三个八度的六度双音音阶到了拇指把位不需要用拇指，但需要学生能够对每一把位换把时，把没有用拇指与１指的距离了解清楚，因为在音阶当中拇指虽然没有用上，但是在乐曲中六度双音却会经常地用拇指，三度与六度双音在教程中有两种指法，４个八度以上的音阶双音就会用到全部用拇指指法练习的双音音阶，这种指法适合于高二年级以上和大学学生训练。 八度双音对初学双音音阶的学生来讲是难度最大的，因为八度双音的手型有特殊的要求，也可以说是大提琴 的一种特殊技巧，要求学生整个手型 要拱起来，只用大拇指和３指，把位很大，要求撑开把，手型不能扁下去。很多学生一开始练习很不适应，出现的问题往往是大拇指不能独立按照手型去做，大拇指按弦的位置在左手拇指右侧的第一关节或较靠前的位置。这两个位置以及整个这一片范围都是可以用来按弦的。有些学生怕疼，不敢按下去，有些学生不习惯，因为不是用手指肚去按，而是侧面，无论什么情况，在学习八度双音期间，老师、学生和家长应该紧密配合，经常观察以帮助学生尽早掌握，对于拇指按弦的位置，只要贴紧一关节至指尖二寸之间都是可以用的，可以因人而异，让学生很快找到合适自己的位置。 再说说八度双音中３指的姿势，３指的三个关节都要拱起来是不太容易做到的，但是要完全掌握八度技巧就必须要做到这一点。３指的姿势主要是体现在手掌的形状，如果整个手掌扁了下去，手指不但不能按要求按弦，甚至几乎不可能把音按住。 手掌的重心非常重要，如果重心不能转移到小指的话，八度双音的手型就不可能做好。 除了大拇指和３指这两个关键手指的姿势要做好，其他手指的状态应该尽可能松弛，这样才能帮助拇指和３指完成好八度双音的演奏，通常有些学生会把１指或４指跷起来，这种下意识的动作反而会增加拇指和３指的负担，是不可取的。 掌握了三度、六度、八度双音音阶，是学习大提琴演奏的一个新的转折点。同时对把位的概念也更清楚了，学习进步会非常明显。 （未完待续） 作者 中央音乐学院 大提琴副教授、研究生导师 正确的八度双音３指姿势 在拇指把位的正确三度双音手型正确的八度双音手型 错误的八度双音手型
音乐教育是艺术教育的重要内容，艺术教育又是美育的重要手段和组成部分。“艺术教育愈发达，人生就愈美化。”在提倡素质教育的今天，美育越来越被人们重视，音乐教育正以前所未有的热度席卷社会。随着音乐教育的升温，学习大提琴的儿童也越来越多，伴随而来的在儿童大提琴教学过程中的问题也越来越多。笔者结合具体事例，简要论述儿童大提琴教学中应该注意的几个问题。 一、儿童生理生长、心理发育的规律和基本特征 学习演奏大提琴是一种手脑并用的具体的实践活动，这里的“手脑”可理解为生理和心理两个方面，“手脑并用”，可以理解为生理和心理的结合。儿童和成年人的生理、心理存在很大的差别，儿童期的“手脑”发育有其自身的特征。儿童生理学认为：人的生理发展可分为两大阶段，即出生前和出生后。出生后的幼儿期（2—6岁）的生长相对减慢，肌肉活动增长缓慢，神经文章来源于https://www.doczj.com/doc/ad6502223.html,/article-4527-1.html协同运动机能及想象能力迅速发展；童年期（6—12岁）以一定速度生长，动作技能熟练,智能发展。相对成年人来说，儿童的骨骼比较柔软，有弹性，但骨化的过程尚未完成，肌肉的收缩能力比较差，脊柱的弯曲还没有定型，长时间保持同一姿态会使肌肉群处于过分紧张状态。儿童受社会和神经系统的制约，动作的发展较为缓慢。 瑞士心理学家皮亚杰把儿童心理发展分为三个阶段：1.感知运动智力阶段（0—2岁）； 2.前运算思维阶段（2—7岁）； 3.具体运算思维阶段（7—11）岁。4—5岁的儿童能够相对地集中他们的注意力，通过观察，提出“为什么”的问题。这时儿童的交往形式是语言和模仿的综合。儿童的注意力也和成年人有很大的差别。心理学家认为，注意是心理活动或意识活动对一定对象的指向和集中，分为有意注意和无意注意。有意注意，又称随意注意，即预先有自觉目的的、必要时需经意志努力、主动对一定事物所发生的注意。有意注意的产生和维持以间接兴趣为决定性的条件，间接兴趣是一种对目的的兴趣，对活动结果的兴趣。调查显示，小学高年级的学生的有意注意一般只能保持30分钟，而学龄前儿童的有意注意的时间要少于30分钟。 二、遵循儿童生理、心理发育规律，科学安排儿童大提琴教学 鉴于上述儿童期的发育特点，在大提琴教学中，应该重视以下几个方面的问题。 （一）倡导游戏教学。儿童心理学家认为，儿童期获得知识的重要方式之一是游戏，游戏是孩子们的天性。有大提琴教育专家把4岁半或5岁开始的第一个半年划分为“嬉游演奏期”。提倡游戏教学，就是在教课中刺激孩子游戏的兴趣，把大提琴乐器当作游戏中的玩具，引发重复游戏的需要。教师可以在和儿童的游戏中教孩子有目的地听唱；与此同时，教会孩子在儿童使用的大提琴上拨弄发声，在调整孩子们手脚的规范性动作中教会持琴、运弓，反复练习比较单一的左右手分别动作，然后再逐渐地配合起来。 演奏八度内的简单儿歌，在兴趣和好奇的引导下，用弓演奏已经学会的儿歌，进一步在空弦上作长弓和中弓的节奏变奏，学习用弓演奏第一把位内的小曲，让孩子们享受到优美的节律带给他们的身心愉悦感。模仿是儿童在游戏中的重要行为之一，儿童之间的行为模仿是本能，是内在的需要，没有额外的压力，不仅接受快、效果好，而且孩子不易感到困难和疲劳。在大提琴教学中也应该重视模仿教学，一是学生对老师的模仿，再是学生之间的互相模仿，这就涉及改变一对一的教学模式。 国内已经有专业的钢琴教师在探讨钢琴教学中的“面对面1＋1听悟式钢琴教学模式”，他们认为，“日本教育家铃木所提倡的教学法中已经提出过一人上课多人观摩，能够更加有效地提高学习效率的实例。同时，铃木教学法早已被世人所采纳推广，并收到了显著成效。”在分析了授课对象和培养目标的基础上，他们提出“面对面1＋1听悟式钢琴教学模式，是目前最适合艺术院校钢琴专业教学的一种新颖的科学的教学教育模式”的看法。这种教学模
大提琴 大提琴是近代管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器。在管弦乐曲中大提琴声部经常演奏旋律性很强的乐句，也与低音提琴共同担负和声的低音声部。它是甚为人们喜爱的独奏乐器。作为独奏乐器来说，它的地位仅次于钢琴与小提琴。 大提琴是由古代的膝琴演变而来的，自16世纪以来即流行于世，但在很长一段时间内乐器的大小一直未能固定下来。经过许多年的实践与改革才算告一段落。现代大提琴高约48英寸，具有深厚动人的音色。 大提琴四根弦的音高比中提琴低八度（C—G—d—a），乐谱通常用低音谱表，在较高音区有时用中音谱表。它的奏法与中、小提琴不同，是夹在两腿之间演奏。大提琴的第一根a 弦发音华丽有力，富于歌唱性，第二根d弦，音色较朦胧，第三、四弦（G、C）低沉响亮，能够承受乐队的非常沉重的音响。它的发音原理虽然与中、小提琴相同，但其手指的把位在低音区与小提琴迥然不同，在高音区时能用姆指把位演奏。至于演奏技巧，由于它在琴身大小、琴弦排列与琴弦长短等方面与小提琴均不相同，因而各有难易。 自17世纪大提琴家多曼尼科?加布里埃利写了第一首大提琴独奏曲以来，陆续有人为大提琴创作乐曲。18世纪时，维瓦尔第、塔尔蒂尼和莱奥等作曲家模仿小提琴协奏曲为大提琴写了不少协奏曲，后在英国、奥地利与法国等地相继出现意大利风格的大提琴协奏曲及其他乐曲。 至于18、19世纪的古典主义与浪漫主义作曲大师们，如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、舒曼、德沃夏克及柴科夫斯基等写了大量大提琴独奏曲、协奏曲与有大提琴声部的室内乐，使这一乐器的性能与技巧得到充分的发展与发挥。其中最常演奏的有巴赫的六首大提琴组曲、博克尼尼协奏曲、海顿的D大调与C大调协奏曲、勃拉姆斯为小提琴与大提琴谱写的a小调协奏曲、舒曼的协奏曲、德沃夏克的协奏曲、柴可夫斯基的《罗可可主题变奏曲》、圣桑的协奏曲等。 其他如拉洛、埃尔加、柯达伊、兴德米特等近、现代作曲家亦写了许多优秀的大提琴乐曲，深受人们的喜爱。
巴赫无伴奏大提琴组曲》赏析 最初听大提琴，是从德沃夏克的协奏曲开始的。那个由罗斯特罗波维奇和卡拉扬合作的录音原版盒带是我最 早的音乐收藏之一。虽然早就知道巴赫的无伴奏大提琴组曲，但想象无(钢琴)伴奏的大提琴独奏，一定是很单调的。所以多年中几乎听遍了所有古典协奏曲，也听了不少巴赫作品，但从未听过它们。后来听了罗氏和李赫特演奏的贝多芬五部大提琴奏鸣曲，才想起该试试巴赫的无伴奏组曲。这一听不得了，由《b小调弥撒》和《马太受难曲》在我心中营造的崇高的巴赫形象，简直就变得“无比伟大”了，也变得更加亲切了。巴赫在这套作品中，用平常的舞曲体裁，通过大提琴深遂的琴声，象一位历经世事沧桑而又智睿非凡的老人，滔滔不绝地向人们讲述他生活的故事和理念…… 我听音乐和吃饭一样，很有点偏食。知道好吃的，多吃。没吃过的，不太愿意去品尝。至今还有很多可以说是标准的古典音乐曲目，我仍未“品尝”过。而自己听过喜欢的作品，很多都有不同演奏版本收藏，有的多达十个以上。这套《巴赫无伴奏大提琴组曲》，我至今收藏了三代大师的演奏：卡萨尔斯，富尼埃，和罗斯特罗波维奇。
不敢在这里多说，也说不出多少各个演绎的特点。但毫无疑问，三位大师的录音都是他们各自一生在大提琴演奏中辉煌成就的总结。但正如很多唱片评论家所指出的，没有哪一位演奏家能解读出这套作品中每部组曲的各个方面的全 部内涵。而就器乐作品的“演绎”再创作而言，演奏家在这套作品中总能发掘出无限的新意。以我浅见，在这方面，很难找到另外一部器乐作品能与之相比了。 仅从第一组曲的前奏曲，从他们下弓的第一个音符，就能感受到三位大师的对作品的非常不同的处理。卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。这段仅两分多钟的乐曲，三人演奏的速度却大不相同。富尼埃最慢，用了近3分钟(2'50)，罗斯特罗波维奇最快，刚2分钟多一点(2'04)，卡萨尔斯的界于其中(2'28)。由此可以窥见各位大师的解读是多么的不同。不过，切不可以为这就概括了他们在这套作品中风格。事实上，就最直接能感受到的演奏速度而言，全部六首组曲，卡萨尔斯的演奏最快，近130分钟，富尼埃比他慢了近10分钟，而老罗最慢，比富尼埃的多用了近10分钟。在第六组曲的阿莱蒙德中，更能听到他们完全不同的演绎。老罗最慢(10'31)，简直将她奏成了一只悲歌似的。而富尼埃最快(5'43)，几乎快了一倍，他在这里只是在对你尽情歌唱，
小学音乐课教学设计 大提琴独奏曲《天鹅》教学设计 清新县第二小学郑少金 教学内容: 西南师范大学版六年级上册音乐第五单元欣赏大提琴独奏曲《天鹅》 教学目标： 初步了解大提琴的形状,演奏姿势和方法,熟悉大提琴的音色和表现特点。初步了解作曲家的创作意图,懂得大提琴独奏曲《天鹅》所表达的意境，以及曲中旋律、速度、力度、音色等表现特征，并能乐于创造性地用形象语言去表达音乐的感受。 教材分析： 《动物狂欢节》组曲共十四段，由十三首标题小曲和终曲组成。在《动物狂欢节》中，作者圣-桑以生动的手法，描写动物们在热闹的节日气氛行列中，各种滑稽有趣的情形。《天鹅》是法国作曲家圣-桑所作的管弦乐曲中流传最广的一首乐曲，由大提琴家演奏，两架钢琴伴奏。展现了清澈明丽、波光粼粼的湖面。乐曲充满了浓郁的诗情画意。乐曲为3/4拍，行板速度，采用三段体结构。作者以安娴、幽静略带忧伤的音调，形象地刻画了“天鹅”纯真的情感和高雅的姿态。 教学重难点： 运用已掌握的音乐知识（旋律、速度、力度、音色等）来感受乐曲的形象和意境，并创造性地用形象语言去表达音乐的感受。 教学准备： 钢琴、多媒体课件等。 教学过程： 一、森林舞会---聆听《天鹅》引子部分 1、师：今天的森林里特别热闹，一大早小动物们就开始忙碌起来了，哦，原来是要举行一场舞会。你听是在什么地方举行这场舞会呢？ 2、教师用钢琴弹奏乐曲的引子部分。 3、指名回答：从音乐里你听出是哪个地方举行舞会？音乐形象地描绘了湖面怎样的景象？ 4、师：你能用你的手臂来表示这波光粼粼的湖面吗？（请学生用左手手臂律动来表示湖
面的水波） 【设计意图：《天鹅》是一首非常短小却又优美的乐曲，作品描绘了一个特定的背景—--波光粼粼的湖面。抓住这一要点，我以一场森林舞会为主线展开教学，通过创设情景从学生的兴趣入手，引导学生主动学习。乐曲的引子部分是用钢琴模仿波光粼粼的湖面，所以从一开始我就注重给学生一个“画面感”：从波光粼粼的湖面切入，立足于感受音乐优雅的气质，令学生运用有创造性的形象语言去表达对音乐的理解。】 二、天鹅之舞----聆听《天鹅》第一部分 1、师：一位森林里公认的舞蹈家来湖面表演舞蹈，让我们一起静静地欣赏它的舞姿吧。（完整聆听全曲） 2、指名回答：这波光粼粼的湖面吸引了谁来跳舞？ 3、师：原来，是森林的舞蹈家天鹅被吸引来了。 4、师：你觉得这是怎样的一只天鹅？你能学一学这高贵优雅的天鹅吗？（请学生学一学天鹅的姿态） 5、师：天鹅展开它优美的翅膀开始跳舞了，你觉得它是怎样舞蹈的？（聆听第一乐段） 6、师：让我们用右手手臂也来学一学天鹅的舞蹈。 7、随音乐用手指把天鹅的舞姿来画一画。（和学生一起画图形谱） 8、师：天鹅完全陶醉在自己的舞姿里了，让我们用“ｍ”哼唱，一起为天鹅的舞姿伴奏。 9、师：湖面的伴奏音乐始终还在吗？请你用左手手臂表示波光粼粼的湖面，右手手臂表示这只跳着优雅舞姿的天鹅，随着音乐一起律动。 【设计意图：乐曲的第一段音乐细腻柔美，层次感教强。通过律动、图形谱、哼唱主题等方法引导学生感受音乐，把学生带入优美的意境。】 四、变化舞姿----聆听《天鹅》的第二部分 1、师：接下来，音乐发生了变化，天鹅的舞姿也发生了变化。你看，芭蕾舞演员也学着天鹅的舞姿跳起了舞蹈。（聆听《天鹅》的第二乐段，观看第二乐段的视频） 2、师：天鹅的舞姿起了哪些变化？（更舒展优美……） 3、师：舞蹈演员是怎样用手臂模仿天鹅的舞姿的？让我们一起学一学。（一起学一学天鹅的舞姿） 4、请女孩子扮演天鹅，男孩子扮演天鹅身边的湖水，随音乐律动。 【设计意图：乐曲的第二乐段运用了模仿手法，情绪显得比较活泼和激动，请男、女生